Ciclo "El Otro Cine"

El Magnífico Cornudo

2011-10-01T04:00:00.001-03:00

Jueves 6 de octubre (función suspendida)

Título Original: "Il Magnifico Cornuto" (1964)

Dirección: Antonio Pietrangeli
Intérpretes: Claudia Cardinale, Ugo Tognazzi, Gian Maria Volonté, Salvo Randone, Bernard Blier, Lando Buzzanca
Guión: Diego Fabbri, Ruggero Maccari, Ettore Scola
Fotografía: Armando Nannuzzi (B y N)
Música: Armando Trovajoli
Producción: Coproducción Italia-Francia
País: Italia - Francia
Duración: 124 min.

Andrea Artusi (Ugo Tognazzi), después de constatar la facilidad con la cual una mujer puede engañar a su marido, comienza a albergar dudas sobre la fidelidad de su bellísima mujer (Claudia Cardinale). La duda pronto se convierte en obsesión y comienza a actuar de forma totalmente absurda frente a ésta, hasta el punto de no dejar de acosarla hasta que le dé el nombre de su amante. (FILMAFFINITY)

"El Magnífico Cornudo" es una película de 1964 dirigida por Antonio Pietrangeli, adaptación de la clásica comedia "Le Cocu Magnifique" (1921) de Fernand Crommelynck.

En la opulenta ciudad industrial de Brescia, el mayor pasatiempo de los burgueses industriales parece ser el adulterio, que es también el principal tema de conversación en las fiestas. Andrea Artusi, dueño de una próspera fábrica de sombreros, felizmente casado con la joven y bella Maria Grazia, parece estar completamente seguro de la fidelidad de su esposa, de reputación inmaculada.

Sin embargo, no puede resistir la tentación cuando Wanda, la esposa de un amigo, se le propone explícitamente. Pero esta relación, aparentemente inocua, se convierte en su ruina mental: después de haber experimentado de primera mano lo fácil que es para una mujer de traicionar a su esposo sin que nadie se entere, empieza a dudar de su esposa y pronto se encuentra obsesionado con la sospecha de que ella tiene un amante. Entonces comienza a hacerla espiar por un antiguo empleado y de ahí en más su cabeza comienza a imaginar a su esposa seduciendo a cuanto hombre se le cruza, lo cual lo lleva a comportarse de una manera cada vez más ridícula.

Estupenda comedia de celos que, más allá de lo divertidísima que es, cala profundo en tópicos como el machismo y el matrimonio. Un Tognazzi inmenso y una Cardinale bellísima y sensual, cuyos personajes van de mayor a menor y de menor a mayor respectivamente, para llegar a un final antológico y justiciero.

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Alfie

2011-10-01T03:00:00.001-03:00

Jueves 13 de octubre (función suspendida)

Título original: "Alfie" (1966)

Dirección: Lewis Gilbert.
Intérpretes: Michael Caine, Vivien Merchant, Shelley Winters, Jane Asher, Millicent Martin, Julia Foster.
Guión: Bill Naughton
Fotografía: Otto Heller
Música: Sonny Rollins
Producción: Lewis Gilbert - Paramount Pictures
País: Gran Bretaña
Duración: 113 min.

"No quiero el respeto de ninguna mujer. No sabría qué hacer con él." (Alfie)

Alfie (Michael Caine) es un cockney londinense que trabaja como conductor en una empresa de coches de alquiler. Es famoso en la ciudad por ser un galán seductor e irresistible. Sus numerosas conquistas le hacen ver lo deliciosa que es la vida de soltero; además, todas las chicas desean que sus nombres figuren en esa lista de honor, de la que Alfie se siente tan orgulloso. (FILMAFFINITY)

Esta comedia dramática supuso el descubrimiento internacional de un actor extraordinario, Michael Caine, que aquí encarna a Alfie, un cínico y mujeriego londinense envuelto en una hedonista vorágine que lo conducirá en un periplo de alta libido hacia una existencial zozobra interna.

Alfie es un tipo despreocupado, insensible pero simpático. Un Casanova del siglo XX que sin querer asumir responsabilidades de ningún tipo, busca hacer acopio de sus numerosas conquistas femeninas para satisfacer sus instintos más primarios.
Mujeres de muy distinta índole social y psicológica pasarán por su cama (y coche) utilizando para su conquista todos los métodos imaginables de seducción. Lo malo es que el cazador puede acabar él mismo siendo presa de su montería...

La película va desarrollando por la esencial mediación del diálogo las desventuras amorosas y emocionales del rubio Alfie en el swingin' London sesentero desde el propio punto de vista del personaje y al ritmo jazzero de Sonny Rollins.
Caine no cesa de hablarnos a la cámara comentando su propio sentir desde una postura harto arrogante hacia la vida y los componentes de la misma. Vamos así acompañando sus acciones casi de manera cómplice hasta contemplar la caída en su propia trampa envueltos en un cúmulo de sensaciones que el guión de Bill Naughton, la realización de Lewis Gilbert y la interpretación de Michael Caine saben trasladar con notable énfasis.

Lo mejor del film las interpretaciones de todos los personajes implicados en la historia, sobresaliendo la prodigiosa actuación de Caine, que sería nominado al Oscar de Hollywood al igual que Vivien Merchant, la actriz que interpreta a la mujer de su amigo del hospital.
Para fans de los Beatles, cabe citar que Jane Asher, la muchacha pelirroja que hace autostop era la antigua novia de Paul McCartney (y hermana de Peter Asher, miembro del dúo Peter & Gordon). Siguiendo con la melomanía, indicar que la canción "Alfie", compuesta por Burt Bacharach y Hal David está cantada por la popular Cher.
(Texto extraído (eliminados los spoilers) de Aloha Criticón http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article395.html)

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Audaz Golpe de los Desconocidos de Siempre

2011-09-01T08:00:00.002-03:00

Jueves 1 de septiembre

Título original: "Audace Colpo dei Soliti Ignoti" (1960)

Dirección: Nanni Loy
Intérpretes: Vittorio Gassman, Renato Salvatori, Claudia Cardinale, Nino Manfredi, Carlo Pisacane, Tiberio Murgia, Vicky Ludovici y otros.
Guión: Agenore Incrocci (Age) y Furio Scarpelli; Nanni Loy en diálogos.
Fotografía: Roberto Gerardi
Música: Piero Umiliani - Chet Baker
Producción: Franco Cristaldi
País: Italia
Duración: 113 min.

Peppe el Pantera (Vittorio Gassman en un inolvidable papel) acude con su banda de ladrones a la llamada de un amigo, Virgilio "el milanés" (Riccardo Garrone). En Milán tienen la oportunidad de dar un golpe maestro, consistente en atracar un camión que transporta el dinero de la recaudación del "Totocalcio" (el Prode italiano). Pero como es de esperarse, pronto las cosas se complican.

Nanni Loy sustituye como director a Mario Monicelli en esta secuela del antológico film "Los Desconocidos de Siempre", una de sus mejores comedias. Vittorio Gassman y Claudia Cardinale retoman sus divertidos personajes junto a un inolvidable Carlo Pisacane en su papel de Capanelle, Tiberio Murgia y Gastone Moschin, esta vez sin Marcello Mastroianni pero con la presencia de Nino Manfredi y Vicky Ludovici.

El film, al igual que su predecesor, resulta ser una parodia de las películas al estilo de Rififí, con una organización científica de grandes golpes criminales pero en un clima de improvisación a la italiana que le otorga un tono irresistibilmente comico y ridículo. La estupenda banda sonora original de Piero Umiliani con solos de trompeta de Chet Baker contribuye a evocar irónicamente el género policial antes mencionado.

Resaltando aún más la veta cómica de su antecesora, esta secuela es fundamental para todos aquellos que aprecien o gusten de la época de oro de la comedia italiana y de visión obligatoria para los que vieron la primera.

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Hablemos de Mujeres

2011-09-01T07:00:00.000-03:00

Jueves 8 de septiembre

Título original: "Se Permettete Parliamo di Donne" (1964)

Dirección: Ettore Scola
Intérpretes: Vittorio Gassman, Walter Chiari, Riccardo Garrone, Marco Tulli, Eleonora Rossi Drago, Maria Fiore, Attilio Dottessio, Rosanna Gherardi, Mario Lucidi, Donatella Mauro, Ivy Olsen, Olga Romanelli, Heidi Stroh.
Guión: Ettore Scola, Ruggero Maccari
Fotografía: Alessandro D'Eva (B y N)
Música: Armando Trovaioli
Producción: Concordia Compagnia Cinematografica / Fair Film
País: Italia
Duración: 108 min.

Primer largometraje de Ettore Scola, conformado por nueve segmentos independientes protagonizados maravillosamente por Vittorio Gassman, que hablan sobre el amor, el romance, y en definitiva, las mujeres. Con un tono satírico y melancólico al mismo tiempo, Scola consigue retratar con extraordinaria maestría la sociedad italiana en el período del boom económico.

Ettore Scola, como buen italiano, no ahonda en el porqué sino en el cómo se comportan las féminas a lo largo de nueve sketches -o nueve maneras diferentes de reírse de las relaciones entre hombres y mujeres. Pero no sólo retrata a las mujeres, sino también al carácter del hombre italiano (o latino en general): embaucador, vividor, machista, pollerudo y con una irresistible pasión por seducir a todo lo que tenga dos piernas y escote.

El camaleónico Vittorio Gassman interpreta diferentes papeles en cada uno de los episodios, desde un bromista empedernido hasta un prisionero y desde un campesino bruto hasta un niño de mamá, siempre rodeado de bellas mujeres italianas. Así, a lo largo del film desfilan por la pantalla toda una fauna masculina de farsantes, libidinosos, sometidos, perdedores, perezosos, jetones, cornudos, cartoneros, playboys y unos cuantos chantas.

Un verdadero tour de force interpretativo que sólo puede ser llevado adelante por un actor brillante, dúctil y único como el grande Vittorio.

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Los Monstruos

2011-09-01T06:00:00.000-03:00

Martes 13 de septiembre

Título original: "I Mostri" (1960)

Dirección: Dino Risi
Intérpretes: Vittorio Gassman, Ugo Tognazzi, Michèle Mercier, Marisa Merlini, Lando Buzzanca y otros.
Guión: Agenore Incrocci, Furio Scarpelli, Elio Petri, Dino Risi, Ettore Scola, Ruggero Maccari.
Fotografía: Alfio Contini (B y N)
Música: Armando Trovajoli
Producción: Mario Cecchi Gori
País: Italia - Francia
Duración: 115 min.

A principios de los años sesenta, en Italia comienzan a proliferar las películas de episodios. Con un tratamiento de comedia, estas cintas por lo general rondaban sobre un tema común o en torno a la personalidad de un actor cómico, y agrupaban unos cuantos episodios de variadas duraciones. Con esto se intentaba retratar desde distintos prismas a la sociedad italiana, realizando una sátira de sus costumbres, y al mismo tiempo un especie de crítica social. Una de las películas mas famosas de este tipo es “I Mostri”, la cual fue dirigida por Dino Risi, y cuyo guión es obra de Age-Scarpelli, Ugo Petri, Ettore Scola y el mismo Risi. En ella, el director realiza un dibujo ácido de la sociedad italiana, a través de unos personajes que salen de lo normal.

Durante 118 minutos, Risi recorre en veinte episodios "la manera pérfida y sutil en la que el progreso inscribe las viejas lacras humanas: la hipocresía, el desprecio, la mentira, el egoísmo, la manipulación, el abuso, etc.". La duración y las estructuras de cada uno de los episodios son bastante diferentes, pero todos están relacionados de manera uniforme con la Roma de principios de los sesenta. Además, todos los episodios giran alrededor de una figura central, usualmente caricaturesca, interpretada por los dos actores principales, los cuales aparecen de manera alternada en cada uno de los segmentos. Mientras que algunos episodios son muy cortos y presentan una estructura similiar a la de un sketch, otros poseen una construcción más elaborada de la historia, aunque no por eso son necesariamente mejores o más representativos de una sociedad que a los ojos del director se encuentra completamente torcida.

Dino Risi dibuja al monstruo social que habita en la Roma de los sesenta, enfatizando el carácter patológico de este nuevo ciudadano, con todos sus rasgos característicos, donde el bien propio está por sobre el bien común, y donde los defectos físicos aparecen como un forma de discriminación. Cada uno de los episodios representa una mirada cínica y contradictoria de este país que experimenta un periodo de rápida transformación, donde tanto al interior de la familia, en la política, en la educación y la religión, comienza a gestarse un cambio importante en los valores y los códigos impuestos años atrás.

Mediante una excelente dirección, estupendas actuaciones, un inteligente guión y una más que adecuada banda sonora, obra de Armando Trovajoli, Dino Risi logra convocar con éxito a los rostros de la miseria entre la risa y el espanto.

(Extraído -sin spoilers- de CinemaScope: una mirada al 7mo arte http://fantomas-cinemascope.blogspot.com/2009/06/i-mostri-acida-critica-una-sociedad.html)

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En Nombre del Pueblo Italiano

2011-09-01T05:00:00.009-03:00

Jueves 22 de septiembre

Título original: "In Nome del Popolo Italiano" (1971)

Dirección: Dino Risi
Intérpretes: Vittorio Gassman, Ugo Tognazzi, Ely Galleani, Yvonne Furneaux, Michele Cimarosa, Renato Baldini, Pietro Tordi, Maria Teresa Albani, Enrico Ameri.
Guión: Agenore Incrocci y Furio Scarpelli
Fotografía: Alessandro D'Eva
Música: Carlo Rustichelli
Producción: International Apollo Films
País: Italia
Duración: 103 min.

Mariano Bonifazi (Ugo Tognazzi) es un honrado pero inflexible juez de izquierdas italiano. Mientras lleva a cabo la investigación del asesinato de una joven, ocurrido en extrañas circunstancias, comienza a sospechar que un famoso empresario llamado Lorenzo Santenocito (Vittorio Gassman) está vinculado al crimen. Lorenzo, desprejuiciado, multimillonario y prevaricador, es un vividor con pasado fascista. El funcionario cree firmemente que ha mantenido relaciones con la muerta, así que dirige su investigación a destruir la coartada que el industrial se ha armado. (FILMAFFINITY)

Por momentos tragicómica, por momentos satírica y corrosiva, va mucho más allá de la simple historia detectivesca. Una vez más los geniales guionistas Age y Scarpelli (autores de "I Soliti Ignoti", "La Grande Guerra", "Tutti a Casa", "Mafioso", "I Mostri", "L'armata Brancaleone", "The Good, the Bad and the Ugly" y "C'eravamo tanto amati", por mencionar sólo algunos) abordan cáusticamente temas de gran densidad sin hacer pesada la trama ni caer en el panfleto, sino enriqueciéndola y dándole sustento a todo el relato.

En esta historia se enfrentan dos enormes personajes -interpretados extraordinariamente por dos enormes actores en un tour de force inolvidable- con valores e ideologías opuestos, -el tenaz magistrado "difensore di leggi che proteggono una società che fa schifo" y el engreído industrial sospechoso de asesinato-, Dino Risi realiza uno de los mejores films de denuncia político-social, atacando sin piedad a la sociedad entera, con su sistema judicial, su burocracia, su corrupción, el mundillo de los grandes negocios (la empresa química que contamina el entorno, la constructora que avanza fuera del marco de la legalidad, etc.), la enorme hipocresía de todos (desde el mismo industrial hasta los padres de la víctima pasando por todos los que están en medio) y la decadencia cultural del pueblo italiano -cuyo arquetipo y emergente natural reconoce el magistrado en la figura de Santenocito, al cual debe juzgar "en nombre del pueblo italiano".

Acompaña una impecable banda de sonido a cargo del prolífico compositor italiano Carlo Rusticchelli (autor también de numerosas bandas sonoras, tales como "L'armata Brancaleone", "Brancaleone Alle Crociate ", "Divorzio All'italiana", "Made in Italy" y "Detenuto in Attesa di Giudizio").

Una obra maestra casi olvidada de Dino Risi, con un final de notorio simbolismo, fellinesco, singular y lapidario a la vez, donde no se salva nadie e invita al espectador a pensar por sí mismo sobre el rol de la justicia y la sociedad italiana, aunque se puede aplicar sin problema a cualquier otra sociedad con características similares (como por ejemplo la Argentina).

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El Desierto de los Tártaros

2011-09-01T04:00:00.020-03:00

Martes 27 de septiembre

Título original: "Il Deserto dei Tartari" (1976)

Dirección: Valerio Zurlini
Intérpretes: Vittorio Gassman, Jacques Perrin, Giuliano Gemma, Helmut Griem, Philippe Noiret, Jean-Louis Trintignant, Max von Sydow, Fernando Rey, Francisco Rabal, Laurent Terzieff
Guión: André G. Brunelin, Jean-Louis Bertucelli (Novela: Dino Buzzati)
Fotografía: Luciano Tovoli
Música: Ennio Morricone
Producción: Coproducción Italia-Francia; Cinema Due / France 3 Cinéma
País: Alemania Occidental, Francia, Italia
Duración: 140 min.

Miembros de un ejército de difícil filiación esperan a lo largo de los años un ataque de los tártaros. Están tácitamente encerrados en la fortaleza de Bastiano, una construcción rodeada por los restos de una ciudad destruída y calcárea que limita con el desierto; "con la nada", como precisa uno de los personajes, pero que está estratégicamente situada para defender el paso de un inmenso y legendario desierto. Habitan un espacio casi mítico, alejado de la historia, del tiempo y del espacio, esperando que algo suceda entre la rigidez de las normas militares y la soledad absoluta y repetitiva de un lugar que está casi fuera del mundo. La vida de la guarnición se desarrolla en medio de patrullas, sesiones y discusiones sobre tácticas de batalla, mientras esperan que el ataque de un enemigo que nunca llega pueda justificar su presencia allí.

La historia se centra en el joven Giovanni Drogo, quien poco después de su ingreso en la fortaleza pretende abandonarla, intentando conseguir un certificado médico que lo releve, pero luego decide quedarse esperando el momento de que le lleguen las glorias militares, la lucha, la guerra...

Las grandiosas tomas del inmenso desierto, las montañas y la extraña ciudad abandonada, que parece contener algún misterio de tiempos pasados, todo contrasta terriblemente con el destino de los hombres: sólo basta con ver sus ridículas ceremonias, su férrea disciplina militar, su absurda e irrisoria carrera en medio del olvido, mientras lo sacrifican todo -salud, juventud, familia, amigos- por un ideal militar: liderar la defensa contra el ataque de un enemigo al que nadie jamás ha visto.

Los personajes están repletos de emociones reprimidas y confusión interior; el fuerte es una metáfora de su prisión espiritual y el enorme desierto es un recuerdo de sus miedos y aspiraciones perdidas a través de años y años de rutinas repetitivas que terminan convirtiéndose en sus vidas, mientras esperan que algo extraordinario les dé algún sentido a sus existencias.

La arena del desierto, la artificialidad de la vida militar dentro de la fortaleza, los rituales y los uniformes, los miedos inconfesados, las amistades y enemistades entre los oficiales, la autoridad que casi nunca explica sus decisiones, los recuerdos a medias de sus vidas pasadas, y el presentimiento siempre presente creado por las sombras del desierto, sombras que a veces generan visiones de una amenaza indefinible; una amenaza aplazada e inconcreta, pero obsesivamente presente.

Valerio Zurlini y su productor-protagonista Jacques Perrin fueron fieles a la novela, llevando a la pantalla una de las obras maestras de la literatura más abstractas, metafóricas y depresivas del siglo XX (además de ser una de las pocas novelas admiradas por Jorge Luis Borges). Con un reparto excepcional, Perrin está perfecto y convincente en su papel de Drogo, el joven oficial que espera y espera por algo que no sucede: el ataque de los tártaros simboliza todo aquello que anhela pero que tal vez cuando llegue sea demasiado tarde. Valiente, orgulloso y con grandes expectativas, el héroe se va volviendo cada vez más débil y fracasado bajo el peso implacable de los años.

Acompaña un reparto excepcional: Vittorio Gassman como el coronel Filimore, un hombre experimentado e inteligente que contrasta con el Mayor Mattis (Giuliano Gemma), un fanático de las reglas y el orden; Max Von Sydow en una de las actuaciones más brillantes de la película interpretando a Hortiz, un oficial veterano que espera de que llegue el ataque tártaro les cambie la vida; junto a Jean-Louis Trintignant, Francisco Rabal, Fernando Rey, Philippe Noiret y Helmut Griem.

La impresionante fotografía es realzada por la música de Ennio Morricone, ambas ayudan a retratar el paisaje onírico, inexorable y sobrecogedor que envuelve a este inolvidable y único film.

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Il Sorpasso

2011-09-01T03:00:00.000-03:00

Jueves 29 de septiembre.

Título original: "Il Sorpasso" (1963)

Dirección: Dino Risi
Intérpretes: Vittorio Gassman, Jean Louis Trintignant, Catherine Spaak y otros
Guión: Dino Risi, Ettore Scola, Ruggero Maccari
Fotografía: Alfio Contini
Música: Riz Ortolani
Producción: Fair Film / Incei Film / Sancro Film
País: Italia
Duración: 105 min.

Una típica crónica italiana de los años sesenta. Con en la extrovertida personalidad de Gassman, el argumento, en el que intervino un joven Ettore Scola, describe la amistad de un vividor prefesional y un tímido, facilmente modelable estudiante que recibe sus lecciones de viveza en una Roma inesperadamente desdoblada por las vacaciones, aunque siempre palpitante en fiestas y reuniones de la alta burguesía.

Dino Risi consiguió del film una dimensión emblemática que ganó en popularidad a otros títulos suyos quizás más comprometidos y ambiciosos.

"Il sorpasso", vista a la distancia, se ha convertido en el documento visual-auditivo que mejor revela la eclosión de un estado de súbito bienestar socioeconómico de la cultura peninsular, después de los amargos años de privación de la posguerra. En 1962 Italia vivía, en efecto, una euforia de expansión y consumismo: fue la fiebre de los electrodomésticos, el turismo, la moda, los festivales de música, los temas bailables de Peppino di Capri y la exultante incitación a volar de Domenico Modugno, los shows de la TV, la diversión playera y, sobre todo, la pasión por los autos. La apoteosis de los nuevos "automovilistas ("i motorizzati") dio lugar a varias comedias. "Il sorpasso" fue la más notoria.

Pero, además, la de Risi era una gran comedia. Con una apariencia de entretenimiento veraniego, la acción -según el argumento de Ettore Scola y Rugero Maccari- presenta al inefable e incontenible Bruno, una creación de Vittorio Gassman que dio lugar a un arquetipo: el fanfarrón que hace sonar el claxon de su Alfetta Spider (una "máquina" que se convirtió en legendaria) y se burla de los demás automovilistas de la ruta adelantándoseles a toda velocidad (eso es, en Italia, un "sorpasso"), seduce mujeres y con su simpatía conquista a todo el mundo. En su paseo por los alrededores de Roma, en ese tórrido agosto arrastra a un pusilánime estudiante de derecho (Jean-Louis Trintignant), que resultará la víctima trágica de las bravuconadas automovilísticas de Bruno.

Vittorio Gassman, que en 1960 habia dado un adelanto de su personaje en "Il Mattatore", recuerda de "Il sorpasso" la secuencia en la que su incontenible Bruno baila con la mujer de un empresario en un restaurante de la ruta. "Y a mí me salió del alma algo impensado." Gassman-Bruno, en efecto, se separa un poco de su compañera de baile y, al ver el efecto arrobador de sus mimos, le espeta el inmortal comentario fanfarrón: "Modestamente..." El actor evoca ese rapto inefable: "Si entre mis muchísimos films yo tuviera que elegir uno, sería "Il sorpasso", porque aquel "Modestamente...", para mí fue mi Hamlet".

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Este es el tema principal de la película:

Casta de Malditos

2011-08-01T02:00:00.000-03:00

Jueves 11 de agosto

Título original: "The Killing" (1956)

Dirección: Stanley Kubrick
Intérpretes: Sterling Hayden, Coleen Gray, Vince Edwards, Jay C. Flippen, Marie Windsor, Ted DeCorsia, Elisha Cook, Joe Sawyer, Timothy Carey, Jay Adler, Joe Turkel, Kola Kwarian, James Edwards, Tito Vuolo, Cecil Elliott, Dorothy Adams, Herbert Ellis, Pary Carroll
Guión: Stanley Kubrick (Novela: Lionel White. Diálogos: Jim Thompson)
Fotografía: Lucien Ballard (B y N)
Música: Gerald Fried
Producción: MGM / UA
País: EE.UU.
Duración: 83 min.

SINOPSIS Johnny Clay, un ex convicto, ha decidido dar el último golpe de su vida: llevarse la recaudación de un hipódromo. Selecciona meticulosamente a los que serán sus colaboradores, y planea la estrategia del asalto con precisión insospechada... (FILMAFFINITY)

"La mejor película de Kubrick (...) Genial guión; Kubrick exprimió el zumo de la imaginación del gran novelista Thompson y logró que escribiese uno de los juegos de geometría cinematográfica más precisos de que hay noticia" (Ángel Fdez. Santos: Diario El País)

El filme narra la planeación y posterior ejecución de un “gran golpe” al hipódromo de Long Island en Nueva York, que dejaría como ganancia un botín de dos millones de dólares durante la celebración de la carrera más importante de la temporada. El protagonista y autor intelectual del atraco es Johnny Clay, un delincuente veterano quien durante los cuatro años de recluído en prisión ha preparado minuciosamente un plan perfecto con el cual piensa retirarse de por vida. Para llevarlo a cabo, ha decidido reclutar a colaboradores no profesionales y evitar de esta forma los errores habituales que se desprenden de esa situación. De hecho, cada uno de sus compinches no sólo sabe poco o nada del otro, sino que tienen un lugar asignado en la compleja operación que Clay ha ideado para saquear las taquillas del hipódromo. A su vez, todos ellos cargan con serios problemas económicos y personales (pérdidas en la bolsa o en apuestas, deudas a prestamistas gangsteriles, una esposa arpía e interesada, una mujer enferma, la soledad, etc.) y esperan solucionar sus preocupaciones y comenzar una nueva etapa con las ganancias del delito.

Stanley Kubrick había filmado anteriormente dos intrigantes relatos; no obstante, fue precisamente este insuperable ejemplo de cine negro, que lo colocó como un creador de respeto, debido a la compleja estructura de relojería que establece. En particular, el uso del espacio y la construcción del tiempo: la utilización constante del flashback, el papel del narrador omnipresente, o las escenas que se repiten para mostrarnos otro ángulo de la situación. Asimismo, su impresionante y ágil ritmo, apoyado en un extraordinario elenco, muchos de ellos figuras o actores de apoyo de filmes policíacos Serie B.

Su notable banda sonora está a cargo de Gerald Fried, quien más tarde musicalizaría decenas de series de TV de culto como: "La ley del Revólver", "La isla de Gilligan", "Viaje a las Estrellas", "El Agente de Cipol", o "Perdidos en el Espacio". Al igual que la fotografía a cargo de Lucien Ballard, el mismo de "Temple de Acero" y varias películas de Sam Peckinpah como "La Pandilla Salvaje" o "La Huída", entre otras.

Kubrick consigue asociarse con el emprendedor productor James B. Harris -más tarde convertido en realizador (Cop, El vigilante)- y adaptar así la novela de Lionel White, apoyado en los diálogos por otro estupendo novelista policiaco hard boiled, Jim Thompson, con la que confirmó su capacidad narrativa y su inclinación hacia la violencia y el desencanto social al narrar los pormenores de un singular asalto millonario planeado meticulosamente por Johnny Clay -estupendo Sterling Hayden-, un ex convicto que ha obtenido su libertad, apoyado por cuatro perdedores: un cantinero, un cajero del hipódromo, un contador alcohólico y un policía endeudado. El relato sirvió a su realizador para romper las convenciones del suspenso al fragmentar el tiempo de manera innovadora superando el simple alarde estilístico para influir directamente en la estructura argumental.

Este film de Kubrick representa uno de los puntos más álgidos del llamado cine negro estadunidense, realizada en un tono muy cercano al documental policiaco, que propone una inquietante visión fatalista del entorno. Al ocaso del antihéroe que se juega la vida en busca de una oportunidad corresponde una iluminación que destaca lo oscuro de sus planes y lo inaccesible de éstos. Rostros iluminados desde abajo produciendo efectos siniestros, escenarios claustrofóbicos o travellings coreográficos en contraste con un montaje vertiginoso y nerviosistas secuencias de acción.

Aquí, todas las situaciones que anteceden al atraco parecen perfectas e infalibles, sin embargo es evidente el tono pesimista del relato y los puntos débiles de sus protagonistas. Ejemplo de ello, la ambición y la amoralidad sexual de la feme fatale, misma que resulta muy explícita en una novela y en una película de los años cincuenta y que encarna de manera formidable Marie Windsor en el papel de Sherry Peatty, una mujer cínica y sensual, de alto voltaje erótico que se aburre con su marido, el más apocado miembro de la banda (el gran Elisha Cook Jr que trabajo en filmes como "El Halcón Maltés", "Dillinger", "Al borde del Abismo" o "La hora del vampiro"/Salem’s Lot). Y es que de manera muy común en el género policial noir, los personajes femeninos se trastocan en víctimas o en victimarias y a su vez, en foco de conflictos.

Atracos, secuestros, pasión, alcohol, homosexualidad latente y sutil, traiciones, y personajes que parecen piezas de ajedrez en el que se describen minuciosos retratos sicológicos de sus personajes al margen de la ley, eclipsados por un pesimismo y un destino implacable. Por encima del interesante trabajo de estructura temporal alrededor del robo al hipódromo, "Casta de Malditos" es sin duda un gran relato de personajes. El espectador conoce los motivos que han llevado a cada uno de los integrantes de la banda a cometer ese atraco: el policía endeudado con un mafioso, el marido que cuida de su esposa enferma, el esposo cobarde que quiere una vida normal con una arpía sedienta de sexo y dinero y a su vez, el protagonista obsesionado con el golpe perfecto en un universo de perdedores como sucede en el impactante final.

Un filme que va acelerando el ritmo y la emoción gracias a la forma en la que Kubrick juega con el tiempo, acelerándolo o deteniéndolo para conducir al espectador a momentos muy concretos de la historia, a la vez que ayuda a situarlo en las escenas clave que nos muestran, los motivos y los errores de los personajes quienes, como en una partida de ajedrez tienen un valor y una trayectoria específica, de ahí, la aparente e inocua secuencia en la que Clay busca al luchador retirado Maurice (Kola Kwariani), precisamente en un club de ajedrez, en dónde éste ofrece consejos a un jugador en relación a la manera de mover las piezas para ejecutar un jaque mate.

Rafael Aviña
Fuente: http://cineclubviena294.wordpress.com/2011/02/25/casta-de-malditos-the-killing-estados-unidos-1956/

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Pan, Amor y Fantasía

2011-08-01T01:00:00.000-03:00

Jueves 18 de agosto

Título original: "Pane, Amore e Fantasia" (1953)

Dirección: Luigi Comencini
Intérpretes: Gina Lollobrigida, Vittorio De Sica, Roberto Risso, Marisa Merlini, Virgilio Riento, Maria Pia Casilio, Tina Pica, Memmo Carotenuto
Guión: Luigi Comencini y Ettore M. Margadonna
Fotografía: Arturo Gallea (B y N)
Música: Alessandro Cicognini
Producción: Titanus
País: Italia
Duración: 92 min.

La película, que obtuvo una nominación a los Oscar al mejor guión y fue galardonada con el Oso de Plata en el festival de Berlín de 1954, lanzó a Gina Lollobrigida como estrella del cine italiano y fue el primer éxito de Luigi Comencini. En Sagliena, un pequeño pueblo imaginario del centro de Italia, Antonio Carotenuto, un subteniente de los “carabinieri” procedente del norte de Italia, de mediana edad, soltero y mujeriego (interpretado magistralmente por Vittorio De Sica), se enamora de la guapa Maria Pizzicarella. Maria, llamada la “Bersagliera”, tiene numerosos admiradores, entre los que está también el cabo Pietro Stellati, sobrino del párroco del pueblo, que no se le declara por ser demasiado tímido. Maria corresponde sinceramente a su amor y está decidida a conquistar al joven entre renuencias y concesiones, a pesar de sus escarceos con el maduro subteniente. También Anna la comadrona está enamorada de Antonio, pero oculta sus sentimientos.

La película se desarrolla como una comedia costumbrista con toques de drama. La estética corresponde al neorrealismo italiano, dentro de lo que se ha llamado "neorrealismo rosa", que ofrece una visión optimista, no focalizada en aspectos lacerantes, sino que éstos aparecen reflejados ocasionalmente en el film, confiriéndole un cierto sabor amargo a esta comedia. La población de la aldea incluye ancianos ociosos, que se entretienen como mirones, que alimentan rumores y sospechas. La pobreza se visualiza en el vestir, las viviendas, la precariedad de las infraestructuras y la escasez de alimentos. Cuando el comandante pregunta a un vecino qué come, éste le responde “pan con fantasía” (pan solo). Por la pantalla desfilan personajes típicos de la época, como el vendedor ambulante de telas, los intocables sobrinos del párroco, la leñadora joven, decidida, inocente y de corazón de oro, María “Fisky” De Ritis, etc. Se ven acontecimientos colectivos, hoy tan singulares como la peregrinación de dos días a un monasterio próximo, la procesión de San Antonio con ángeles blancos, la fiesta en la plaza mayor, los uniformes de gala. Las historia está salpicada de humor sutil, irónico y mordaz, que se afirma a través de gestos, situaciones y palabras. En el centro del relato se levanta la sensualidad, atractivo, diligencia y espontaneidad de María, envidiada, admirada y deseada. En lo que hace referencia a sus intereses y a sus amores, ella es la que manda por encima de todos (comandante, párroco, alcalde, comadrona y madre). Encarna a la mujer independiente y autosuficiente, que se formó durante la II Guerra Mundial y se impuso en la posguerra.

El guión se basa en la realidad de las aldeas italianas en los años de posguerra. Se rodó en exteriores de Castel San Pietro Romano (Lazio) y en los Titanus Studios (Roma).

La música, del prolífico Alessandro Cicognini, hace uso de melodías de aires populares, atávicos y rústicos (armónica, flauta). La fotografía ofrece perspectivas amplias y de gran profundidad, primeros planos expresivos y una larga sucesión de diálogos. El filme obtuvo un gran éxito de público gracias a las brillantes interpretaciones de Vittorio de Sica y Gina Lollobrigida en unos de sus papeles más recordados, así como el gran casting de actores secundarios.

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El Especulador

2011-07-01T02:00:00.000-03:00

Jueves 7 de julio

Título Original: "Il Boom" (1963)

Dirección: Vittorio De Sica
Intérpretes: Alberto Sordi, Gianna Maria Canale, Elena Nicolai, Ettore Geri, Alceo Barnabei, Federico Giordano
Guión: Cesare Zavattini
Fotografía: Armando Nannuzzi (B y N)
Música: Piero Piccioni
Producción: Dino de Laurentiis Cinematografica
País: Italia
Duración: 97 min.

En "Il boom" Sordi encarna a Giovanni Alberti, un hombre que se endeuda por una simple y estúpida razón: que gasta más de lo que gana. En pleno despegue económico, para complacer a su esposa, intenta a sostener un nivel de vida que está mucho más allá de sus posibilidades reales, y ya nadie quiere prestarle dinero. Para colmo ella, acostumbrada a vivir cómodamente, sin querer sacrificar nada, y obsesionada por las apariencias, le exige vacacionar en el mismo lugar donde lo hacen sus amistades, y él no se atreve a contarle que está en bancarrota por miedo a que ésta lo deje.

Finalmente, cuando ella y su padre, un general del ejército, se enteran, le piden el divorcio, reprochándole lo inútil que es y el bochorno por el que están pasando.
Ahogado por las deudas y sin nadie más a quien pedirle préstamos, conoce a la señora Bausetti (Elena Nicolai en un papel impagable), esposa de un millonario hombre de negocios, que lo invita a su casa en forma misteriosa, ofreciéndole el dinero que tanto necesita, a cambio de algo que luego hablarán a solas. Al principio él cree que ella quiere ser su amante y ante su situación desesperada, acude a la cita. Pero lo que ella quiere de él es otra cosa. A partir de allí, se sucede una serie de situaciones hilarantes y dramáticas al mismo tiempo.

Estupenda comedia negra con un Alberto Sordi en su mejor momento, donde los geniales De Sica y Zavattini satirizan despiadadamente a una sociedad donde las apariencias pesan más que la realidad, donde las amistades y hasta los amores se mueven por el interés y en la que sólo cuenta el éxito a cualquier precio.

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Razzia

2011-07-01T01:00:00.002-03:00

Jueves 14 de julio

Título Original: "Razzia Sur La Chnouf"

Dirección: Henri Decoin
Intérpretes: Jean Gabin, Lino Ventura, Albert Rémy, Magali Noël, Lila Kedrova, Marcel Dalio.
Guión: Henri Decoin, Maurice Griffe, Auguste Le Breton (novela)
Fotografía: Pierre Montazel (B y N)
Música: Marc Lanjean
Producción: Jad Films / Société des Etablissements L. Gaumont
País: Francia
Duración: 105 min.

Polar francés basado en una novela de Auguste le Bretón (que efectúa una breve aparición) y centrado en el mundo del tráfico de drogas, al cual retrata desde dentro. Estupendamente dirigida por Henri Decoin, la película destaca por su notable fotografía en blanco y negro, donde el uso de las sombras es constante (casi todo transcurre de noche), y por su estilo por momentos documental - filmado en locaciones naturales - más cercano a los thrillers franceses de la decada siguiente.

Henri "El Nantés" (un soberbio Jean Gabin) regresa a su país natal para sustituir al recién liquidado "El Bosco", después de una larga estadía en los Estados Unidos, donde supo forjarse una fama de tipo duro trabajando para un narcotraficante llamado Paul Liski. Ya en París, éste le encuentra una tapadera, un bar llamado "Le Troquet", donde se relaciona con una atractiva empleada, Lisette (Magali Noël), conoce a dos de los matones de la organización, Roger el Catalán (nada menos que un joven Lino Ventura) y Bibi (Albert Rémy), y pronto se mete de lleno en la tarea de averiguar por qué las operaciones en Francia no son tan provechosas, repasando toda la cadena de distribución.

A mediados de los años cincuenta la droga ya había provocado considerables estragos, pero el cine aún no hablaba de ello. Este es uno de los primeros films en hacerlo, describiendo el mundo de las drogas sin indulgencias, lo cual causó gran impacto en su momento. Incluso el guión por momentos salta de la historia principal para mostrar viñetas documentales, como por ejemplo la de los pequeños traficantes que usan las máquinas expendedoras de caramelos de las estaciones de trenes subterráneos, o los baños de los bares.

Todo en esta historia policial es moderno: los movimientos de cámara, la naturalidad de la interpretación, el argot parisino, el arte de la narración, la atmósfera del medio criminal, las actitudes más allá de todo juzgamiento moral. Los actores están inmejorables; incluso el gran Jean Gabin, no llega a eclipsar las brillantes actuaciones del elenco, particularmente Marcel Dalio como el pez gordo, Lila Kedrova interpretando a una drogadicta que suplica por un poco más en una de las últimas escenas, o el duro Lino Ventura (en su segundo film, nuevamente junto a Gabin).

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El Muelle de las Brumas

2011-06-01T12:00:00.000-03:00

Jueves 2 de junio

Título Original: "Le Quai des Brumes" (1938)

Dirección: Marcel Carné
Intérpretes: Jean Gabin, Michèle Morgan, Michel Simon, Michèle Morgan, Pierre Brasseur, Édouard Delmont, Raymond Aimos, Robert Le Vigan
Guión: Jacques Prévert (Novela: Pierre Dumarchais) Fotografía: Eugen Schüfftan
Música: Maurice Jaubert Producción: Ciné-Alliance
País: Francia
Duración: 91 min.

Este gran film clásico del cine francés fue el que llevó a la fama internacional al gran primer actor Jean Gabin (durante años, uno de los más renombrados actores de la escena teatral gala), y puso en el tapete a quien luego fuera una de sus más icónicas actrices, Michèle Morgan.

Título clave del llamado "realismo poético", fue uno de los films franceses que más influencia tuvo en su época. Basado en una novela de Pierre Dumarchais, cuyo argumento proponía tragedia y romance ambientada en los bajos fondos portuarios y a la cual el gran escritor Jacques Prévert supo insuflar de un gran aliento poético. Moviéndose entre una exposición naturalista y unas ensoñaciones metafísicas, posee un evidente encanto que permanece inalterable en el tiempo.

El cine de Marcel Carné se caracteriza por su condición estilizada, sus fascinantes decorados de estudios, y por sus brillantes y tan poco coloquiales diálogos, de una exquisitez literaria (debidos a Jacques Prevert, con quien colaboró Carné hasta finales de los 40 en ocho películas).

Otro acierto de El Muelle de las Brumas es la hipnótica ambientación, que otorga a la película de una atmósfera mágica que contribuye dramáticamente a las acción, pero que eleva la narración a la categoría de poesía en varios momentos.

Sin duda, una de las cumbres del cine francés en toda su historia.

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El Rey Lear

2011-06-01T11:00:00.017-03:00

Jueves 9 de junio

Título Original: "Korol Lir" (1971)

Dirección: Grigori Kozintsev
Intérpretes: Regimantas Adomaitis, Donatas Banionis, Juozas Budraitis, Oleg Dal, Roman Gromadsky, Jüri Järvet, Aleksei Petrenko, Elza Radzina, Karl Sebris, Valentina Shendrikova, Aleksandr Vokach, Galina Volchek, Vladimir Yemelyanov
Guión: Grigori Kozintsev, Boris Pasternak (Obra: William Shakespeare)

Fotografía: Jonas Gritsius (B y N)
Música: Dmitri Shostakovich
Producción: Lenfilm Studio
País: Unión Soviética
Duración: 139 min.

Siete años después de filmar la que está considerada como la mejor adaptación de Hamlet al cine, el realizador Grigori Kozintsev (“Don Quijote”, “La nueva Babilonia”) volvió a tomar una obra de William Shakespeare como fuente del que sería su último largometraje, "El Rey Lear". Bajo la influencia de Orson Welles, Kozintsev quiso que también esta tragedia fuese rodada en un blanco y negro que acentúa los conflictos internos y externos de los personajes. Al igual que en Hamlet, Kozintsev recurrió a la espléndida traducción de Boris Pasternak (autor de Dr. Zhivago). Además, volvió a confiar la banda sonora a su viejo amigo Dimitri Shostakovich, quien compuso una de sus magistrales y más inspiradas partituras. (FILMAFFINITY)

"El anciano rey Lear (Yuri Yarvet) se siente cansado y decide repartir su reino entre sus tres hijas. Goneril (Elze Radzinya) y Regan (Galina Volchek) lo adulan con palabras para conseguir una mayor tajada, mientras que la hija menor Cordelia (Valentina Shendrikova) se limita a decir lo que siente, sin adornos, provocando la ira del rey.

Tras realizar Hamlet (Gamlet, 1969), probablemente la mejor adaptación cinematográfica de Shakespeare, Grigori Kozintsev volvió a retomar al dramaturgo de Stratford-on-Avon para configurar una nueva obra maestra.

El cineasta soviético escribió el guión a partir de la traducción al ruso que realizó Boris Pasternak en 1949. La puesta en escena austera, casi desnuda; se vale del polvo, la niebla, el viento, los nubarrones y la lluvia para crear una tragedia telúrica y sombría.

Este relato acerca de la ingratitud filial se sustenta en la avaricia, el egoísmo, la crueldad y la lujuria de unos personajes abocados hacia el caos. La locura y la muerte se manifiestan como las únicas salidas posibles frente a ese torrente de emociones insanas y febriles que provocan no sólo la destrucción de una familia, sino también la de todo un reino.

El estonio Yuri Yarvet lleva a cabo una brillante y dolida interpretación de ese arrugado y desencantado rey que acaba perdiendo el juicio ante los acontecimientos que se suceden tras su equivocada decisión. Será el precio que tenga que pagar por su prepotencia y excesos anteriores, en un sufrimiento que se verá culminado por la muerte de la única que tiene el corazón limpio en esta historia, la dulce Cordelia (en la secuencia del reparto es la única que lleva un vestido claro, como metáfora de la pureza de su alma).

No menos excelente resulta el trabajo de Oleg Dal como el Bufón del monarca, un loco lúcido que parece ser el primero en darse cuenta del error cometido por su amo. Su presencia en pantalla resulta impagable.

De forma paralela a la caída de la familia de Lear, asistimos a las conspiraciones contra el Conde de Gloster o Gloucester fraguadas por Edmund (Regimantas Adomaitis), hijo bastardo y desagradecido, que enemistará a éste con su primogénito Edgar para conseguir el poder.

Contribuyen a la redondez final del filme la gran fotografía en blanco y negro de Jonas Gritsius y la formidable partitura de Dmitri Shostakovich.

En conclusión, nos encontramos ante la mejor adaptación al cine de esta inmortal obra, incluso por encima de la famosa Ran (ídem, 1985) de Akira Kurosawa."

Texto extraído del blog "Esculpiendo el Tiempo" http://johannes-esculpiendoeltiempo.blogspot.com/2010/08/el-rey-lear-korol-lir-1971-de-grigori.html

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Rififí

2011-06-01T10:00:00.030-03:00

Jueves 16 de junio

Título Original: "Du Rififi Chez les Hommes" (1955)

Dirección: Jules Dassin
Intérpretes: Jean Servais, Carl Möhner, Robert Manuel, Jules Dassin, Magali Noël, Pierre Grasset, Robert Hossein, Janine Darcey, Marie Sabouret, Claude Sylvain.
Guión: Jules Dassin, René Wheeler, Auguste Le Breton.
Fotografía: Philippe Agostini (B y N)
Música: Georges Auric
Producción: Pathé Cinéma
País: Francia
Duración: 117 min.

En los cincuentas, en plena guerra fría, la paranoia estadounidense frente a la Unión Soviética y el régimen comunista hizo que se mirara con sospecha a cualquiera que en el gesto más mínimo pareciera comulgar con tales ideas, surgiendo así la caza de brujas conocida como “Macartismo”, campaña de delaciones y denuncias sin sustento impulsada por el senador Joseph McCarthy con la que se buscaba “acabar” con cualquier asomo socialista y con posibles colaboradores o espías rusos.

Con el Macartismo, el cine norteamericano vivió una de sus épocas más oscuras. Muchos artistas de la industria abandonaron Hollywood voluntariamente o bajo amenaza y buscaron refugio en Europa tratando de respirar un aire de libertad de pensamiento y creación.

Entre los muchos que emigraron, se hallaba el director Jules Dassin, quien al ser incluido en la lista negra de McCarthy, tuvo que abandonar suelo norteamericano. En ese contexto de exilio, realiza en Francia en 1955 “Du Rififi Chez Les Hommes”, más conocida como “Rififi”, una obra maestra del cine negro por donde se mire.

Tony Le Stephanois (Jean Servais) acaba de salir de la cárcel y la ansiada libertad no es lo maravilloso que alguien pueda imaginarse: no tiene trabajo, ni dinero y su amada Mado (Marie Sabouret) está en brazos del mafioso Pierre Groterre (Marcel Lupovici) que le provee lo que él algún día le dio, pero que ahora está fuera de sus posibilidades. Jo (Carl Möhner) un amigo al que no delató cuando cayó en manos de la policía, es quien lo acoge y el que además le propone realizar el “atraco perfecto” junto a un par de compinches más, Mario Ferrati (Robert Manuel) y César (el mismo Jules Dassin). El blanco es una joyería y la experiencia les dice que no será difícil, que esta vez todo resultará sin complicaciones, que por fin con el botín lograrán retirarse de la vida criminal. La experiencia lo dice, sin embargo ¿es tan fácil salir del infierno?

En el cine negro o noir predominan -como bien señala su nombre- los ambientes lúgubres (herencia del expresionismo), los móviles sórdidos que impulsan a los personajes y el destino cruel del que contadas veces se podrá escapar, lo que se conoce como “pesadilla fatalista”. El azar guiado por la fatalidad, no puede existir un escenario más terrible. En ese terreno, cual arena movediza, los personajes vagan primero con calma y con desesperación después al notar que el hundimiento es inexorable, que de nada sirve lo que se haga pues la muerte está allí esperando. Todo es inútil.

El único que parece presentir esto es Tony Le Stephanois quien refleja en su rostro adusto y en cada movimiento una mezcla de extrañeza y tristeza. Sentimientos que de seguro también debía sentir el director en su condición de exiliado. Tony es Dassin y su rabia contenida solamente puede ser liberada cuando tiene por fin el encuentro con Mado y puede castigarla por el dolor que le causa. Cuando por fin los demonios de Dassin se calman un poco.

Un halo de pesadumbre cubre “Rififi”, y tenemos la sensación de ver a Tony y a sus compañeros como a través de un vidrio roto, como si asistiéramos a sus últimos días. Incluso la vivacidad del número de music-hall en el que canta la exuberante Viviane (Magali Noel), y que pareciera un respiro refrescante en la cinta, es por contradicción el punto de partida de la tragedia, y que además curiosamente tendrá como responsable al personaje que interpreta Jules Dassin. No cesaba el exorcismo.

La secuencia del robo es magistral. Vemos a Le Stephanois y sus colegas cumplir con cada paso de lo planeado tan cuidadosamente, sin perder ningún detalle. El director hábilmente omitió los diálogos y música durante los casi 20 minutos que dura esta secuencia, logrando que nos concentremos en sus gestos, en su angustia, aumentando así el suspenso.

El epílogo está filmado de forma vertiginosa, mostrándonos el deterioro del protagonista en la alocada carrera, desarrollando la catarsis de la que también somos parte y en la que sólo la inocencia puede estar a salvo.

Leny Fernández
(Extraído del blog "La Cinefilia No Es Patriota" http://lacinefilianoespatriota.blogspot.com/2008/01/la-catarsis-de-jules-dassin-rifif-1955.html)

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El Hombre Que Sería Rey

2011-06-01T09:00:00.005-03:00

Jueves 23 de junio

Título original: "The Man Who Would Be King"

Dirección: John Huston
Intérpretes: Sean Connery, Michael Caine y Christopher Plummer, Saeed Jaffrey, Doghmi Larbi, Shakira Caine.
Guión: John Huston y Gladys Hill (Basado en una historia de Rudyard Kipling)
Fotografía: Oswald Morris
Música: Maurice Jarre
Producción: Columbia Pictures
País: Reino Unido / EE.UU.
Duración: 129 min.

"Película inolvidable, cumbre del espíritu aventurero del director, y una nueva incursión en el terreno de los personajes perdedores y desengañados que se alimentan de ilusiones y de dignidad (...) Todo ello envuelto en unas imágenes bellísimas y un ritmo narrativo apabullante." (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)

Estamos sin duda ante uno de los films de aventuras más bellos, mejor dirigidos y entretenidos de todos los tiempos.

The Man Who Would Be King (El Hombre que Pudo Reinar, 1975) es la última gran película de aventuras clásica que se ha hecho. Un director a la vieja usanza (el gran John Huston), unos actores inmensos con unas interpretaciones inconmensurables (el trío Connery-Caine-Plummer), una puesta en escena grandiosa, un score apabullante y exótico (Maurice Jarre) y un guión a la altura de tamaño desafío.

Tras un brillante y magnífico prólogo, digno de mencionar como objeto de estudio para muchos de esos que dicen llamarse directores, Huston pasa a contarnos la historia de Danny Dravot (Connery) y Peachy (Caine) son dos ex suboficiales británicos que se ganan la vida por la India mediante la picaresca y el timo, rozando la ilegalidad (más bien cruzándola). En una de sus peripecias conocen a Kipling, a quien Peachy roba su reloj en una estación del tren, y al que acabará devolviéndoselo al descubrir que se trata de un masón (como Danny y Peachy).

Con la ambición de hacer fortuna, deciden internarse en las montañas, rumbo a Kafiristán, tras pactar mediante escrito ("... firmado por ti y por mí a día de hoy" - Peachy), y en presencia de Kipling, que no tomarán mujer alguna ni probarán alcohol alguno hasta no conseguir ser reyes de Kafiristán.

Pero el destino de ambos personajes está escrito, en un gran, brillante y magistral desenlace, el colofón a una bella y magnífica aventura por la que el paso el tiempo no ha hecho mella alguna., y cuya revisitación provoca humor, alegría y divertimento, además de una gran perplejidad y asombro por la gran puesta en escena y su brillante realización (sin ningún efecto especial o escenas de gran violencia como reclamo o gancho). Y todo ello sin olvidarnos del simple espectáculo que provoca ver al dúo Connery-Caine en acción, impagable.

La película se rodó en 1975, y como dijo el propio Huston, gracias a la tenacidad y compromiso de sus actores, Sean Connery y Michael Caine. Pero la historia de The Man Who Would Be King tiene tiempo, mucho tiempo.

John Huston había acariciado éste proyecto desde dos décadas atrás a 1975, y tanteado inicialmente a Humphrey Bogart y Clark Gable para interpretar a este par de buscavidas británicos como primera opción. Finalmente, fue imposible llevarlo a cabo por fallecimiento de ambos actores.

Pasó el tiempo y desfilaron otras alternativas, como el dúo Burt Lancaster y Kirk Douglas o Paul Newman y Robert Redford, con recomendación final de Newman sobre un par de actores británicos para el papel. Huston la encontraría en Sean Connery y Michael Caine.

El compromiso de ambos actores fue fundamental para realizar la película, ya que Connery y Caine estaban inmersos en otros rodajes por aquella época (Murder in the Orient Express y The Wind and The Lion el primero, y Peeper, The Black Windmill y The Marseille Contract entre otras tantas, el segundo). Y fue su tenacidad, en palabras del propio Houston, la que permitió que el proyecto germinase al fin.

Sean Connery y Michael Caine nacieron para hacer estos papeles. La química entre ambos es maravillosa, parece como si se conociesen de toda la vida, y es increíble que jamás hayan vuelto a coincidir en pantalla en ninguna película.

Algunas noches, Connery y Caine ensayaban los diálogos del día siguiente, y gran parte del equipo técnico y del reparto se reunía (atónito y maravillado) alrededor para observar la puesta en escena de estos dos genios. Era todo un espectáculo, arte puro y duro, improvisando incluso algunas escenas que no estaban ni en el guión.

La historia se basa en un pequeño relato de Rudyard Kipling, aunque, como le dijo Houston a Michael Caine el día que le ofreció el papel, tuvieron que alargarlo con partes de otros relatos de Kipling para poder hacer la película.

Michael Caine siempre recuerda en sus memorias el día que recibió la llamada de John Huston para ofrecerle The Man Who Would Be King. Incrédulo y anonadado por la llamada de tamaña celebridad, el sí fue rotundo e inmediato, aunque eso sí, le hizo una petición a Houston; interpretar al personaje que hubiese hecho Humphrey Bogart.

Desde ese día hasta la muerte de John Huston, Michael Caine se convertiría en un gran amigo del director, repitiendo con él en Escape to Victory (1981, Evasión o Victoria), donde el score de Bill Conti es un auténtico lujo.

En pleno rodaje, además, por si no fueran pocas las coincidencias, la mujer de Michael Caine, la bella india Shakira, interpreta a Roxanne, una bella mujer de la que el personaje de Connery se enamora perdidamente.

Y qué decir del gran Christopher Plummer, cuyo papel (el de un joven Kipling), aunque pequeño y breve, es otro gran destello de calidad dentro de la película, con una interpretación sutil y precisa, dejando impronta de la calidad que atesora este gran actor.

Y entre el reparto, destacar al hindú Saeed Jaffrey (A Passage to India, Gandhi) en el papel del leal servidor Billy Fish, un gurka que les servirá como traductor durante sus aventuras. Y como anécdota, la película posee al actor más viejo jamás filmado, un anciano de 103 años que se dormía en los rodajes y que interpretaba al Sumo Sacerdote.

Todo funciona en ésta película, sin resquicio alguno. La historia, la dirección, el guión (a medias entre el gran John Huston y su habitual Gladys Hill, con muchos detalles y frases realmente ingeniosas), las actuaciones, la puesta en escena y dirección artística (esos bellos paisajes de Marruecos), los maquillajes, el vestuario, la banda sonora, la fotografía,... todo.

The Man Who Would Be King no sólo es la última gran película de aventuras clásicas que se ha hecho, sino tal vez también la mejor película de aventuras clásicas que se ha realizado en la historia del cine. Una obra maestra absoluta.

Gran parte de la información fue extraída sin spoilers de BSOSpirit http://www.bsospirit.com/comentarios/manwhowouldbeking.php)

Obtuvo 4 nominaciones al Oscar: Mejor guión adaptado, Montaje, Vestuario, y Dirección artística.

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Cien Mil Dólares al Sol

2011-06-01T08:00:00.019-03:00

Jueves 30 de junio

Título original: "Cent Mille Dollars au Soleil" (1964)

Dirección: Henri Verneuil
Intérpretes: Jean-Paul Belmondo, Lino Ventura, Bernard Blier, Gert Fröbe, Reginald Kernan, Andréa Parisy, Anne-Marie Coffinet, Doudou Babet, Pierre Mirat, Henri Lambert.
Guión: Henri Verneuil, Michel Audiard, Marcel Jullian (Novela: Claude Veillot)
Fotografía: Marcel Grignon (B y N)
Música: Georges Delerue
Producción: Irénée Leriche, Alain Poiré y Robert Sussfeld.
País: Francia-Italia
Duración: 130 min.

Sur de Marruecos, 1963. El propietario de una empresa de transportes contrata a un nuevo conductor para transportar un misterioso cargamento en un magnífico trailer recién comprado. Uno de los empleados secuestra el camión con el fin de vender la carga en su propio beneficio. El mejor conductor de la compañía recibe la orden de perseguir al fugitivo. Poco después, el conductor recién contratado se une a él para ayudarle a capturar al ladrón. La persecución por el Atlas Marroquí será una auténtica odisea. (FILMAFFINITY)

Estamos ante una comedia clásica de aventuras y persecución en carreteras, protagonizada algunos de los actores más taquilleros de Francia, junto a un legendario ex-villano de James Bond, y acompañados por una gran banda sonora, una impecable dirección de Henri Verneuil (que le valió una nominación a la Palma de Oro en el Festival de Cannes), una divertidísima historia y unos diálogos hilarantes de Michel Audiard.

Más allá de los dos inmejorables protagonistas, los personajes son todos interesantísimos, incluso los secundarios, especialmente el de Bernard Blier, que explota su veta cómica estupendamente.

Filmada enteramente en Marruecos, si suplantásemos los camiones por caballos, casi podríamos decir que se trata de un western. Un western africano que no decae en ningún momento y nos lleva a través del desierto en una aventura que se disfruta hasta el final.

Después de todo, la amistad siempre es victoriosa, aún cuando, como dice Rocco (el personaje interpretado por Jean-Paul Belmondo), "Los amigos siempre comparten peleas, problemas, hambre y mujeres, pero nunca dinero; sobre todo cuando la suma es de 100.000 dólares".

Existe una versión coloreada de este film, pero no ha tenido buenos resultados.

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Nos Habíamos Amado Tanto

2011-05-01T12:00:00.014-03:00

Jueves 5 de mayo

Título original: "C'eravamo Tanto Amati" (1974)

Dirección: Ettore Scola
Intérpretes: Nino Manfredi, Vittorio Gassman, Stefania Sandrelli, Stefano Satta Flores, Giovanna Ralli, Aldo Fabrizi, Mike Bongiorno, Federico Fellini, Marcello Mastroianni, Vittorio De Sica, Nello Meniconi, Guidarino Guidi, Isa Barzizza.
Guión: Ettore Scola, Age, Scarpelli.
Fotografía: Claudio Cirillo
Música: Armando Trovajoli
Producción: Dean Cinematografica Delta
País: Italia
Duración: 124 min.

En esta gran película (su primer éxito internacional) nos encontramos con uno de los trabajos más inspirados de Ettore Scola: el Scola más genuino, el que marcó la senda de un gran cineasta y una enorme carrera. Todo nace aquí, en "C'eravamo Tanto Amati", un recorrido maravilloso a través de treinta años de la historia de Italia.

La amistad como punto central del relato; encuentros, desencuentros y traiciones se desarrollan a lo largo de esta cinta que homenajea al cine italiano.

Un viaje enriquecedor e inolvidable en el que, como siempre, Scola plantea infinidad de cuestiones que son tratadas de una manera humana y nostálgica. Trato sin duda influenciado por ese neorrealismo italiano que bajó a la cámara a los "infiernos" y mostró con veracidad la vida que acompañaba a un pueblo que se movía entre trapos y miserias.

Homenaje sincero a Di Sicca y a una generación de directores (Antonioni, Rosselini, Fellini, Visconti) que escribieron letras de oro en la historia del cine. Con estos ingredientes sumados a una estupenda utilización de las técnicas cinematográficas Scola firma su obra de arte. Y qué decir del reparto... Un sobrio Gassman en un papel totalmente distinto a los acostumbrados (pero no por ello menos brillante), un inolvidable y genial Nino Manfredi y una querible Stefania Sandrelli, sumado a las apariciones de grandes como Marcello Mastroianni, Vittorio De Sica y el mismísimo Federico Fellini, autohomenajeándose en un film inolvidable, tierno y amargo a la vez como la vida misma.

Ganadora del premio César a la Mejor Película Extranjera.

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La Violencia Está en Nosotros

2011-05-01T11:00:00.017-03:00

Jueves 12 de mayo

Título original: "Deliverance" (1972)

Dirección: John Boorman
Intérpretes: Jon Voight, Burt Reynolds, Ned Beatty, Ronny Cox, James Dickey, Billy McKinney.
Guión: James Dickey (Novela: James Dickey).
Fotografía: Vilmos Zsigmond
Música: Eric Weissberg
Producción: Warner Bros. Pictures
País: EE.UU.
Duración: 110 min.

Como Sam Peckinpah hizo con "Los Perros de Paja" y Stanley Kubrick con "La Naranja Mecánica", el genial director John Boorman crea con "La Violencia Está en Nosotros" un gran film sobre el lado violento del hombre.

Ya la novela homónima de James Dickey, quien se adaptó a sí mismo para el cine, contenía un claro discurso sobre el terror y la violencia cotidiana, aspectos ambos que voluntariamente reforzó en esta versión cinematográfica.

Cuatro hombres de negocios de Atlanta salen a pasar un fin de semana en un maravilloso entorno natural. Será en plena naturaleza cuando afloren las pasiones, los odios y las venganzas que tendrán un más que violento final. Y será en la soledad compartida cuando las bestias que probablemente todos llevamos dentro aparezcan de manera imprevisible e irremediable.

John Boorman hizo con este "Deliverance" su película más personal y tuvo la enorme suerte de contar con uno de los mejores guiones de la década de los 70, además de con la contribución de la fotografía, descarnada e hiriente, desnuda y luminosa, de Vilmos Zsigmond. Su manejo de la tensión dramática es genial, es una película que atrapa al espectador, lo sacude y no lo deja indiferente al terminar.

También es para destacar la performance de los cuatro espléndidos actores: los entonces prácticamente debutantes Ned Beatty y Ronnie Cox, y muy especialmente de Jon Voight y Burt Reynolds (sin dudas, en el mejor papel de su carrera).

El film está considerado como uno de los más impactantes de toda la historia, siendo calificado por gran parte de la crítica especializada como una valiosa obra maestra que figura entre las mejores películas jamás filmadas.

Obtuvo 3 nominaciones al Oscar: Mejor director, Película y Montaje. Tuvo la mala suerte de haberse estrenado el mismo año que "El Padrino" de Francis Ford Coppola y "Cabaret" de Bob Fosse, razón por la cual no pudo alzarse con las varias estatuillas del Oscar que hubiese merecido.

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La Piscina

2011-05-01T10:00:00.009-03:00

Jueves 19 de Mayo

Título original: "La Piscine" (1969)

Dirección: Jacques Deray
Intérpretes: Alain Delon, Romy Schneider, Maurice Ronet, Jane Birkin.
Guión: Jean-Claude Carrière, Jacques Deray, Jean-Emmanuel Conil.
Fotografía: Jean-Jacques Tarbes
Música: Michel Legrand
Producción: Gérard Beytout
País: Francia-Italia
Duración: 120 min.

Jean-Paul (Alain Delon) –escritor fracasado y actualmente creativo publicitario en crisis- y Marianne (Romy Schneider) pasan días felices en una villa en Saint-Tropez. Aparentemente su relación es plácida pero muy pronto advertiremos la fragilidad de la misma. Esta circunstancia se confirmará con la llegada de Harry (Maurice Ronet), amigo de Jean-Paul y antiguo amante de Marianne. A este le acompaña su hija de 18 años –Penélope (Jane Birkin)-, inicialmente ausente de la situación que se plantea pero que de forma paralela mostrará su fascinación por Jean-Paul, máxime al comprobar que posee más personalidad que la que le adjudicaba su padre en sus despectivos comentarios.

A pesar de que en apariencia sus diferencias del pasado se han resuelto, antiguas enemistades entre Jean-Paul y Harry pronto comienzan a resurgir - Harry alimenta constantemente los celos y la susceptibilidad de Jean-Paul con su arrogancia, y por sus referencias a su relación pasada con Marianne, que ella siempre negó ante Jean-Paul.

Así comienza un juego peligroso y ambiguo de deseos y celos entre los personajes, que va resquebrajando el frágil equilibrio aparentemente perfecto. La relación entre las cuatro personas adquiere unos tintes retorcidos pese a su aparente aire civilizado, y la atmósfera se vuelve cada vez más amenazante y asfixiante.
Una película sensual interpretada por actores magistrales, y que termina con una de las más bellas pruebas de amor que el cine ha inventado.

Nueve años después de "Plein Soleil", de René Clément (que ya hemos pasado en este ciclo), nuevamente podemos ver juntos a Ronet y Delon, las similitudes entre los personajes de estas dos películas también son numerosos y la rivalidad entre ambos nuevamente funciona a la perfección.

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Perfume de Mujer

2011-05-01T09:00:00.001-03:00

Jueves 26 de mayo

Título original: "Profumo di Donna" (1974)

Dirección: Dino Risi
Intérpretes: Vittorio Gassman, Agostina Belli, Alessandro Momo, Moira Orfei, Franco Ricci, Elena Veronese, Stefania Spugnini, Lorenzo Piani
Guión: Ruggero Maccari & Dino Risi (Novela: Giovanni Arpino)
Fotografía: Claudio Cirillo
Música: Armando Trovajoli
Producción: Dean Film
País: Italia
Duración: 103 min.

Inteligencia, humor y tristeza son las claves de la obra de Dino Risi, el gran autor de esta maravillosa película (de la cual fue director y guionista); su actitud reflexiva y crítica hacia la realidad transformó y otorgó personalidad a la comedia italiana. Junto a Monicelli, Rossellini y Blassetti, entre otros muchos, dibujó uno de los retratos sociológicos más agudos de la historia del cine.

Fausto -un impagable Vittorio Gassman en la cúspide de su histrionismo- es un hombre mundano y soberbio que ha quedado ciego y no admite piedad de nadie. Su periplo por la bella Nápoles junto a su joven lazarillo (Alessandro Momo, promesa que venía de alcanzar el estrellato con el éxito "Malicia" junto a Laura Antonelli y fallecería poco después del estreno de este film en un accidente de moto) dará para impares escenas que conjugan la risa y la amargura, con toda la carga de humandidad que nos tiene acostumbrados el mejor cine italiano. Una bellísima Agostina Belli (en uno de sus papeles más recordados) hará de perfecto contrapeso amoroso en la parte final del film. Temas como la amistad, el envejecimiento, la discapacidad y la angustia se dan cita en el guión brillantemente filmado por el maestro Risi.

La remake americana del mismo nombre con un correcto Al Pacino no logra acercarse a la grandeza de la original ni en una décima parte; es como comparar una hamburguesa con gaseosa con un suculento plato de lasagna y vino chianti.

Premios 1975: 2 nominaciones al Oscar: Mejor película de habla no inglesa y Mejor guión adaptado; Premio del Festival de Cannes al Mejor actor (Vittorio Gassman); 2 David di Donatello por mejor director y mejor actor protagonista; y Premio Cesar (Francia) al mejor film extranjero.

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Misión: Monte Carlo

2011-04-02T12:00:00.000-03:00

Jueves 7 de abril

Título original: "Mission: Monte Carlo" (1974)
Dirección: Roy Ward Baker y Basil Dearden
Intérpretes: Roger Moore, Tony Curtis, Laurence Naismith, Terence Alexander, Susan George, Annette Andre y otros.
Guión: Val Guest, John Kruse
Fotografía: Tony Spratling
Música: John Barry
Producción: Johnny Goodman
País: Reino Unido
Duración: 102 min.

Esta divertida película de aventuras con aristas policíacas nace de la gran popularidad en Europa y Argentina de la serie "The Persuaders", aquí conocida bajo el nombre de "Dos Tipos Audaces".

La serie fue protagonizada por Tony Curtis como Danny Wilde, y Roger Moore como Lord Brett Sinclair, dos magnates y playboys internacionales de muy diferente idiosincracia y gustos, a quien un juez retirado (el gran Laurence Naismith como el Juez Fulton) obliga a resolver casos que la policia no logra cerrar. Precisamente, gran parte del humor de la serie es derivada de las diferencias entre las costumbres británicas y las estadounidenses, y de la gran química producida entre los dos intérrpretes en la pantalla.

Roger Moore había estado directamente involucrado en la producción de la serie (incluso él mismo diseñaba la vestimenta de su personaje), y la necesidad de una co-estrella de América se ha considerado por todos imperativo asegurar un comunicado de la televisión en los EEUU.. Una elección por Rock Hudson fue rechazada, como lo fue por segunda elección de Glenn Ford. Una lista de candidatos se solicitó a continuación, de ABC. Tony Curtis acordó el proyecto de la serie y voló a Inglaterra en abril de 1970 para comenzar el rodaje de la serie.

El show terminó después de dos temporadas, como consecuencia de los bajos niveles de audiencia en la televisión de los EE.UU. (la serie era muy "cool" y fina para el gusto medio televisivo norteamericano), liberando así a Roger Moore para protagonizar las películas de James Bond. En nuestro país fue muy popular y se emitió durante años varias veces, llegando a convertirse actualmente en una verdadera serie de culto a nivel mundial, tanto es así que se habla de una remake en cine con Hugh Grant (Sinclair) y George Clooney (Wilde) en los papeles protagónicos.

"Misión: Montecarlo" es la unión de los dos primeros capítulos de la serie, ambientada en la bellísima ciudad de la Costa Azul en locaciones naturales, con la genial música del compositor John Barry y esa perfecta combinación de acción y comedia que sólo dos gigantes como Moore y el recientemente desaparecido Curtis podían lograr.

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Ascensor Para El Cadalso

2011-04-02T11:00:00.000-03:00

Jueves 14 de abril

Título original: "Ascenseur Pour L'échafaud" (1958)

Dirección: Louis Malle
Intérpretes: Jeanne Moreau, Maurice Ronet, Georges Poujouly, Charles Denner.
Guión: Roger Nimier y Louis Malle (Novela: Noël Calef).
Fotografía: Henri Decaë
Música: Miles Davis
Producción: Jean Thuillier
País: Francia
Duración: 88 min.

Una de las constantes del cine negro siempre ha sido el cómo los crímenes supuestamente perfectos se acababan truncando debido a una serie de infortunios imprevistos, cuestión que en este film se explota hasta un punto extremo. "Ascensor para el Cadalso" -la ópera prima del cineasta francés Lois Malle- es prácticamente una oda a la mala suerte o a los designios del azar.

El argumento es sencillo y remanido a priori: una pareja de amantes planea el asesinato del marido de una de ellos, y lo que comienza como algo perfectamente pensado y ejecutado comienza a complicarse hasta lo desesperante. El manejo de la tensión y el suspenso de la trama es realmente notable, con una elegante y sobria dirección del joven Louis Malle, una increible fotografía en blanco y negro y las magistrales actuaciones de los tres personajes principales donde se destaca la inmensa Jeanne Moureau en uno de los papeles que la convirtieron en estrella.

Pero si hay algo que hizo de esta película algo singular eso fue y es la genial banda de sonido realizada por el músico de jazz Miles Davis. Malle, un gran aficionado al jazz y fan de Davis, comentó que: "La música contribuyó al éxito de la película. Le dio su tono, una atmósfera, una especie de ambiente que la música de Davis mantiene hasta el final y que le da su unidad."

A Miles -que justamente estaba en París cuando se estaba filmando el film- le gustó la idea de componer una banda sonora y aceptó el proyecto con la condición de tener un piano y un proyector de cine para visionar la película en la habitación de su hotel. Trabajó durante dos semanas de una manera relajada ante las imágenes, en condiciones próximas al cine mudo, cuando los pianistas de la salas de cine tenían la ocasión de acompañar e improvisar varias veces la misma película.

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Perros de Paja

2011-04-02T10:00:00.016-03:00

Jueves 28 de abril

Título original: "Straw Dogs" (1971)

Dirección: Sam Peckinpah
Intérpretes: Dustin Hoffman, Susan George, Peter Vaughan y Del Henney.
Guión: David Goodman y Sam Peckinpah. Basado en la novela "The Siege of Trencher’s Farm", de Gordon Williams.
Fotografía: John Coquillon
Música: Jerry Fielding
Producción: Daniel Melnick
País: Reino Unido, EE. UU.
Duración: 118 min.

Estamos ante una de las obras maestras del cine más controvertidas de la historia, ya que, como su director, es irritante, antipática y violenta. Pocos films suscitaron tanta división de aguas entre la crítica especializada siendo a la vez un éxito de público (aunque es muy probable que por las razones equivocadas).

Ya se sabe que Sam Peckinpah ha sido un maestro en filmar y "estetizar" la violencia -westerns como "La Pandilla Salvaje" fueron su marca de fábrica y gran referentes- pero pocas veces como en "Perros de Paja" el cine se había atrevido a tanto. Y no sólo por lo shockeante de algunas imágenes o situaciones (que aún hoy no han perdido fuerza o poder) sino por la valentía creativa del director para ignorar los cánones políticamente correctos impuestos por la industria cinematográfica y la crítica bienpensante.

Se lo acusó (al film) de fascista, sexista, vacio, gratuitamente violento, racista, misógino y perverso. Pero nada de eso queda en pie en esta amarga lección de cine en estado puro, de tensión sobre tensión, de actuaciones magistrales (un soberbio Hoffman y una Susan George en el mejor papel de su carrera), gran montaje y perfecto guión.

El título alude a una cita de Lao Tse: "El cielo y la tierra son crueles, tratan a todos los seres vivos como a perros de paja. Tampoco el sabio es benevolente, trata a las personas como si fueran perros de paja".

Un film atrevido y único con el que debe soñar Quentin Tarantino una vez por semana.

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CD 'El Otro Cine' 2010

2010-12-02T01:00:00.000-03:00

Al igual que todos los años, hemos preparado un CD para todos los amigos que apoyan nuestros ciclos de cine y nuestros blogs, con la música de algunas de las películas que hemos proyectado durante el año en nuestros dos ciclos, "El Otro Cine" y "Función Especial".

1. Marcia di Brancaleone · Carlo Rustichelli · "L'armata Brancaleone" · 3:00
2. Flight Of The Wild Geese · Joan Armatrading · "The Wild Geese" (Los Gansos Salvajes) · 2:03
3. I Vitelloni · Nino Rota · "I Vitelloni" (Los Inútiles) · 1:52
4. The Summer Knows (L'Été 42) · Michel Legrand · "Summer of 42" (Verano Del 42) · 4:19
5. Valzer Brillante · Giuseppe Verdi/Nino Rota · "Il Gattopardo" · 4:13
6. The Good,The Bad and The Ugly · Ennio Morricone · "The Good,The Bad and The Ugly" (El Bueno, El Malo y el Feo) · 2:44
7. Flic Story - Générique Instrumental · Claude Bolling · "Flic Story" (Historia De Un Policía) · 2:22
8. I'll Slip Out Of Something Comfortable - Reese Gets His · Johnny Mandel · "Point Blank" (A Quemarropa) · 5:10
9. 'Round Midnight · Sun Ra · "Sun Ra: A Joyful Noise" · 3:06
10. Goin' Out of My Head · Frank Sinatra · "La Moglie Del Prete" (La Mujer del Cura) · 2:47
11. Gassman Blues · Piero Umiliani · "I Soliti Ignoti" (Los Desconocidos De Siempre) · 5:33
12. Queimada · Ennio Morricone · "Queimada" · 5:10
13. La Plaza · Claude Bolling · "Le Magnifique" (El Magnífico) · 2:27
14. Finale - The Damned · Maurice Jarre · "La Caduta Degli Dei" (La Caída De Los Dioses) · 1:57
15. Rocco E I Suoi Fratelli · Nino Rota · "Rocco E I Suoi Fratelli" (Rocco y Sus Hermanos) · 4:34
16. Quelli Che... · Enzo Jannacci · "Pasqualino Settebellezze" (Pascualino Siete Bellezas) · 4:33
17. Touchez Pas Au Grisbi · Jean Wetzel · "Touchez pas Au Grisbi" (No Tocar La Plata) · 3:31
18. Final From Le Chat · Philippe Sarde · "Le Chat" (El Gato) · 2:05
19. Ti Amo · Umberto Tozzi · "I Nuovi Mostri" (Los Nuevos Monstruos) · 4:10
20. Lara's Theme · Maurice Jarre · "Dr. Zhivago" · 5:59
21. YMCA · Village People · "You Can't Stop The Music" (No Se Puede Parar La Música) · 4:48

Para descargar el regalo cliquea aquí:
http://www.sendspace.com/file/a6k63h

Cuando lo hagas, se va a abrir una página de Sendspace.
Desde esa página tienes que descargar el archivo llamado CD Ciclo 'El Otro Cine' Temp 2010.rar

El archivo viene comprimido con WinRAR.

Al igual que el año pasado, la carpeta comprimida trae la portada del CD con los nombres para que puedas imprimirla.

¡¡Felices vacaciones a todos!!
¡Nos veremos nuevamente en Marzo!

Dos Hombres En La Ciudad

2010-12-01T02:00:00.000-03:00

Jueves 9 de diciembre

Título original: "Deux Hommes Dans La Ville" (1973)

Dirigida por José Giovanni; con Jean Gabin, Alain Delon, Mimsy Farmer, Christine Fabrega, Michel Bouquet, Victor Lanoux, Gérard Depardieu y otros. (100 min)

José Giovanni sí que fue un hombre con una vida digna de ser llevada al cine. Nacido en Paris, de origen corso, pasó su juventud ejerciendo trabajos de lo más variado: leñador, minero, posadero, alpinista... participando activamente también en la II Guerra Muncial.
En 1948 es condenado a morir guillotinado por su participación en un golpe mafioso organizado por su tío, en el que mueren varias personas. La sentencia es conmutada por 20 años de trabajos forzados. Tras su salida de prisión 8 años después decide plasmar su experiencia carcelaria en la novela "Le Trou" ("La Evasión"), que Jacques Becker llevaría magistralmente al cine poco después. Su carrera como novelista hace que otros directores como Melville o Sautet se interesen por sus obras, y de ahí dará el salto a la dirección hasta llegar a esta magnífica "Deux Hommes Dans la Ville", mirada lúcida y negrísima al sistema carcelario y judicial francés, que recién erradicó el uso de la guillotina en 1981 (si bien la última ejecución fue en 1977).

Película sobria y elegante en la dirección (recuerda por momentos a Bresson), trata la reinserción del preso en la sociedad sin caer en la obviedad, sin golpes de efecto, sin demagogias. La figura del educador, fabulosamente interpretado por Jean Gabin (en uno de sus mejores papeles), simboliza la lucha contra el sistema carcelario y judicial: funcionarios incompetentes, policías sin escrúpulos, jueces parciales y un desprecio generalizado por los delincuentes que ya pagaron su deuda. La interpretación de Gabin es contenida pero llena de intensidad, especialmente en su oratoria final en el juicio.

Como protagonista tenemos a Alain Delon, bordando su papel de delincuente rehabilitado que, pese a sus intentos por volver a ser una persona normal, a respirar aire puro, se ve casi obligado a sucumbir a causa de la incansable e insistente persecución a la que se ve sometido. Las escenas finales cortan la respiración, con ese cruce de miradas entre Gino (Delon) y Germain (Gabin).

Como en otras obras de Giovanni, la película es áspera, directa, presentando una particular visión de la realidad marcada por el escepticismo acerca de la sociedad y sus instituciones, que contrasta con una confianza sincera en las actitudes individuales, en las que sí cabe la solidaridad y la amistad. Espléndido guión, que combina sencillez formal con profundidad temática y una excelente labor interpretativa, tanto de Alain Delon como de Jean Gabin.

Giovanni manifiesta el mismo árido, distante escepticismo hacia la religión, el sistema judicial o las protestas estudiantiles. Pero no se trata de una película reaccionaria, sino renuente a todo tipo de idealismos. De modo que son las decisiones mínimas pero puntuales de hombres y mujeres en situaciones concretas las únicas que valen para Giovanni, o gestos imprescindibles como el de una mano en el hombro, una llamada telefónica, una mirada e incluso un cuerpo que está ahí, donde sabe que se lo necesita, aunque no nos mire.

La película está muy bien estructurada, con un ritmo adecuado, logrando que el argumento avance siempre ganando en angustia y dramatismo; las secuencias finales, tremendas y casi mudas, calan profundamente en el espectador.

José Giovanni ha sido un brillante novelista y guionista, autor de las mejores historias del cine francés, pero sin dudas esta es su mejor película como director.
Un ejemplo perfecto de cómo plasmar la experiencia vital en la pantalla, y además hacerlo de forma lúcida. Ya lo decía el autor: "No hay que esperar nada de la humanidad".

"Furibundo alegato contra la pena de muerte (...) uno de los mejores ejemplos del nivel al que llegó durante los años setenta el cine negro francés." (Miguel Ángel Palomo: Diario El País, España).

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Borsalino & Co.

2010-10-01T04:00:00.000-03:00

Jueves 7 de octubre

Título original: "Borsalino & Co." (1974)

Dirigida por Jacques Deray; con Alain Delon, Riccardo Cucciolla, Adolfo Lastretti, Catherine Rouvel y otros. (110 min)

"Borsalino" (1970) contaba una historia sobre los mafiosos marselleses de los años 30, con la pareja del momento: Delon y Belmondo, los dos máximos exponentes del cine noir de Francia en la década de los 60 y 70.
Tal fue su éxito que cuatro años después llegó su secuela: 'Borsalino & Co', en la cual Roch Siffredi, ya nada simpático, vuelve para tomarse venganza. Pero Volpone no es un tipo fácil de vencer...
A la vez llegarán los italianos queriendo tomar el control del crimen organizado en el sur de Francia y Siffredi se las tiene que arreglar para defender su territorio.

La película es un buen ejemplo de las convenciones del género negro. Es un film notable, donde se nos retrata la corrupción interminable de los ricos, mafiosos y policías.

En Delon (Roch Siffredi) todo es elegancia, se viste con elegancia, hasta mata con elegancia. Este mafioso es un verdadero caballero. Delon es el amo indiscutible de la ciudad, y muy respetado por las altas esferas.

Nuevamente la estética es impecable, y la música, a cargo de Claude Bolling, es un verdadero placer.

Una curiosidad: El actor porno Rocco Siffredi tomó su nombre artístico del personaje que interpreta el mítico Alain Delon en esta película.

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El Bueno, El Malo Y El Feo

2010-10-01T02:00:00.025-03:00

Jueves 14 de octubre

Título original: "The Good, the Bad and the Ugly" (1966)

Dirigida por Sergio Leone; con Eli Wallach, Clint Eastwood, Lee Van Cleef y otros. Música: Ennio Morricone (182 min

En plena Guerra Civil norteamericana, un par de estafadores se dedican a timar a las autoridades.). Tuco (Eli Wallach) es perseguido por numerosos crímenes, y es atrapado y entregado a la justicia por un caza recompensas conocido como el Rubio (Clint Eastwood), su complice de fechorías, quien lo libera de la horca a último momento para huir y repartirse el botín. Pero una serie de mutuas traiciones y desventuras los llevan a cruzarse en el camino con Bill Carson, un soldado confederado malherido. Antes de morir, les dice a ambos dónde se encuentra escondido un botín de 200.000 dólares en monedas de oro. El problema es que uno de los criminales conoce el paradero -un cementerio- y el otro sabe en qué tumba se encuentra enterrado el oro. Mientras tanto, un corrupto sargento de la Unión conocido como Ojos de Angel (Lee Van Cleef) se encuentra tras la pista de Carson. Y no pasará mucho tiempo antes de que sus caminos se crucen en el trayecto hacia el botín escondido.

Italia había comenzado la década del 60 como un imitador comercial de la cinematografía norteamericana. En la filmografía italiana hay cine de terror, hay cine policial, hay cine de época, y hay -por supuesto- cine del Oeste, que sería la baza más conocida pero no la menos importante. El Spaghetti Western fue un género recibido despectivamente por la crítica y el público hasta la aparición de ciertos artesanos que le dieron prestigio e incluso revirtieron el proceso, exhibiendo obras de gran calidad e influencia sobre la misma cinematografía americana. Y todos esos talentos, el nombre más resonante es sin duda Sergio Leone.

"El Bueno, El Malo y El Feo" es la tercera entrega de Leone sobre el género (después de "Por un Puñado de Dólares", y "Por Unos Dólares Más"), nuevamente con Clint Eastwood como protagonista. No es exactamente una trilogía, ya que el personaje de Eastwood no siempre tiene el mismo sentido, aunque sí conserva la misma estética -el sombrero, el poncho, los cigarros recortados-, amén de que Lee Van Cleef asume ahora un caracter totalmente diferente al del correcto y vengativo Coronel Mortimer de "Por Unos Dolares Más". Muchos piensan que "El Bueno, El Malo y El Feo" es una suerte de precuela -a fin de cuentas, sobre el final del film, Eastwood calza la vestimenta característica que usa en las películas previas-; en todo caso, se puede decir que es una suerte de ensayo sobre variaciones del tema que Leone vino exponiendo en los tres filmes.

Hay rasgos muy particulares que hacen notable al film. En primer lugar, todos los personajes son grises en distintas tonalidades. No hay héroes sino villanos de mayor y menor monta. Tuco y el Rubio son estafadores, cínicos y crueles, que se ven mejores que Ojos de Angel, que representa una fuerza totalmente siniestra. Ya no son los protagonistas naif típicos de los Westerns americanos, sino personajes rastreros que se traicionan constantemente una y otra vez, desconfiados y expeditivos. El segundo tema importante es la violencia, que resulta bastante gráfica, como la golpiza a Tuco en el cuartel de la Union. Para la cinematografía tan restringida moralmente en esa época, resulta impactante - en otro ámbito, la Hammer mostraba litros de sangre en brillantes colores en sus filmes de terror, y desde Europa empezaban a probar los límites de la censura.

El estilo de Leone es fabuloso, lo que mantiene el ritmo de la narración de forma fluída sin que el espectador caiga en los huecos de lógica que puede tener el argumento. La historia central es breve, pero Leone la estira con las peripecias incidentales que los bribones deben pasar hasta llegar a su destino -especialmente con el tema de las milicias de la Guerra Civil-. Ciertamente el film contiene inexactitudes históricas sobre el tema - hay hechos y armas que no se condicen con la época.

El cuarto detalle es la inmortal partitura de Ennio Morricone. El tema principal ya es sinónimo de Western. La originalidad del arreglo, con el estribillo clásico (teóricamente, imitando a un hiena, quizás en alusión al caracter de los personajes principales peleándose por un trozo del botín).

Y quinto, las actuaciones. Recién Eastwood encuentra su carácter en el cine; sea en Harry el Sucio, en Los Imperdonables o en otros de sus filmes, su personaje lacónico y cínico está basado en la construcción que hizo en las películas de Leone. Eli Wallach, un intérprete que tiende a sobreactuar, tiene un papel que festeja los desbordes del actor. Y Van Cleef es magistralmente letal. Es una lástima que no haya podido desarrollar una mejor carrera, ya que generalmente lo más difícil para un actor cinematográfico es encontrar "su" papel en la pantalla, cosa que sí sucede en este film (así como Bogart era el duro de buen corazón, o Burt Lancaster el aventurero carismático).

Lamentablemente Leone dirigiría unos pocos Westerns más, y abandonaría el género; su talento era enorme. La influencia de su obra es gigante -la escena final del duelo a la mexicana, posteriormente homenajeada por Tarantino, es una de las mejores secuencias filmadas de la historia y revitaliza el género. Resulta triste que la cinematografía italiana haya colapsado con el paso de los años, ya que era una fuente constante de directores creativos -Leone, Argento, Fulci, Bava, etc- que ofrecían visiones más estilizadas y frescas sobre géneros que Hollywood terminaba por destruir por saturación.

(Fuente: Arlequín)

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Dr. Zhivago

2010-09-01T05:00:00.021-03:00

Jueves 2 de septiembre

Título original: "Dr. Zhivago" (1965)

Dirigida por David Lean; con Omar Sharif, Julie Christie, Ralph Richardson, Geraldine Chaplin, Alec Guinness, Tom Courtenay, Siobhan McKenna, Rod Steiger, Rita Tushingham. Producción: Carlo Ponti. Guión: Robert Bolt, basado en la novela de Boris Pasternak. Música: Maurice Jarre. (200 min.)

La acción dramática tiene lugar en Rusia (Moscú, Yuriatin, Varikino y otras localidades) entre 1905 y 1925. La narración se hace en los años 50, a más de 25 años de distancia. Yuri A. Zhivago (Sharif) es un joven médico moscovita, que contrae matrimonio con Tonya Gromeko (Chaplin) poco antes del inicio de la IGM (1914-18). Con motivo de un servicio profesional en el domicilio de Víctor Komarovsky (Steiger), conoce a Larisa -Lara- Feodorovna Guishar (Christie). Al comenzar la Primera Guerra mundial es movilizado y destinado a un hospital de campaña, donde trabaja Lara como voluntaria de la Cruz Roja. Lara se casa con Pavel “Pasha” Antipov (Courtenay) un joven idealista revolucionario. A Zhivago le profesa gran afecto y le ayuda su hermanastro Yevgraf Zhivago (Guinness). Yuri es idealista, soñador, poeta, sensible, falto de voluntad y reacio a tomar decisiones. Lara es joven, independiente, atractiva, práctica y resistente. Victor Komarovsky es un abogado simpático y oportunista, pragmático y sin principios. Tonya es comprensiva, sacrificada, indulgente y constante en sus cosas. Pavel se entrega con fanatismo al servicio de la Revolución.

El film suma drama, romance y guerra. La exposición del relato se apoya en un narrador, Yevgraf Zhivago, que es quien explica los hechos a una muchacha (Tushingam), que él cree que es la hija de Yuri y Lara. La historia analiza la evolución de un protagonista sensible, aficionado a la creación poética, idealista e impresionable, que se ve enfrentado a acontecimientos que no puede dominar ni controlar, que causan en su ánimo sentimientos de desazón, contrariedad y rechazo.

Sus concepciones sobre el valor personal del goce estético, la necesidad espiritual de la experiencia artística y la importancia de la belleza como valor superior, base de su ideario, que ha expuesto en sus escritos y publicaciones, le enfrentan a las concepciones colectivistas, anti-individualistas y utilitaristas del arte que profesan los bolcheviques. Para preservar la propia vida y la de los suyos, deja Moscú y se refugia en Varikino, población de ficción, situada al pie de los Urales, en la cual está ubicada la mansión veraniega de su suegro. Allí podrá dedicarse a escribir poemas durante un tiempo, que será breve a causa de contratiempos imprevistos e indeseados.

Con motivo de cumplirse el 45º aniversario del estreno de "Dr Zhivago" el Ciclo Otro Cine cumple en homenajearlo con esta versión remasterizada y completa.
Si hablamos de superproducciones en esta encontramos el verdadero sentido de esa palabra, y sin ningún tipo de dudas estaría entre las diez más perfectas de todos los tiempos, es muy difícil encontrar una factura y un acabado más meritorio.

Tres años después de su obra maestra "Lawrence de Arabia", el cineasta británico David Lean, llevó a la gran pantalla, con la colaboración de Robert Bolt ("La Misión", Lawrence de Arabia"), la obra epónima del literato y poeta ruso de tendencias místicas, premio nobel de literatura Boris Pasternak, sobre los contrastes vitales del médico y poeta, Dr. Zhivago, frente a los horrores vividos durante el tumultuoso período de tiempo en su Rusia natal que se inicia aproximadamente en 1912 (marcado por el ocaso del gobierno zarista de Nicolás II) y durante las épocas sucesivas de la primera guerra mundial, la revolución rusa y la subsiguiente guerra civil.

Lean, que quiso abordar otra obra épica del estilo de la anterior ("Lawrence de Arabia"), pero con un marcado carácter romántico, se acordó de aquella polémica novela publicada por primera vez en Italia en 1957, debido a que en su Rusia natal, Pasternak se las tuvo que ver con un resentido gobierno bolchevique.

El productor italiano Carlo Ponti compró los derechos de la obra y contrató a David Lean para plasmarla cinematográficamente, y le propuso así mismo desde un principio a su esposa Sofía Loren para el rol de Lara Antipova, aunque finalmente Lean convenció a Ponti de que la Loren era demasiado alta y voluptuosa para el papel y optó por otro rostro y cuerpo más angelical como el de Julie Christie.

Así mismo Lean estuvo complicado a la hora de los castings, pues por ejemplo para el papel principal del dr Zhivago su primera opción era Peter O'Toole, quien finalmente declinó la invitación, lo mismo que para el papel de Komarovsky, ya que dudó primero entre Marlon Brando y James Mason antes de decantarse por Rod Steiger. Por no hablar de los faraónicos problemas a la hora de buscar localizaciones para el rodaje. Rodada básicamente en España (Madrid y Soria) durante la época franquista, hubo aquella sonada anécdota de los extras de Soria cantando la Internacional por imperativos del guión, ante la atenta mirada de la recelosa polícia represora franquista.

Publicitada como "Un amor sorprendido en el fuego de la revolución" o "En una tierra de hielo y pistolas, en el gran estruendo de la batalla y el más grande silencio de los amantes", la fotografía a cargo de Freddie Young es sencillamente sublime, además de contar con una excelente banda sonora a cargo de Maurice Jarre.

La direcciónes magnífica y el ritmo narrativo, a pesar de las pantagruélicas dimensiones del proyecto, es impecable.

Las grandes historias de amor son las que no duran para siempre. Y eso es "Doctor Zhivago"; una historia de amor con pinceladas de epopeya épica y de película histórica. Una grandísima historia de amor en el turbulento marco de una revolución que marcaría el devenir de Rusia. Todo un clásico.

Obtuvo 5 Oscars sobre 10 nominaciones en 1965: Guión adaptado, dirección artística, fotografía, banda original de sonido y vestuario, 5 Globos de Oro: Mejor Película, Actor, Director, Música original y Guión; un Grammy por la música original de Jarré y numerosos premios más.

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Agradecemos especialmente a

Alberti 2757 · Mar del Plata

El Beso De La Muerte

2010-09-01T04:00:00.001-03:00

Jueves 9 de septiembre

Título original: "Kiss Of Death" (1947)

Dirigida por Henry Hathaway; con Victor Mature, Richard Widmark, Coleen Gray, Brian Donlevy, Taylor Holmes, Howard Smith, Karl Malden.(95 minutos) Guión: Ben Hecht y Charles Lederer, basado en una novela de Eleazar Lipsky.

La película comienza con el ritmo bien alto, cuando un ex-convicto llamado Nick Bianco (interpretado por Victor Mature), que no puede conseguir un trabajo para mantener a su familia, participa desesperado de un atraco a una joyería para poder comprarles un regalo de navidad a sus hijas. (La tensión que se crea en la escena del ascensor ya nos adelanta que estamos ante una obra maestra del cine.)

Después de este atraco frustrado, el fiscal del distrito, Louis D'Angelo (Brian Donlevy), intenta convencerlo para que delate a sus compañeros, a cambio de la libertad condicional, a lo que se niega rotundamente, prefiriendo ir a prisión sin atenuantes. Su abogado Earl Howser se compromete a sacarlo de prisión y mientras tanto cuidar de su familia a cambio de su silencio. Sin embargo, esto no sucede, y mientras él está en prisión, fuera de la prisión todo su mundo se desmorona. El fiscal no duda en aprovechar la ocasión para presionarlo para que hable, apelando a su sensibilidad como padre de dos hijas a las que adora, pero el código del hampa convierte en carne de cañón a nuestro protagonista, un hombre con principios; un hombre bueno con mala suerte, que se arrepiente de su pasado criminal pero no puede escapar de ello. Una víctima de ambos bandos al que el pasado vuelve para acosarlo, esta vez de la mano de Tommy Udo, un asesino psicótico en busca de venganza.

"El Beso de la Muerte" nos propone una reflexión sobre la reinserción social de los ex convictos y la poca seguridad que la justicia puede ofrecer a quienes colaboran con ella. En esa reflexión ocupa un papel predominante la figura de un fiscal del distrito cuyos niveles de humanidad y apoyo humanitario parecen superar los habituales de su profesión, pero detrás de los cuales se revela el verdadero interés de atrapar a otros elementos escurridizos como anguilas. El abogado Earl Howser, vinculado con el mundo criminal (un impecable Taylor Holmes), aporta otra cuota extra de realismo y cinismo al film.

Henry Hathaway nos brinda aquí un clásico inolvidable del género. Hathaway rueda en exteriores (fue un pionero en ello) e imprime un acertado tono fatalista en esta historia de redención personal y venganza. Así consigue crear una atmósfera inquietante a lo largo de toda la trama; incluso en las escenas donde la vida transcurre con cierta alegría, hay una especie de amenaza permanente que no deja respirar tranquilo al protagonista –ni al espectador. El sólido guión es de Ben Hecht y Charles Lederer, toda una garantía. Las tomas de Nueva York son reales, así se anuncia en los créditos.

"El Beso de la Muerte" participa de una corriente documentalista muy en boga en el cine de la época y que encontró pleno acomodo en el género negro, como demuestran los aportes al género de directores como Jules Dassin, Robert Siodmak o Joseph H. Lewis. Henry Hathaway cultivó esa corriente documentalista, cuya característica más representativa es el rodaje en exteriores por influencia del éxito del neorrealismo italiano. Nos va contando la historia con unos separadores negros de dos segundos, que parecerían estar resumiendo los hechos como si fuera una crónica periodística, un drama real. De hecho, la filmación en locaciones de la populosa New York refuerza la verosimilitud de la trama.

Una de las claves de la genialidad del film es que los actores protagonistas están sobresalientes: el (injusta y folklóricamente) siempre menospreciado Victor Mature da el apropiado retrato de delincuente itálico, endurecido por la vida y sin sobreactuaciones, en uno de los mejores papeles de su carrera; pero es Richard Widmark el actor que, con su temible psicópata Tommy Udo, logra meter miedo y convertir la misión de Nick Bianco en una empresa terrorífica. En uno de los momentos culminantes de la película, Bianco se sienta en una mesa de restaurant aguardando a Udo mientras fuma un cigarrillo. Pasan los segundos y el nerviosismo que Bianco emana a través de la pantalla, eclosiona cuando el director nos muestra unas cortinas tras las que, muy pero muy lentamente, se va acercando Udo. Es una imagen de pesadilla que, fuera del contexto de la historia carecería casi de tensión. Dicha escena es de una tensión casi insoportable, y a ello ayuda la inteligentísima decisión por parte del director de que todo suceda sin música, en un silencio que hace más violento aún el encuentro. Eso es, en líneas generales, la película: un espiral de tensión.

Richard Widmark realiza aquí, en su primera película, una interpretación inolvidable y colosal en la que da forma a uno de los criminales más emblemáticos de la historia del cine. Bordeando la fina linea que separa una actuación magistral de la sobreactuación pero sin llegar a traspasarla, Widmark está perfecto encarnando a ese criminal psicópata y sádico que tanto parece disfrutar matando. Para la posteridad queda la escena en que arroja a una indefensa mujer en silla de ruedas por las escaleras, de una brutalidad (para la época) apabullante.

Nadie ha tenido un debut tan espectacular en el cine como Richard Widmark. Su célebre escena ha quedado como uno de lo grandes mitos que recuerda toda una generación. Su increíble debut cinematográfico lo hizo (más que merecidamente) famoso de la noche a la mañana. Su personaje, un delincuente inimaginablemente ruin y perverso, se roba el film en los quince minutos que dura su presencia. Se trata, indudablemente, de uno de los villanos antológicos de toda la historia del cine. Y es que es un personaje muy bien trabajado, que con sus miradas y risa malévola inquietan a la vez que deja huella en el espectador. El Tommy Udo de Widmark provoca escalofríos,su risa de hiena es verdaderamente terrorífica y hiela la sangre, es un aviso de que algo -nada bueno- va a suceder a continuación.

Estupenda combinación de melodrama, suspenso, realismo, thriller y film noir, "El Beso de la Muerte" es una de las joyas ocultas del cine americano de todos los tiempos.

Obtuvo una nominación al Oscar al mejor actor secundario (Richard Widmark), y al Oscar mejor historia original (Eleazar Lipsky), y una nominación al Globo de Oro al mejor actor secundario, también para Widmark.

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La Huella

2010-09-01T03:00:00.000-03:00

Jueves 16 de septiembre

Título original: "Sleuth" (1972) (También conocida como "Juego Mortal")

Dirigida por Joseph L. Mankiewicz; con Laurence Olivier y Michael Caine y otros. Basada en la obra de teatro de Anthony Shaffer. (138 min.)

Andrew Wyke (Lawrence Olivier), destacado novelista de obras de misterio y ganador del premio Edgar Allan Poe por la contrucción de novelas detectivescas, invita a su mansión a Milo Tindle (Michael Caine), el amante de su mujer, un ex peluquero y actual propietario de una cadena de salones de belleza, a tomar unas copas en su casa y proponerle un plan en el que ambos saldrían beneficiados. Wyke, además, es un fanático jugador que ha convertido su mansión en una galería llena de múltiples juegos.

Wyke encarna el espíritu más perversamente sádico del alma humana, de aquellas personas que habiendo tenido cierto éxito en la vida disfrutan humillando a esas otras personas que por su cuna y naturaleza consideran inferiores. De hecho, Wyke invita a Tindle a su enorme mansión para hacerlo partícipe de sus sádicos juegos de humillación y sumisión con los que tanto disfruta.

Este film es, sin dudas, una pieza de teatro. Mankiewicz siempre fue un director de estilo muy teatral en la dirección de actores y en la gestión de sus recursos técnicos. Pero en esta película, una especie de recuperación de las viejas claves de novelas de misterio, una recreación de un clima de divertimento macabro, de intriga absorbente y clásica, lo teatral encaja a la perfección. Como encaja la mansión, los batones de seda, los atizadores y el sótano a lo Poe.

Más allá de las geniales actuaciones de Olivier y Caine, podría decirse que la mansión del escritor es casi un tercer personaje. Llena de muñecos autómatas de cera que acentúan aún más la atmósfera grotesca y a la vez siniestra, como el jocoso "Jack El Marinero Jovial", siempre presto a reir por los pérfidos juegos sadomasoquistas de su amo, o el busto de Edgar Allan Poe sobre la repisa de la chimenea, que de alguna manera sirve como homenaje a este maestro del misterio y de la "miseria humana más recóndita".

Incuestionable obra maestra tanto en la filmografía del citado realizador Mankiewicz como en el género de intriga policíaca, articulada en torno a la ironía, la sutileza e inteligencia emanada de los diálogos que componen ese erudito guión cuya autoría corresponde a un dramaturgo de excepción como Anthony Schaffer, autor del que Hitchcock adaptó otra obra suya: "Frenesí".

Un divertimento cínico y civilizado, un duelo refinado donde los epigramas sociológicos decoran el despecho amoroso; ante todo, esta película propone una ácida y lúcida visión en torno al juego con todas sus vertientes: la del lenguaje (en sus juegos de palabras, adivinanzas, alusiones, registros diversos según la extracción social, los interrogantes, los ingeniosos diálogos), los trucos (encarnados en los muñecos burlones mecánicos, la ruleta que marca el destino, la diana que esconde una caja fuerte, el disfraz, el arma trucada y el arma de fuego real) y el divertimento (juegos de mesa, billares, juguetes musicales, instrumentos).

Un magnífico "tour de force" interpretativo entre dos de los más destacados actores de orígen británico: por una parte Lawrence Olivier, con sus cadencias teatrales, el dominio de la palabra y de la experesión corporal y la ostentación de ese porte aristrocrático que siempre le caracterizó y, por otra parte, un Michael Cane en la cumbre de su carrera, que da vida al advenedizo, ambicioso y rampante pequeño empresario con ansias de un veloz ascenso social que culmina seduciendo a la mujer del aristócrata. Precisamente esta pugna amorosa se convertirá en el detonante capaz de desencadenar toda una serie de tragedias de trampa y cartón, dando pie al conocimiento del pasado que marcó a cada personaje, con sus frustraciones, implícitas intenciones y explícitas acusaciones.
Tanto Olivier como Caine fueron candidatos a mejor actor para el Oscar, aunque ese año la estatuilla se la llevó Marlon Brando nada menos que por su creación de Don Vito Corleone. También tuvo nominaciones a mejor director y mejor banda sonora.

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La Armada Brancaleone

2010-09-01T02:00:00.022-03:00

Jueves 23 de septiembre

Título original: "L'armata Brancaleone" (1966)

Dirigida por Mario Monicelli; con Vittorio Gassman, Catherine Spaak, Gian Maria Volonté y otros. (120 min.)

Brancaleone da Norcia (Vittorio Gassman), un caballero medieval pobre pero con honor, recibe de un extraño grupo un documento robado que otorga al poseedor la propiedad de la roca y ciudad de Aurocastro. Aunque inicialmente rechaza el ofrecimiento, su vergonzosa actuación en una justa le hace cambiar de opinión.

Una obra maestra del humor y de la interpretación. Un guión brillante que nos muestra las aventuras y desventuras de un caballero medieval de poca monta (Vittorio Gassman), un noble decadente y desclasado (Gian Maria Volonté) y la banda de pícaros malvivientes que forman su séquito. Un guión realmente espectacular, con un desarrollo narrativo impecable y lúcido que no decae en ningún momento.

La recreación de la atmósfera medieval no solo es comiquísima y satírica sino que además está realmente basada en la idiosincrasia y cultura de aquella época: el misticismo, la superstición, la exacerbada religiosidad, la gallardía y también el oportunismo y la picardía de unos malandrines que a pesar de cada revés del destino, no pierden oportunidad para intentar sacar provecho.

Cada personaje principal está desarrollado en forma completa y cada personaje secundario es un estereotipo de la época. Se retratan situaciones típicamente medievales como los monjes predicadores, las peregrinaciones de los pecadores e infortunados a Tierra Santa, la peste, las cortes decadentes. El desarrollo de personajes como el monje "Xenón" o el viejito judío que duerme y se protege dentro de un cofre que lleva a todas partes, o el "hombre oso" son simplemente insuperables.

El tono tirando a esperpéntico del relato, el perfecto ritmo con que se enlazan las diversas situaciones, la feroz sátira que propone y un reparto de excepción lo convierten en uno de los clásicos de la comedia italiana.

Todo eso... ¡¡y Vittorio Gassman!!

Vittorio
Por Mario Monicelli

«Fue conmigo que Vittorio ingresó al cine como actor de comedia, con "Los Desconocidos de Siempre". Antes de eso, hasta fines de los años cincuenta, sólo se conocía su faceta de actor serio, dramático. El hecho es que nosotros dos
éramos amigos, grandes amigos.

Como yo frecuentaba mucho a Vittorio, y en ámbitos que excedían los escenarios, sabía que su profunda capacidad de observación le permitían el humorismo y la parodia. En el teatro Vittorio adoptaba un tono autoritario que no utilizaba en la vida real, en la que se destacaba por ser un hombre de un ingenio irresistible y un director tenaz y explosivo.

Teníamos mucha confianza. Recuerdo largos paseos que abundaban en discusiones y contrastes, pero que se caracterizaban siempre por su tono humorístico. Si había algo que invariablemente lo irritaba, eran mis opiniones sobre la tragedia griega. El la idolatraba, le parecía algo sagrado, intocable. Yo le contestaba que, a mi modo de ver, tenía una retórica pomposa y que, en el fondo, todas las tragedias clásicas no eran más que libros policiales. No lo soportaba.

Cuando le propuse interpretar un personaje cómico, el de Los desconocidos de siempre, con guión de Age y Scarpelli, a quienes apreciaba mucho, Vittorio aceptó con sorpresa y entusiasmo. Finalmente se permitía ser él mismo. El rodaje fue muy placentero y gracioso. También fue ahí donde se conocieron Gassman y Totó, que encarnaba al gran maestro de robo de cajas fuertes. Junto con los hermanos Marx, Totó era el cómico a quien más admiraba Vittorio. Según me contó, lo dejaba pasmado. Lo encontraba sorprendente, su genio cómico superaba en mucho todo lo que él pudiera haber imaginado.

Luego Vittorio rodó conmigo "La Gran Guerra" y, a fines de los años sesenta y principios de los setenta, se convirtió en Brancaleone. Fueron dos películas La Armada Brancaleone y Brancaleone en las Cruzadas. Una vez más el personaje está pensado para él. Age y Scarpelli pensaban en una saga medieval que fuera realista, en oposición al mundo de los caballeros andantes y las doncellas remilgadas que suelen pintarnos en la escuela. El nuestro sería un medioevo bárbaro, salvaje, repleto de miseria y suciedad, habitado por caudillos corruptos y groseros.

Vittorio le dio pleno sentido a todo: en el papel de Brancaleone se autoparodió de manera genial; se burló de su propia exaltación y retórica de actor serio reconocido y consumado. Construimos un lenguaje absurdo, "medievalizante" y cómico, que caracterizó a Brancaleone.

Vittorio se posesionó totalmente del personaje, logró comprenderlo, interpretarlo con soltura, hacerlo creíble. Nuevamente el clima de trabajo se destacó por su tono divertido y liviano, como pasa cuando se trabaja con grandes actores, con aquellos cuya solvencia no tiene límites.»

Ver escena:

Borsalino

2010-09-01T01:00:00.006-03:00

Jueves 30 de septiembre

Título original: "Borsalino" (1970)

Dirigida por Jacques Deray; con Jean-Paul Belmondo, Alain Delon, Catherine Rouvel y otros.

La acción transcurre en Marsella en los años 30, donde dos simpáticos mafiosos de poca monta unen sus fuerzas en diversos negocios: carreras de caballos, peleas, etc, y pronto se verán trabajando para los capos de la mafia de la ciudad. Cuando deciden trabajar por su cuenta las cosas comienzan a complicarse...

Una película de gangsters que hizo historia, con un enorme éxito de taquilla en su momento, dirigida por el gran Jacques Deray y con los dos actores más populares y taquilleros de Francia, acompañada por una excelente banda de sonido a cargo de Claude Bolling.
Una verdadera joya olvidada del cine que nada tiene que envidiarle a otras producciones más actuales sobre gangsters.

Más allá del género, el film habla del amor, de la amistad y de la lealtad entre amigos, si bien el énfasis no está puesto en dejar ningún tipo de mensajes ni moralinas, sino en el entretenimiento, con un cuidadísimo estilo.

El éxito fue tan grande que cuatro años después se filmó la segunda parte de la historia, "Borsalino & Co.".

Subtítulos: Denise Castello

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Los Inútiles

2010-08-03T03:00:00.016-03:00

Jueves 12 de agosto

Título original: "I Vitelloni" (1953)

Dirigida por Federico Fellini; con Alberto Sordi, Franco Fabrizi, Franco Interlenghi, Leopoldo Trieste, Leonora Ruffo, Lida Baarova. Música: Nino Rota. Guión: Federico Fellini, Tullio Pinelli, Ennio Flaiano. (90 min.)

En una pequeña localidad costera italiana del Adriático, donde todo el mundo es amable y cortés, sus habitantes se afanan en el trabajo. Pero hay cinco jóvenes que rompen la armonía de la comunidad. Ninguno ha trabajado nunca, y ninguno se avergüenza de ello.

Una grandísima película que no goza de la fama que merece, quizás por haberse realizado en los inicios del autor y tener un tono bastante diferente a esas otras obras que realizó en su plenitud ("Amarcord", "Casanova", "Roma"...)

Con una evidente carga autobiográfica, Fellini nos cuenta (en esta, su tercera película) la vida de unos jóvenes de provincia y nos retrata su hastío y tedio. Unos jóvenes ociosos que no hacen nada para trabajar ni ganarse la vida, viven de sus familias y a los que sólo les interesa ir con los amigos y las mujeres. Un cine moral y humanista pero no por ello menos personal.

La película está vertebrada por una historia principal, la del joven matrimonio, y a su alrededor van apareciendo episodios en los que vemos al resto de personajes (y el estancamiento en que están sumidos). Ese núcleo principal es lineal en su desarrollo mientras que el resto de situaciones tienen muchas veces el ritmo de recuerdos (no siempre, también hay subtramas construidas de forma “normal”), como si Fellini los reconstruyera siguiendo los fogonazos caprichosos de la memoria. Ahí cobra importancia la voz en off del narrador, una extrañísima voz que plantea dudas sobre su origen (¿es el hermano de Sandrina o es el propio Fellini?).

Se trata de una comedia agridulce, de un Fellini arrimado, aún con sus ideas, al neorrealismo, con brotes de su cine burlesco y satírico, pero sin el barroquismo escenográfico ni de ideas al que llegara después. Teniendo en cuenta que el cine más personal y profuso de Fellini se caracteriza por el uso de tramas oníricas y turbadoras, esta película se desmarca en buena parte de dichas características. Es una película de sencilla factura, notable y suficientemente relevante dentro de la filmografía de su genial autor.
De entre todos los actores sobresale la grata presencia de un muy joven Alberto Sordi que dota de mayor sarcasmo y gracia al film. Una mención especial para la excelente música de Nino Rota.

Como guión es quizás el mejor construido de Fellini, y uno de los más complicados. Cada uno de los personajes tiene su espacio, su pequeña historia que lo individualiza; Y todas se alternan de un modo muy preciso. El grupo de todos ellos es un personaje más, que deambula por los rincones de la ciudad intentando vivir las pocas posibilidades que le brinda. Y por último, la ciudad, plasmada como un envoltorio monótono y entrañable al mismo tiempo.

Nominada al Oscar como Mejor Guión Original.

Ver fragmento: (la famosa escena del corte de manga)

Otra escena:

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El Espía Que Surgió Del Frío

2010-08-03T02:00:00.001-03:00

Jueves 19 de agosto

Título original: "The Spy Who Came In From The Cold" (1965)

Dirigida por Martin Ritt; con Richard Burton, Claire Bloom, Oskar Werner, Peter van Eyck y otros. Basado en una novela de John Le Carré (112 min.)

El agente secreto británico Alec Leamas, lleva un tiempo dedicado a misiones poco importantes, pero no desea abandonar la clandestinidad para ocupar un despacho oficial. Un poco desanimado, se hace cargo de una misión muy arriesgada en la Alemania del Este, donde debe volver a enfrentarse a su gran adversario Mundt.
Para dar credibilidad a una ficticia deserción, Leames finge todo un proceso de degradación personal de difícil control, emborrachándose y desacreditando a sus jefes hasta conseguir ser expulsado de la agencia de inteligencia británica, para lograr entrar en los círculos de espionaje de la Alemania del Este.

La película muestra de modo creíble, realista y descarnado, el mundo del espionaje que imperó en Europa en los años de la Guerra Fría, donde los métodos de los servicios secretos de los países occidentales eran tan despiadados, crueles e inmorales como los de la URSS y países satélites. El film trasmite una visión oscura y tenebrosa de los hechos que rodean la labor del espionaje y contraespionaje de los dos bloques, alejándose de los habituales clichés del género de espías. De esta manera la obra se convierte en la otra cara de los relatos de espías de la serie de James Bond, que ofrecen una imagen de juego limpio, lealtad e incorruptibilidad de los agentes occidentales.

The "Spy Who Came in from the Cold" está basada en la novela homónima de John le Carré -la primera de las suyas que se adaptó al cine. La novela fue escrita en 1963, y rápidamente fue un éxito de crítica y público. Con el auge del cine de espías, en 1965 llegó esta adaptación de la novela a la pantalla grande producida por capitales británicos.

John Le Carré (cuyo nombre real es David John Moore Cornwell), al igual que Ian Fleming, estudió en Eton, fue agente secreto del Mi6 (aunque Le Carré sirvió a la inteligencia británica en plena Guerra Fría como agregado cultural en Alemania (una fachada que duró poco ya que fue destruida por el doble agente Kim Philby al pasarle una larga lista de agentes ingleses y aliados a la KGB en aquella época), y decidió aventurarse en el mundo de la literatura de género tras su paso por allí, convirtiéndose en un escritor de enorme sensibilidad y agudeza. A diferencia del autor de James Bond, Le Carré no inventaría un héroe sibarita y bon vivant, sino una especie de orquestador oscuro en las sombras que resultaría su personaje más conocido: George Smiley. Smiley aparecería como carácter secundario en varias novelas (como "El Espía que Surgió del Frío", donde es testigo y narrador de los hechos acontecidos), y tendría el rol central en otras, como "El Topo", "El Honorable Colegial" o "La Gente de Smiley".

Por esta novela (la tercera en su producción despues de "Llamada Para el Muerto" -llevada al cine por Sidney Lumet- y "A Murder of Quality") Le Carré recibió en 1965 el premio Edgar (The Edgar Allan Poe Awards, popularmente llamados los "Edgars"), a la mejor novela de ficción concedido por la asociación Mystery Writers of America -premio que diez años antes le habían otorgado a Raymond Chandler por "The Long Goodbye".

Por su parte, Martin Ritt logra una excelente adaptación de la novela tratando el mundo del espionaje con mucho realismo, retratando sus existencias grises, clandestinidad, traiciones y vidas austeras, donde todos son meros peones de un juego en el que no deciden. A diferencia que en los filmes de acción, aquí hay menos disparos, explosiones y vértigo y más tensión psicológica. Aquí no hay glamour, ni superhombres entrenados para todo, ni aparatos ultramodernos. En cambio, hay falsedad, conspiraciones, pesimismo y engaños. Se juega al engaño todo el tiempo. Así el director consigue desarrollar la historia con amargo desencanto, verosimilitud y cinismo. No en vano Ritt fue otro de los directores que figuraron en la lista negra de la caza de brujas en EE.UU..

La película tiene un buen reparto, plagado de excelentes secundarios (entre ellos está Bernard Lee -el célebre"M" de Bond), destacando el protagónico del inmenso Richard Burton que aborda su papel de espía desencantado en una de las actuaciones cinematográficas más brillantes de su carrera.

Nominado a 2 Oscar (mejor actor y decoración), ganó 4 BAFTA, 1 Globo de oro y otros premios.

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Los Desconocidos De Siempre

2010-08-03T01:00:00.002-03:00

Jueves 26 de agosto

Título original: "I Soliti Ignoti" (1958)

Dirigida por Mario Monicelli; con Claudia Cardinale, Vittorio Gassman, Marcello Mastroianni, Totò, Renato Salvatori, Memmo Carotenuto, Carla Gravina, Tiberio Murgia y otros. (106 min.)

Simplemente una de las mejores comedias de todos los tiempos. Un film dotado de un guión extraordinario, escrito en parte por el propio director Mario Monicelli, que nos sumerge en mundo de estrambóticos perdedores delincuentes de buen corazón, que tienen la esperanza de que con un robo "científicamente" preparado a una casa de empeño se harán ricos. La historia es un retrato de una época, tallada a base de un humor típico italiano, humor que roza lo absurdo. Está repleta de situaciones hilarantes, ayudado por unos actores en estado de gracia, encabezados por dos monstruos, Vittorio Gasman y Marcello Mastroiani, que nos ofrecen dos perfiles distintos de dos perdedores en tiempos complicados.

Maria Esperanza, en el blog "La Barbarie", comenta que: "Sintéticamente, 'Desconocidos' es un tratado de ética, en el verdadero sentido de la palabra (no en el sentido 'lo que falta en este país es gente con ética'), o sea: cuál es la mejor vida, y cómo vivirla. Esta película pertenece al subgénero 'ladrones sin habilidad que intentan un gran golpe y uno sabe que van a perder', intersectado con el subgénero 'ladrones quieren hacer un último golpe y retirarse'. La película transcurre en Roma, en plena reconstrucción de posguerra. El elenco es sublime y todos parecen divertirse continuamente. Marcello Mastroianni, antes de pasar a aser la efigie hierática de spleen y belleza en que lo convirtió Fellini, se divierte. Toto es Toto. Y el gran, enorme Vittorio Gassman, llena la pantalla, hace slapstick, la pasa bien, enamora a las italianas, y es sin duda el mas grande y hermoso de todos."

El gran especialista argentino Jorge Dana (quien ha realizado documentales sobre el tema) dijo en un reciente reportaje que: "Dino Rissi, Mario Monicelli, Furyo Scarpelli, señalan que para que surja ese producto excepcional en el mundo de la cinematografía fueron necesarios dos factores ligados estrechamente a la cultura italiana. En primer lugar la existencia de un componente dramático -nada ajeno al momento que vivía Italia en el momento de esa producción, la posguerra- tratado con distancia, en registro comedia. Por otro lado un rasgo cultural de los italianos: la capacidad de reírse de sí mismo, posiblemente para adelantarse a los otros."
"Los Desconocidos de Siempre', de Monicelli estaba destinado a ser una parodia del film policial francés 'Rififi', que se llamaría 'Rufufu'. Pero Monicelli decidió que filmaría esa comedia como si se tratase de un film dramático: fotografía en matices de gris de Gianni di Venanzo, decorados austeros, aceras lluviosas, atmósferas de bruma. También se trabajó el relato, la adustez de los personajes originales se tornó en modestia y carencia con visos dramáticos, trabajados en clave de comedia.
Esa es posiblemente la clave de la Comedia a la Italiana: relatar con humor situaciones y sucesos esencialmente dramáticos. 'Los Monstruos' o 'Il Sorpasso', de Dino Rissi, 'Policías y Ladrones' de Monicelli o 'Nos Habíamos Amado Tanto' de Scola son algunos buenos ejemplos."
"En 'Los Desconocidos de Siempre' se producen incluso gestos que podríamos llamar fundacionales -que refuerzan el señalado efecto de equipo-, como el de la presencia de Totó -el viejo actor cómico- junto a Gasman y Mastroianni, jóvenes en la época; en ella el más viejo da una lección a los jóvenes (la famosa secuencia de la terraza). Podríamos decir: una verdadera transferencia generacional."

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El Pasajero De La Lluvia

2010-07-01T05:00:00.003-03:00

Jueves 1 de julio a las 18 hs.

Título Original: "Le Passager De La Pluie" (1970)

Dirigida por René Clément; con Marlène Jobert, Charles Bronson, Annie Cordy, Gabriele Tinti, Jill Ireland, Jean Gaven, Ellen Bahl y Marc Mazza.
Música: Francis Lai. (120 min.)

La esposa de un aviador es violada por un desconocido, pero por alguna razón, todas las sospechas de un crimen recaen sobre ella. René Clement arma, sobre esta inusual premisa, un thriller psicológico sorprendentemente eficaz y original. Clement, uno de los directores clave para entender la posguerra francesa, se aventura con un un producto comercial en este filme, que incluye en el reparto a un impecable Charles Bronson y a una sorprendente Marlene Jobert en el mejor papel de su carrera.

Premios:
1970: David di Donatello: David especial para Marlène Jobert.
1971: Globo de Oro: Mejor película de habla no inglesa

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Noche En La Ciudad

2010-07-01T04:00:00.000-03:00

Jueves 8 de julio a las 18 hs.

Título original: "Night And The City" (1950) (También conocida como "Siniestra Obsesión")

Dirigida por Jules Dassin, con Richard Widmark, Gene Tierney, Googie Withers (101 min.)

“Noche en la Ciudad” fue la última película que Dassin realizó para un estudio hollywoodense (Twentieth Century- Fox), previamente a su autoexilio. Tuvo que ser rodada en Londres, debido a la persecución de la que ya estaba siendo víctima por parte del senador Joseph McCarthy y el el HUAC (Comité de Actividades Antinorteamericanas), sobre todo luego que Edward Dmytryk y Frank Tuttle mencionaran su nombre en una de sus funestas audiencias.

Harry Fabian (Richard Widmark), un timador de poca monta que trabaja en un club nocturno, desea triunfar, ser reconocido, pero no encuentra el camino. De manera inesperada se le presenta la oportunidad de incursionar en el negocio de la lucha grecorromana, al que no dudará en ingresar, valiéndose de engaños.

Los oscuros recovecos de la Londres de postguerra y su fauna más rabiosa se revelan ante los espectadores. En los barrios bajos sólo existe la ley que el dinero puede comprar y los encargados de hacerla cumplir son los más sombríos personajes. En medio de ese infierno, se encuentra atrapado el iluso Harry Fabian, "un artista sin arte", por voluntad propia. Quiere mimetizarse, pues cree poseer la maldad y la habilidad suficientes; sin embargo, no parece darse cuenta que no cabe en ese orden, que no hay espacio para los soñadores. Lo que ha hecho hasta ahora es sobrevivir. Nos preguntamos por cuánto tiempo más y obtenemos la respuesta en esos pasos desesperados, en esa respiración agitada.

Dassin realiza esta adaptación de la novela homónima de Gerald Kersh, como una pesadilla sin escape posible, añadiendo más pasajes al retorcido laberinto en el que ha dispuesto a su protagonista. El film avanza con una inquietante atmósfera donde se respira todo ese aire de falsas esperanzas, de traiciones, de peligro y de ilusiones rotas. Ese clima se ve reforzado por la excelente fotografía de Mutz Greenbaum, que influenciado por el fotógrafo Arthur Felling, más conocido como WeeGee, supo imprimir el tono sórdido y desencantado, en el que la noche toma una dimensión monstruosa, de amenaza constante. El film fue rodado en escenarios naturales, por lo que el realismo en ese aspecto es extraordinario.

De una fuerza y vigor fuera de lo común. Dura, asfixiante, claustrofóbica, intensa, sin concesiones. La música, de Franz Waxman, aporta la emoción de una música orquestal que estremece con armonías intensas y distorsionadas. La fotografía utiliza encuadres similares a los de Orson Welles. La cámara usa ángulos torturados, sombras inmensas, un claroscuro muy brillante y un dibujo neoexpresionista de gran belleza visual.

El guión define muy bien la figura del protagonista y la de los personajes que pueblan su entorno. Mary es la única que encarna la bondad en un mundo de malvados. La interpretación de Widmark es una de las más sobresalientes de su carrera. Un guión sin fisuras, muy creíble y con un final que no por esperado deja de ser de auténtico lujo. Allí donde otros films cierran apresuradamente, Dassin consigue que en tan sólo 95 minutos ocurran miles de cosas, que además estén interconectadas de un modo impecable y que el final de esta historia sea un punto y final soberbio a todas ellas.

En una de las mejor filmadas películas de Cine Negro de la historia, el gran Dassin no deja cabos sin atar.

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Scorpio

2010-07-01T03:00:00.003-03:00

Jueves 15 de julio a las 18 hs.

Título original: "Scorpio" (1973)

Dirigida por Michael Winner; con Burt Lancaster, Alain Delon y Paul Scofield. (113 min.)

El experimentado agente de la CIA Cross (Burt Lancaster) es sospechoso de ser un agente doble que ofrece sus servicios al KGB. La agencia intenta eliminarlo, pero falla en su plan y Cross consigue escapar a Europa. Dadas estas circunstancias, la CIA contacta con un joven asesino francés - a quienes se les llama "Scorpio" (Alain Delon) para acabar con Cross. Se inicia así una frenética caza humana.

Extraordinaria obra maestra del género de espías en particular y del cine de los 70 en general. Crudo y complejo retrato del paso del tiempo y el cambio de valores y mentalidades, de la insignificancia de las personas y lo fácilmente sacrificables que son ante los grandes intereses. Un film con una dirección impecable y un guión perfectamente delineado, con excelentes interpretaciones tanto de Burt Lancaster como de Alain Delon y Paul Scofield (sorprendente en su papel del descreido espía soviético Zarkhov); con escenas de acción y violencia contundentes, con una profunda reflexión sobre la amistad masculina, sobre la traición y con un final antológico.

"Hay continuas referencias al desgarrador pasado europeo, apuntando todo a que tanto Cross como Zharkov aunque ahora luchen en bandos opuestos en su día combatieron juntos contra el fascismo, realizándose algunas alusiones a la Guerra Civil española (1936-1939) como el santo y seña que emplea Cross al llegar a Viena “lo de España fue hace mucho”, siendo contestado “allí murieron los mejores”. El mismo músico al que Cross recurre en busca de ayuda es judío y en su día estuvo en un campo de concentración y Cross salvó su vida. Entonces parecían saber contra qué y por qué luchaban: el fascismo, pero los tiempos cambian, aunque ellos sigan siendo los mismos. Zharkov incluso estuvo recluido en un campo de trabajo durante el estalinismo."

"También es un reflejo de lo viejo frente a lo nuevo. La CIA y la KGB prefieren jóvenes eficientes agentes por su docilidad y su fe en el sistema para el que trabajan, frente a los experimentados Cross y Zharkov, quienes sin embargo después de todo lo que han vivido, piensan y reflexionan, no limitándose a cumplir órdenes, pudiendo suponer por ello un incordio cuando no peligro para sus respectivas organizaciones."

"El tono crudo y en cierto modo pesimista del filme está en sintonía con muchos thrillers de la década, y es ayudado por la delicada banda sonora de un acompañante habitual en las películas de Winner, Jerry Fielding (Grupo Salvaje, otra película otoñal) en un tono nostálgico acompañado por el sonido del acordeón en su inicio un día nublado por un bulevar de París, Lancaster con su gabardina, sombrero y un periódico (evocadores del espionaje). Una apropiada composición que transmite intensidad, dramatismo y por supuesto tratándose de un thriller de espionaje, tensión y suspense. Curiosamente esta película, que no deja en muy buen lugar a la CIA, cuenta con uno de los compositores que padecieron la caza de brujas del senador McCarthy, siendo Fielding de padres inmigrantes rusos, incluido en la lista negra de Hollywood entre 1953 y 1961."

(El autor de estos últimos tres párrafos es José Luis Urraca Casal. Fuente: www.unmundodecine.com. Artículo: http://www.unmundodecine.com/2008/04/scorpio.html)

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El Confidente

2010-07-01T02:00:00.002-03:00

Jueves 22 a las 19 hs

Título original: "Le Doulos" (1962)

Dirigida por Jean-Pierre Melville; con Jean Paul Belmondo, Serge Reggiani, Jean Desailly y otros. (108 min.)

La palabra francesa "doulos" refiere a un tipo de sombrero de ala ancha, el mismo que utilizan comúnmente los gángsters en el film noir. Asimismo, en la jerga policial o del hampa define al informante, al delator, al soplón. Esta ambigüedad presente en el título se vuelca en toda la película.

Nada es lo que parece en Le doulos, quienes pensamos traidores pueden no serlo, toda afirmación de los personajes debe ser puesta en duda, los "bandos" son difusos y presentan todos ellos costados reprobables. La lealtad de alguno puede ser tan inesperada como la traición. Un interrogatorio al borde de la tortura puede ocultar un acto de camaradería y el asesinato a sangre fría ser el único medio para la supervivencia.

Al igual que en su siguiente película "Le Samouraï", Melville explora la aparente contradicción entre el honor y la moral en el mundo de los gangsters. Los criminales son profesionales implacables y fríos, pero siempre dejan entrever en breves gestos corporales, en un milimétrico momento de inacción, en una furtiva mirada a un espejo, el torbellino emocional que atraviesan, la fuerza de la duda que les arremete y les obliga a hacer un doloroso balance de las consecuencias de sus actos. A la vez, adhieren a un código de honor que los sitúa en un asidero moral más firme que el de la policía. Mientras que El Samouraï logra esto en una trama minimalista, con poco diálogo, Le Doulos se parece más al filme tradicional de detectives, pero más inteligente que la norma y menos predecible. El argumento es complejo y recién a los quince minutos del final se descubre quiénes son los villanos y quiénes son los buenos.

En esta historia Maurice (Serge Reggiani) es un experto ladrón que ha pasado seis años en la cárcel por un robo anterior, y acaba de salir a la calle. Como suele suceder en estos casos, lo primero que hará sera reunirse con sus antiguos conocidos para reengancharse a su anterior vida y volver al trabajo. Sin embargo, hay un nuevo tipo dentro de su círculo: Silien. Magistralmente interpretado por Jean Paul Belmondo, Silien es un criminal frio y de imagen amable, que rara vez muestra sus sentimientos, y que tiene fama de ser un confidente de la policía.

Pero Maurice necesita el dinero, asi que no hará caso de habladurías, y se meterá de lleno en el trabajo. Asi arranca esta apasionante historia de policías y ladrones a la antigua usanza, de las que ya no se hacen. Y es que como corresponde al género, se trata de una película que trata con crudo realismo, sin florituras ni concesiones a la galería, el mundo del hampa. Con sus victorias y fracasos, con sus búsquedas de venganza y redención, y con su inevitable fatalidad, siempre presente, y de la que nadie puede escapar.

El aspecto visual es soberbio, usando las luces y las sombras casi como un protagonista más de la película. Y el guión nos mantendra en vilo durante la hora y media escasa de metraje, intentando averiguar los “qués”, pero sobre todo y mucho mas interesante, los “porqués”.

Esta gema fílmica del genial Melville ("el gran poeta del cine criminal" según el Los Angeles Times) es sin ninguna duda otra de sus verdaderas obras maestras.

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Queimada

2010-07-01T01:00:00.000-03:00

Jueves 29 a las 19 hs.

Título original: "Queimada!" (1969)

Dirigida por Gillo Pontecorvo; con Marlon Brando, Evaristo Márquez, Norman Hill. Música: Ennio Morricone. (121 min.)

Rodada en gran parte en Colombia y producida por Alberto Grimaldi, "Queimada!" es una rara mezcla de cine político y de aventuras con el plus de contar con un ícono como el inmenso Marlon Brando en el pico de su carrera.

"Si usted quiere sólo sexo, ¿qué cuesta más, mantener a una esposa o contratar el tiempo que usted quiera a una puta?". Así de expresivo se mostraba Sir William Walker (un magistral Brando), mercenario inglés llegado a la isla caribeña de Queimada en busca de la abolición de la esclavitud. Detrás, una potencia colonial en declive, Portugal, que controla la isla a su antojo y, en consecuencia, la producción de azúcar. Walker, al servicio de Inglaterra, formará un ejército revolucionario con José Dolores como cabeza visible, para destronar del poder a los portugueses. Dolores será el nuevo gobernante y, traicionando su ideal, admitirá la llegada de la civilización inglesa. Pero las revoluciones suelen ser traicionadas y una gran vuelta de tuerca vuelve a traer a la isla a William Walker, esta vez con un propósito diferente.

El film es una de las grandes gemas del cine político, muy entretenido, con mucha acción y excelentes escenarios naturales. Genial reflejo del paso del mercantilismo al capitalismo, de la esclavitud gratuita a la seudoesclavitud asalariada. Una historia profunda y humana que ofrece también una valiosa reflexión sobre que la unión hace la fuerza y, sin embargo, la falta de una clara conciencia política puede hacer que esa fuerza se quede en nada.

Fieles a sus ideales políticos y sociales, el director (prestigiado por nada menos que "La Batalla de Argel") y el mismo Brando, que se profesaban admiración mutua, decidieron colaborar en este agresivo proyecto en contra del colonialismo y la esclavitud. Al final, debido a sus diferencias creativas en la construcción del personaje de Walker y a la testarudez de ambos, terminaron enemistándose y, según cuenta la leyenda, Brando amenazó a Pontecorvo con matarle si volvía a encontrárselo alguna vez. Mientras Pontecorvo quería un malo tradicional, Brando prefería pintar un hombre íntegro con un trabajo execrable; es decir, algo más humano y creíble.
En este caso, Brando fue quien tuvo razón, y lo demostró con una interpretación inolvidable, plena de matices, que sostiene con fuerza una película que contaba con actores no profesionales (entre ellos el coprotagonista Evaristo Márquez y prácticamente todos los demás extras y secundarios colombianos).

Destacan además una buena fotografía y puesta en escena, escasos pero mordaces diálogos, y una gran ambientación colonial.
Un gran y olvidado film de Pontecorvo, aquel director que supo convertir el cine político en arte, y viceversa.

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Miedo Súbito

2010-06-01T04:00:00.000-03:00

Jueves 3 de junio

Título original: "Sudden Fear" (1952)

Dirigida por David Miller; con Joan Crawford, Jack Palance y Gloria Grahame. (110 min.)

La gran Joan Crawford protagoniza este thriller por el que fue nominado al Oscar, en donde da vida a una mujer engañada. Le acompaña el debutante Jack Palance (nominado como actor de reparto), en un papel que en un principio iba a ser para Marlon Brando, y Gloria Grahame en el rol de "la otra": la típica femme fatale que acostumbraba a bordar en varios films. El director de fotografía Charles Lang también fue nominado a la estatuilla. También hay que destacar la música compuesta por el siempre efectivo Elmer Bernstein, realmente notable.

"Miedo Súbito" se inicia de manera muy atractiva. Apenas unos pocos planos nos introducen en las pruebas que se desarrollan en un teatro de Broadway, donde se está realizando el casting de una nueva obra de teatro escrita por Myra Hudson (Joan Crawford). Esta es una rica heredera que no desea vivir parasitáriamente de su fortuna, habiéndose labrado un prestigio como escritora teatral. En dicha selección de reparto, Myra veta la presencia como protagonista de un actor de vigorosa personalidad pero extraño físico, alejado de los cánones de galán. Se trata de Lester Blaine (Jack Palance), quien se quejará de forma airada ante la autora, dejándola prácticamente con la palabra en la boca.

Viajando en tren tras el éxito de su nueva obra –Miller recurre aquí a a la elipsis para obviar esta circunstancia, como lo hará en otros aspectos de su argumento, mostrándose pendiente sobre todo por el juego de suspense, la autora se reencontrará con Blaine, con quien de manera casi inmediata trabará relación.

Nuevamente Miller apostará por la elipsis, mostrándonos ya algunos aspectos oscuros de la personalidad de quien, muy pronto, se convertirá en el esposo de la heredera –otro aspecto que la elipsis orillará-. La plácida y entusiasta relación que mostrarán los nuevos esposos, pronto se truncará cuando, merced a un aparato de grabación que la escritora tiene instalado en su despacho –y que el espectador previamente ha intuido tendrá una importancia en el argumento-, descubre que Blaine no sólo tiene una amante –Irene Neves (Gloria Grahame)-, sino que ambos plantean el asesinato de Myra, antes de que esta firme su nuevo testamento, en el que la fortuna que atesora de su padre iría a parar a una fundación benéfica.

A partir de ese momento, la función se inserta en una espiral de creciente horror, teniendo dos asideros de especial importancia. Uno es, sin duda, la entregada e intensa labor de Joan Crawford en uno de los trabajos más valiosos de su carrera cinematográfica. El otro lo supone la espléndida labor de Charles Lang como operador de fotografía, implicándose al máximo en el protagonismo de una iluminación basada en contraluces de gran expresividad y fuerza, fundamentalmente en el episodio final de la película, pero igualmente en todos aquellos momentos en los que el suspense o la propia tensión del rostro de su pareja protagonista, devienen de especial importancia en la narración.

Serán, por supuesto, dos aliados de notable importancia, con los que un David Miller más inspirado de lo habitual en él trabajará de manera inteligente en el devenir de la película. Hay que reconocer que la conjunción de cualidades y lugares comunes que alterna de manera casi constante "Miedo Súbito", proporcionan unos veinte minutos finales que podrían, por derecho propio, engrosar cualquier antología del suspense cinematográfico.

La combinación del largo, casi extenuante episodio final, inicia un fragmento casi carente de diálogos, en el que la modulación del suspense, la fuerza de la contrastada iluminación, el aprovechamiento de los detalles, y la fuerza de la interpretación, alcanza un paroxismo que tendrá su prolongación en la furiosa persecución por un nocturno y casi fantasmal San Francisco. No importa que la peripecia final pueda posteriormente ser vista como artificiosa, ya que en esos instantes es vivida por el espectador con una intensidad rara en el contexto del cine norteamericano de aquel tiempo.

Obtuvo 4 nominaciones al Oscar en 1952, incluyendo mejor actriz (Crawford), actor secundario (Palance), fotografía B&N y vestuario.

Cabe señalar que "Miedo Súbito" fue una de las películas más destacadas y aplaudidas por crítica y público en el Primer Festival Internacional de Cine de Mar del Plata (que se realizó entre el 8 y el 14 de marzo de 1954), siendo esta oportunidad la segunda vez que se exhibe en la ciudad, después de 56 años.

Ver escena:

El Magnífico

2010-06-01T03:00:00.000-03:00

Jueves 10 de junio

Título original: "Le Magnifique" (1973)

Dirigida por Philippe de Broca; con Jean-Paul Belmondo, Jacqueline Bisset, Bruno Garcin, Hans Meyer, Mario David, Monique Tarbès y otros. Música: Claude Bolling.

Un escritor mediocre de novelas de espionaje, François Merlin, cuya vida personal está llena de frustraciones, ha logrado hacer de su personaje, el aguerrido, carismático e inteligente espía Bob Saint-Clair, un éxito editorial.

El escritor ha dado al personaje todo tipo de habilidades profesionales y sociales que él nunca ha tenido. Una de sus técnicas de escritura consiste en emplear a las personas que conoce en la vida diaria para construir las historias.

Ficción y realidad se mezclan en un todo en el que el propio novelista toma la personalidad de Bob Saint-Clair para enfrentarse al malvado Coronel Kerpoff, la viva imagen de su editor.

Así, el escritor vuelca en su obra personajes y detalles de su patética vida cotidiana; por ejemplo, se pelea con el plomero, y en el libro aparece Bob Saint-Clair masacrando a dicho plomero sin asco.

Merlin adopta también la personalidad de Saint-Clair para seducir a Tatiana, la bella y joven ayudante del agente secreto que, en realidad, no es otra que Christine, una estudiante inglesa que ha llegado a París para llevar a cabo una investigación sociológica de las novelas de Merlin.

Autor y personaje se convierten en rivales al tratar de seducir a la bella estudiante, que está enamorada del agente secreto y a quien acompaña en sus arriesgadas aventuras.

La película satiriza las populares películas de espías al estilo James Bond. Es una película ingeniosa y divertida en la que los dos protagonistas se lucen al completo.

(Subtítulos: Denise Castello)

Ver trailer:

La Caída De Los Dioses

2010-06-01T02:00:00.001-03:00

Jueves 17 de junio

Título original: "La Caduta Degli Dei" (1969)

Dirigida por Luchino Visconti; con Helmut Berger, Dirk Bogarde, Ingrid Thulin, Helmut Griem, Charlotte Rampling, Umberto Orsini y otros. Guión: Luchino Visconti, Nicola Badalucco, Enrico Medioli. Música: Maurice Jarré. (156 min.)

Año 1933. El nacionalsocialismo ha tomado el poder en Alemania. El clan directivo de una importante empresa siderúrgica discute su actuación ante el previsible desarrollo de los acontecimientos. Solo Herbert se niega a colaborar con el régimen nazi, sobre todo a raiz del incendio del Reichtag, para él una prueba concluyente de la tirania que se avecina. Herbert tendrá que abandonar el país, acusado de un asesinato que no cometió. Detrás quedan Elizabeth, su esposa y las dos hijas del matrimonio. Los propietarios de la empresa se encuentran así en medio de las luchas por el poder, fundamentalmente entre las S.A. y el Ejercito.

Personal versión de Macbeth del maestro italiano, y libremente inspirada en la poderosa familia alemana Krupp, magnates del acero antes de la Segunda Guerra Mundial.

De contenido fuerte y escenas arriesgadas, sobre todo para la época en la que se estrenó,
pues mezcla secuencias de gran erotismo bisexual, todo ello en el ambiente de la Alemania nazi, en una historia de corrupción, sed de poder y criminalidad. También es un buen documento histórico de la época, que parece explicar bien un hecho tan trascendente como mal conocido: "La noche de los cuchillos largos".

"La caída de los dioses" sigue contando de forma excelsa la evolución en los años 1933 y 34 de lo que fue el ascenso al poder del Partido Nazi, y en particular de las SS; y lo hace a través de la historia de una empresa siderúrgica familiar y de cada uno de sus componentes, como si se tratara de un fresco donde se delinean los diferentes protagonistas de la época: las SS, las SA, los empresarios conservadores que en principio se consideraban neutrales, los opositores perseguidos, los advenedizos sin escrúpulos borrachos de poder, los perversos y crueles que siempre sacan partido por su perversidad y crueldad en tiempos revueltos.

El preciosismo decadente de Visconti goza aquí de su máximo desenfreno en las cenas del castillo familiar y en el papel de débil y neurasténico que protagoniza Berger, personaje excesivo tratado como una venganza personal de Visconti contra el nazismo (pedofilia e incesto incluídos).

Ciertamente, la última fase de la película pierde su "realismo" de ficción dentro de la historia y se introduce en una especie de historia alucinógena; pero donde algunos críticos encuentran pérdida, en realidad el tiempo ha demostrado que se trata de acierto, al ser ese casi surrealismo una metáfora de la locura sin tasa del propio nazismo (algo similar ocurre en el final de Lope de Aguirre de Herzog o en Apocalypse Now).

En suma, Visconti a tope en una historia necesaria, contada con tintes Shakespearianos.
Nominada al Oscar al Mejor guión original (1969).

El film es una muestra de lo que es el cine de autor y de lo que es el neorrealismo propio de Visconti. Mucho más cercano a Brecht, por ejemplo en la puesta en escena de los personajes.

La calidad de la fotografía de Armando Nannuzzi y Pasquale de Santis es absolutamente impecable y los colores nácar dan esa atmósfera barroca, que producen cierto rechazo en el espectador.

Los planos -algunos casi dantescos- son perfectos, lo mismo que el guión. Tal vez el único punto flojo sea la música original compuesta por Maurice Jarre. La idea original de Visconti era usar a Mahler, lo cual hubiera dotado al film de una atmosfera musical más apropiada.

De todas maneras, más allá de que se nota que el gran director aprovechó hasta los últimos extremos la posibilidad que le daba la temática Nazi para desbocarse escandalosamente, estamos frente a una obra maestra del cine.

De "La Caduta Degli Dei" nos quedamos con aquellos momentos en los que Visconti se acerca tímidamente a Wagner: la fiesta de cumpleaños del barón Joachim von Essembeck al principio del film y una boda-suicidio al final. Y en mitad de la misma, "La noche de los cuchillos largos"; una secuencia tan larga, complicada y hermosa como el desenlace del "Anillo del Nibelungo".

Una película que hoy en día nadie se atrevería a hacer.

"Excelente puesta en escena y maravillosas interpretaciones para un clásico del cine mundial" (Fernando Morales: Diario El País)

Ver corto:

Sol Rojo

2010-06-01T01:00:00.000-03:00

Jueves 24 de junio

Título original: "Soleil Rouge" (aka "Red Sun") (1971)

Dirigida por Terence Young; con Charles Bronson, Toshiro Mifune, Ursula Andress y Alain Delon.

El inglés Terence Young, director de las dos primeras películas de James Bond, dirigió este extraño spaghetti western franco-italiano, rodado en España y con un elenco formado por el norteamericano Charles Bronson, el japonés Toshiro Mifune, el francés Alain Delon y la suiza Ursula Andress.

La película, definida por su compositor Maurice Jarre como 'surrealista', sería parodiada con ganas en títulos ya decididamente dementes como Mi nombre es Shanghai Joe (1972) y El blanco, el amarillo y el negro (1974).

En la Arizona de 1870, el tren del embajador del Japón es asaltado por unos bandidos que se apoderan de una espada de oro que era un regalo del Emperador nipón al presidente de los Estados Unidos. Un samurai al servicio del Imperio y uno de los ladrones traicionado por sus compañeros unen sus fuerzas para atrapar a los asaltantes y cumplir dos muy distintas venganzas.

El resultado fue un extravagante e inusual Western que mezcla elementos del spaghetti-western de Leone con las películas de Kung Fu y el tradicional cine de acción británico que caracteriza a Young. Bronson y Mifune realizan un estupendo trabajo como la pareja despareja central, explotando Bronson una vena cómica que demuestra que buen actor era más allá de su encasillamiento de duro. La química entre ellos es de lo mejor de la película, siendo todo un detalle poder ver a un actor de "Los Siete Samurais" (1954) de Akira Kurosawa, (Mifune), junto a un integrante del elenco de su remake americana, "Los Siete Magníficos" (1960), (Bronson).
Alain Delon se muestra muy a gusto y divertido con su rol de villano del film y Ursula Andress aporta su cuota de erotismo habitual. La música es provista por el legendario Maurice Jarre, y es excéntrica como la película misma, mezclando toques de Enio Morricone con el uso de koto, dulcimer, acordeón y una orquesta sinfónica.

Lo más sorprendente de esta película es que más allá de su melange internacional funciona como un entretenido film. Lo que podría haber sido tomado a risa, como sucediera más tarde con otros films de similar temática, se presenta seriamente, y una soterrada historia de honor y revancha se acompaña con paciencia y perfección.
Toshiro Mifune no es el ladero gracioso de Charles Bronson y Alain Delon no es un bufón francés.

Como nota interesante, se puede destacar que esta es la primera película donde Mifune habla un idioma diferente de su idioma natal.

Subtítulos: Denise Castello

Ver trailer:
(Para verlo en pantalla completa cliquea el ícono en la barra inferior de la ventana de video)

No Se Puede Parar La Música

2010-06-01T00:30:00.003-03:00

Domingo 27 a las 19 hs. en la sala Piazzolla
(Función especial con entrada libre y gratuita, en adhesión al Día de la Dignidad Gay)

Título original: "You Can't Stop The Music" (1980)

Dirigida por Nancy Walker; con los Village People, Valerie Perrine, Bruce Jenner, Steve Guttenberg, Paul Sand y otros. (124 min.)

Un DJ y compositor de Nueva York, Jack Morell (Steve Guttenberg) necesita conseguir una gran oportunidad para lograr que su música sea escuchada y así obtener una contrato de grabación. Pero con ayuda de su compañera, una ex supermodelo (Valerie Perrine) y un irritable abogado de impuestos (el Campeón Olímpico Bruce Jenner), reúnen a un peculiar grupo de seis cantantes traídos del vecindario Greenwich Village para una singular aventura de los 80 con diversión, fantasía y toda la fiebre de las Discos. Biografia libre que sigue de la creación del grupo “Village People”.

Village People ha sido uno de los grupos norteamericanos más singulares surgidos dentro de la música disco de finales de los 70.

Todo comenzó cuando a finales de esa década, el productor y compositor Jacques Morali descubrió a Felipe Rose, un bailarín que solía actuar disfrazado de indio en Greenwich Village (Nueva York). Tras reclutar a Rose y a Alex Briley (al que había visto cantando en el musical "El Mago"), Morali se encargó de hacer una audición y elegió a sus otros cuatro componentes llamados Glenn Hughes, David Hobo, Randy Jones y Victor Willis, formando así "Village People".

La característica principal de su estrafalaria puesta en escena consistía en que cada uno de los integrantes iba disfrazado; de este modo Alex Briley iba de soldado, Felipe Rose de indio, Glenn Hughes de motorista ataviado con ropa de cuero, David Hobo de obrero, Randy Jones de cowboy y Victor Willis de policía. Mientras que Victor Willis era el vocalista, los otros cinco componentes se encargaban de hacer de coristas al tiempo que todos bailaban y realizaban coreografías al son de temas muy pegadizos y enérgicos con música pregrabada. ,

Se convirtieron en el grupo preferido de la comunidad Gay de los Estados Unidos primero (todos ellos salvo Willis eran gays confesos y orgullosos), de la mundial después, hasta que se dio la particularidad que su música e imagen conquistó a todos los adolescentes sin importar preferncia sexual alguna.

Todo este surrealista cóctel (difícil de olvidar e imitar) desembocó en un primer LP titulado "Village People" (1977), que incluyó el tema "San Francisco". Un año más tarde llegó el disco "Macho Man", cuyo single de título homónimo fue todo un hit arrasando en las discotecas del mundo entero.

En 1978 publicaron su tercer trabajo "Cruisin'", que incluyó la archiconocida "YCMA" (Número 1 en Gran Bretaña y número 2 en USA). En 1979 Ray Simpson sustituyó a Victor Willis como el policía y el éxito se repitió con el disco "Go West" y su single "In the Navy" (número 3 en Gran Bretaña y número dos en USA). Para aprovechar esta buena racha, en 1979 también se editó un disco doble titulado "Live and Sleazy", que incluyó los hits antes citados.

Aunque no fueron bien tratados por parte de la crítica especializada, pronto se convirtieron en auténticos ídolos de la música disco, cuyos temas se han convertido en clásicos de la música pop de todos los tiempos resistiendo el paso de los años. El ascenso fue meteórico, actuaron en el "Madison Square Garden" y triunfaron a nivel mundial, dando conciertos en numerosos países.

La idea de este film era relatar una falsa biografía de la banda Village People teniendo a la bellísima Valerie Perrine como una sensual chica madura que ayuda a su amigo Steve Guttenberg (de Cocoon y Locademia De Policía) a impulsar su carrera musical como compositor disco. En su búsqueda de nuevos talentos que quieran interpretar su música, se encuentran, a medida que va avanzando la historia con cada uno de los integrantes de la banda para, finalmente llegar a un final de luces y colores que les llevara destinados a la fama segura como cantantes. Tammy Grimes, Marilyn Sokol y June Havoc son los coprotagonistas de este clásico producido por Allan Carr (Grease) que ofrece diálogos inolvidables, actuaciones inimaginables y producciones increíbles de sus hits como "Y.M.C.A.".

Una película altamente divertida y que quizo aggiornar el formato del musical clásico a la incipiente década del ochenta, siendo una celebración de la estética y cultura Gay aunque sin mencionar el asunto en ningún momento del film.

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Sun Ra: A Joyful Noise

2010-05-02T23:38:00.000-03:00

En el MARFICI
Sábado 8 a las 22 hs en el Cine Corrientes 2
Miércoles 12 a las 20 hs en el Cine Corrientes 2

Título original: "Sun Ra: A Joyful Noise" (1981)

Dirigida por Robert Mugge; con Sun Ra, June Tyson, John Gilmore, Marshall Allen, Danny Thompson, James Jackson, Elo Omoe y la Arkestra.

Este documental nos acerca al pensamiento, la mitología y el modo de vida de uno de los personajes más excéntricos y carismáticos del jazz, el brillante tecladista y compositor Sun Ra y su banda, en sus propias palabras, en la calle y en diversos ensayos y conciertos, tanto en vivo -con una multitud de músicos y bailarines en escena- como en una terraza, donde June Tyson se luce cantando como un verdadero ángel.
También la cámara muestra a varios de los músicos en su propia casa suburbana, donde viven en comunidad, y cuentan su vida y su experiencia con la Arkestra, y hasta se mete en el "Pharaoh Den", el negocio que lleva adelante Danny Thompson, donde les enseña a los chicos del barrio nociones sobre la mitología egipcia, el espacio exterior, la disciplina y la música.

"Sun Ra: A Joyful Noise" es una verdadera joya para todo aquel a quien le gusta Sun Ra y también un film esencial para todos aquellos a quienes les gusta el jazz.

Además de los diálogos, están traducidas las letras de las canciones y recitados de sus poemas.

Ver fragmento:

Ver otro fragmento:

Para más información sobre Sun Ra, visita el sitio oficial: http://www.elrarecords.com/
Otros sitios: http://www.the-temple.net/sunra/ http://www.astroblack.com/ http://en.wikipedia.org/wiki/Sun_Ra http://es.wikipedia.org/wiki/Sun_Ra

Space Is The Place

2010-05-02T23:20:00.000-03:00

En el MARFICI
Martes 11 a las 14 hs en el Cine Corrientes 2

Título original: "Space Is The Place" (1974)

Dirigida por John Coney; con Raymond Johnson, Barbara Deloney, Sun Ra and his Intergalactic Solar Arkestra.

Retirada de los cines poco tiempo después de su estreno, prácticamente inencontrable desde hace años y, sin embargo, convertida en película de culto por varias generaciones.

Luego de atravesar el espacio en una nave propulsada por música de jazz, Sun Ra se aproxima a la Tierra, con la intención de llevarse a la población negra a un nuevo planeta en donde pueda prosperar, y con esa misión aterriza en California. Allí se encuentra con un supervillano, the Overseer (el "Capataz", en alusión a los supervisores de la época de la esclavitud), interpretado por Ray Johnson, que explota a la población negra, en alianza con la NASA y el FBI. Luego de jugarse los destinos de la población negra en un extraño partido de naipes, ¿conseguirá Sun Ra salvarlos?

Esta auténtica joya del cine, mezcla de ciencia ficción surrealista y blaxplitation (y documental autobiográfico de quien aseguraba haber nacido en Saturno), que cuenta por si fuera poco con una banda sonora de otro planeta a cargo de la mismísima Intergalactic Solar Arkestra de Sun Ra, nunca ha sido proyectada en Argentina ni en países de habla hispana.

Así comienza:

Otras escenas (editadas, sin spoilers):

Como bonus, aquí va un tema de la banda original de sonido:

Verano del 42

2010-05-01T22:55:00.001-03:00

Jueves 13 de mayo

Título original: "Summer of '42" (1971)

Dirigida por Robert Mulligan; con Jennifer O'Neill, Gary Grimes, Jerry Houser, Oliver Conant, Lou Frizell, Christopher Norris, Katherine Allentuck. Con música de Michel Legrand.
Duración: 102 min.

Han pasado muchos años desde que Hermie pasó sus vacaciones junto a Oscy y Benji en una isla. Todavía recuerda aquel verano, en el que se enamoró de una mujer mucho mayor que él.

La historia es bien simple, pero ahí reside su encanto: Un hombre recuerda un verano maravilloso, el del 42. Las aventuras en la playa con sus dos amigos, sus flirteos con adolescentes no muy agraciadas, las sesiones de cine, los libros de adultos... Pero todo se desvanece cuando la ve a ella, la misteriosa y bella mujer cuyo marido parte hacia el frente.

Una película sobre la pérdida de la inocencia, del primer amor, de la nostalgia, que sigue la estética de la época, por lo que a veces recuerda a "La última película" (Peter Bogdanovich, 1971). Mientras que en los últimos años el tema del descubrimiento del sexo y el amor en un grupo de amigos adolescentes da como resultado "American Pie" y similares, aquí destaca la curiosa combinación de la ingenuidad que muestran los muchachos con su sentido común, con esos comentarios (por ejemplo, la conversación que tiene lugar cuando Oscy y Hermie quieren copiar el libro de los padres de Benji) que, siendo tan inocentes, esconden una sabiduría muy poco común. La secuencia de la farmacia y los preservativos, aunque excesivamente larga, es uno de los momentos más divertidos de la película: simplemente memorable y encantadora.

La última recta del filme es de una belleza incontenible, subrayada por una Jennifer O´Neill de la que la mitad de los espectadores se enamoraron, y de la oscarizada música de Michel Legrand, una dulzona y pegadiza melodía que sin dudas se convirtió en uno de los protagonistas fundamentales del film.

Visión de una más que finiquitada adolescencia, de realista onirismo tanto en su atmósfera como en su ambiente, "Verano del 42" es una película extrañamente sencilla, contenida y hermosa, de una previsibilidad que nunca ha sido tan acertada. Va directa a las emociones, con dulzura pero sin sensiblería barata, melancólica, se transforma en un recuerdo universal sobre el paso de la adolescencia a la madurez.

Herman Raucher, con esa emotiva manera de escribir su historia; Robert Mulligan, con la profunda sensibilidad que cada tanto demostraba en la dirección (“Matar un Ruiseñor”, “Un Verano en Louisiana”…); Michel Legrand con su bellísima partitura; y Jennifer O’Neill con su dulcísima presencia, hacen de “VERANO DEL 42” un filme que nos llega hasta lo más recóndito del alma.

Ganadora del Oscar a la Mejor banda sonora original y con otras 3 nominaciones.

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