Este ciclo está dedicado a aquellos géneros cinematográficos que por lo general no se ven reflejados en los ciclos de cine-debate o cine arte, como por ejemplo, el cine clásico, el cine bizarro, la ciencia ficción, el cine negro, el erótico, el de terror, el spaghetti western, el blaxploitation, el anime, el cine clase 'b' en general y otros géneros. Dentro de estos subgéneros cinematográficos pueden encontrarse verdaderas joyas cinematográficas, como así también las peores películas de la historia; pero si hay algo que todas tienen en común es su garantía de diversión. Esperamos que lo disfruten.

Los Cínecos



PROGRAMACIÓN AÑO 2014

Sun Ra y el jazz espacial más psicodélico de Saturno en el III Festival Mar del Plata Jazz


El Grupo Cínecos se suma al III Festival Mar del Plata Jazz, a realizarse del 4 al 8 de diciembre de 2013, presentando el documental "Sun Ra: A Joyful Noise" y la película "Space Is The Place".

Ambas películas son estrenos para países de habla hispana ya que fueron subtituladas por nosotros y no existen más copias que las que proyectaremos.

Días y horarios:

"SUN RA: A JOYFUL NOISE" (documental):
Jueves 5 a las 21:30 Hs. en Rondó Bar - Hipólito Yrigoyen 2575

"SPACE IS THE PLACE" (película)
Viernes 6 a las 21:30 Hs. en Rondó Bar - Hipólito Yrigoyen 2575

Ambos eventos son con entrada libre y gratuita.


SUN RA: A JOYFUL NOISE

Jueves 5 de diciembre a las 21 hs. en Rondó 

Título original: "Sun Ra: A Joyful Noise" (1981)

Dirigida por Robert Mugge; con Sun Ra, June Tyson, John Gilmore, Marshall Allen, Danny Thompson, James Jackson, Elo Omoe y la Arkestra.

Este documental nos acerca al pensamiento, la mitología y el modo de vida de uno de los personajes más excéntricos y carismáticos del jazz, el brillante tecladista y compositor Sun Ra y su banda, en sus propias palabras, en la calle y en diversos ensayos y conciertos, tanto en vivo -con una multitud de músicos y bailarines en escena- como en una terraza, donde June Tyson se luce cantando como un verdadero ángel.
También la cámara muestra a varios de los músicos en su propia casa suburbana, donde viven en comunidad, y cuentan su vida y su experiencia con la Arkestra, y hasta se mete en el "Pharaoh Den", el negocio que lleva adelante Danny Thompson, donde les enseña a los chicos del barrio nociones sobre la mitología egipcia, el espacio exterior, la disciplina y la música.

"Sun Ra: A Joyful Noise" es una verdadera joya para todo aquel a quien le gusta Sun Ra y también un film esencial para todos aquellos a quienes les gusta el jazz.

Además de los diálogos, están traducidas las letras de las canciones y recitados de sus poemas.


Ver fragmento:


Ver otro fragmento:


Para más información sobre Sun Ra, visita el sitio oficial: http://www.elrarecords.com/
Otros sitios: http://www.the-temple.net/sunra/ http://www.astroblack.com/ http://en.wikipedia.org/wiki/Sun_Ra http://es.wikipedia.org/wiki/Sun_Ra


SPACE IS THE PLACE
Viernes 6 de diciembre a las 21:30 hs en Rondó

Título original: "Space Is The Place" (1974)

Dirigida por John Coney; con Sun Ra and his Intergalactic Solar Arkestra.

Retirada de los cines poco tiempo después de su estreno, prácticamente inencontrable desde hace años y, sin embargo, convertida en película de culto por varias generaciones.

Luego de atravesar el espacio en una nave propulsada por música de jazz, Sun Ra se aproxima a la Tierra, con la intención de llevarse a la población negra a un nuevo planeta en donde pueda prosperar, y con esa misión aterriza en California. Allí se encuentra con un supervillano, the Overseer (el "Capataz", en alusión a los supervisores de la época de la esclavitud), interpretado por Ray Johnson, que explota a la población negra, en alianza con la NASA y el FBI. Luego de jugarse los destinos de la población negra en un extraño partido de naipes, ¿conseguirá Sun Ra salvarlos?

Esta auténtica joya del cine, mezcla de ciencia ficción surrealista y blaxplitation (y documental autobiográfico de quien aseguraba haber nacido en Saturno), que cuenta por si fuera poco con una banda sonora de otro planeta a cargo de la mismísima Intergalactic Solar Arkestra de Sun Ra, nunca ha sido proyectada en Argentina ni en países de habla hispana.


Así comienza:

Sun Ra - Space Is The Place por le-pere-de-colombe

Otras escenas (editadas, sin spoilers):


Y como bonus, aquí va un tema de la banda original de sonido:

Ensayo de Orquesta

Miércoles 9 de octubre

Título Original: "Prova d'orchestra" (1978)

Dirección: Federico Fellini
Intérpretes: Balduin Baas, Clara Colosimo, Elizabeth Labi, Ronaldo Bonacchi
Guión: Federico Fellini, Brunello Rondi
Fotografía: Giuseppe Rotunno
Música: Nino Rota
Producción: Michael Fengler, Renzo Rossellini
País: Italia
Duración: 70 min.

La película transcurre en una antigua iglesia medieval que cuenta con una acústica perfecta para que suene en ella una orquesta. En un antiguo oratorio, un grupo de músicos se reúnen para tocar bajo la batuta de un autoritario director de orquesta, concediendo una entrevista a un invisible periodista de televisión, a modo de un falso documental. El copista, los músicos, el director, cada uno expresa sus intereses y  preocupaciones, y a la vez suceden hechos inesperados.

La puesta en escena del film es brillante y austera, probablemente por el bajo presupuesto y los pocos escenarios con los que contaba Fellini.

La música, a cargo de Nino Rota -al igual que en muchas películas de Fellini- cobra mayor importancia por tratarse de un film tan eminentemente musical. Particularmente, para Ensayo de orquesta compone una partitura muy sugestiva. Según algunos, en el fondo la película es un homenaje de Fellini a Rota, como artista y como amigo.

Ver trailer:

Sonatine

Miércoles 16 de octubre

Título Original: "Sonatine" (1993)

Dirección: Takeshi Kitano
Intérpretes: Takeshi Kitano, Aya Kokumai, Tetsu Watanabe, Masanobu Katsumura.
Guión: Takeshi Kitano
Fotografía: Katsumi Yanagijima
Música: Joe Hisaishi
Producción: Masayuki Mori, Toshio Nabeshima, Ritta Saitô, Takio Yoshida
País: Japón
Duración: 94 min.

Miyuki: Eres duro. Me encantan los tipos duros.
Aniki Murakawa: No llevaría un arma si fuera un tipo duro.
Miyuki: Puedes disparar sin pensarlo dos veces.
Aniki Murakawa: Disparo rápido porque me asusto rápido.


Sonatine es una película japonesa estrenada en el año 1993 escrita, dirigida, editada y protagonizada por el el director japonés Takeshi Kitano. Ha ganado numerosos premios, lo que llevó a este film a convertirse en una de los más exitosos y reconocidos de toda su carrera y ganando un importante número de fans alrededor del mundo.

Aniki Murakawa (interpretado magistralmente por Kitano), es un jefe yakuza de Tokio que es enviado a Okinawa con un grupo de sicarios para ayudar a terminar una guerra entre mafias. Pero Murakawa desconfiaba tanto de sus jefes como de su misión, y después de la sangrienta traición que le habían preparado, decide desaparecer un tiempo y esconderse con los que quedan vivos en una playa alejada.

De esta manera se organiza una suerte de colonia de vacaciones para gangsters, donde todos parecen entrar en un mundo pueril de juegos tontos y a comportarse y divertirse como niños, mientras su jefe planea una despiadada venganza.

Kitano combina la violencia y el humor de una manera única y maravillosa, logrando planos excepcionales. La música, a cargo del gran Joe Hisaishi, uno de los más importantes compositores de la actualidad, acompaña y realza este film descarnado, violento y lleno de poesía.

Memorable pieza de cine yakuza, Sonatine fue la cinta que lanzó a Kitano al mercado internacional y es un antecedente clave para entender sus trabajos siguientes y su proyecto fílmico en general. Seca, austera y desnuda como el rostro de su protagonista, Sonatine sigue siendo una de las mejores películas de su director y del género.

Ganadora de numerosos premios, como el premio a la mejor película en la sección 'Un Certain Regard' del Festival de Cannes, el Caribdis de Oro del Festival de Taormina para Takeshi Kitano, el premio de la Academia Japonesa a la Mejor Banda Sonora (para Joe Hisaishi), entre otros premios, y nominada a la Palma de Oro del Festival de Cannes y al León de Oro del Festival de Venecia, ambos para Kitano.

Ver trailer:


Un Burgués Pequeño Pequeño

Miércoles 23 de octubre

Título original: "Un Borghese Piccolo Piccolo" (1977)

Dirigida por Mario Monicelli; con Alberto Sordi, Shelley Winters, Vincenzo Crocitti y otros (122 min.)

Un modesto funcionario público está próximo a la jubilación. Decide ingresar en la logia masónica a la que pertenece su jefe para, de este modo, ganarse su respeto y lograr que su hijo entre a trabajar en el mismo ministerio que él. De golpe un hecho inesperado cambiará para siempre su vida.

Una historia fuerte desarrollada magníficamente. El argumento trata sobre el aterrador drama de un hombre común que sufre una tragedia sin igual. Las reacciones, motivaciones y transformaciones psicológicas de este hombre son el leit motiv de la película.

Desde el primer minuto no se puede dejar de sentir empatía e identificación con el protagonista (Alberto Sordi), especialmente si el espectador es padre de familia, quedando conmovidos por el dolor y reacciones de un hombre que no puede asimilar la tragedia que le ha tocado vivir. Alberto Sordi se luce en una actuación de suma intensidad, junto a Shelley Winters como partenaire, extraña pareja y sin embargo un gran acierto del director.

Una película que nos deja profundamente afectados de la misma manera en que lo hacen películas como "Feos, sucios y malos" de Ettore Scola o incluso "Saló (o los 120 días de Sodoma)" de Pier Paolo Pasollini.

Sordi es único, nadie interpreta de la manera en que él lo hace, tanto comedia como tragedia, y por eso ninguna película en donde él actúe queda sin su sello personal. Pero el sello de Sordi no es como el de los actores que vuelcan su propia personalidad carismática en la interpretación (De Niro, Pacino, Hoffman, etc.), Sordi impone una marca de intensidad, su interpretación habla de lo insondable de los sentimientos humanos. Un actor con mayúsculas, como Gassman, Volonté o Mastroiani, pero a diferencia de aquellos, lo que identifica y diferencia a Sordi es esa versatilidad que tiene para moverse con holgura entre los extremos dramáticos, una cualidad que nos transporta a su propio mundo de interpretación y nos presenta una realidad creíble y a la vez surreal.

Es de destacar que el mismo año que filmó este "capolavoro" también filmó los tres sketches que protagoniza en la genial "Los Nuevos Monstruos" (film que cerrará el mes de Junio del ciclo Función Especial)

La mayoría de las películas del director Mario Monicelli se centran en gente común, que hablan y viven como cualquiera. Suelen ser personajes que no tienen los recursos necesarios como para superarse y, dada la oportunidad de hacerlo, resultan despistados creadores de situaciones condenadas al fracaso cómico. Gracias a intérpretes como Vittorio Gassman, Alberto Sordi, Ugo Tognazzi, Toto, Nino Manfredi y otros, Monicelli ha producido exuberantes comedias humanas a partir de los pesares cotidianos de todos los días. Sus personajes suelen ser egoístas y graciosamente destructivos, tontos queribles inmersos en un mundo lleno de fuerzas hostiles e incomprensibles. Ya desde los años cincuenta, marcados por el “milagro económico” italiano, Monicelli lanzaba granadas satíricas hacia la hipocresía institucional, el conformismo y toda otra clase de enfermedad o espejismo social. Su cine ha reunido siempre, con una audacia considerable, humor grotesco y crítica social.

Esta verdadera joya del cine italiano de todos los tiempos es una de las grandes cimas del mismo, como así tambien de su director Monicelli y el inmenso Alberto Sordi, en el que tal vez sea el papel de su carrera.

Ver escena:

Ghost Dog, el Camino del Samurai

Miércoles 30 de octubre

Título original: "Ghost Dog: The Way of the Samurai" (1999)

Dirección: Jim Jarmusch.
Intérpretes: Forest Whitaker, Henry Silva, John Tormey, Cliff Gorman, Isaach De Bankolé, Camille Winbush. Duración: 116 min.
Guión: Jim Jarmusch
Fotografía: Robby Müller
Música: RZA
Producción: Jim Jarmusch, Richard Guay
País: EE. UU.
Duración: 116 min.

Ghost Dog (interpretado estupendamente por Forest Whitaker) es un samurai en la época moderna que vive en una azotea rodeado de palomas mensajeras, por medio de las cuales se comunica con sus clientes y cuyo mejor amigo es un vendedor de helados haitiano (Isaach de Bankolé) que no habla una palabra de inglés, y una pequeña niña llamada Pearline (Camille Winbush) con quien intercambia libros. Solitario y meticuloso, por un lado trabaja como asesino a sueldo y por otro sirve con devoción al hombre que le salvó la vida en su infancia -el mafioso Louie. Sin embargo, en uno de los trabajos que le encarga Louie las cosas se complican y de repente toda la mafia se propone hacerlo desaparecer, por lo cual Ghost Dog debe planear su propio plan de defensa, siguiendo el camino de los antiguos samurais.

Esta película escrita y dirigida por Jim Jarmusch es un homenaje a la película El Silencio de un Hombre (título original, Le Samouraï), de 1967, dirigida por Jean-Pierre Melville e interpretada por Alain Delon.

Nominada, entre otros premios, a la Palma de Oro del Festival de Cannes como Mejor Película y al premio César como Mejor Película Extranjera.

Ver trailers:

La Gran Ilusión

Miércoles 4  de septiembre


Título Original: "La Grande Illusion" (1937)

Dirección: Jean Renoir
Intérpretes: Jean Gabin, Pierre Fresnay, Erich von Stroheim, Dita Parlo, Marcel Dalio.
Guión: Jean Renoir, Charles Spaak
Fotografía: Christian Matras   
Música: Joseph Kosma
Producción: Albert Pinkovitch, Frank Rollmer
País: Francia
Duración: 114 min.

"La Gran Ilusión" es una película francesa dirigida en 1937 por Jean Renoir, rodada entre febrero y mayo de 1937. Es considerada una obra maestra absoluta del cine y una de las mejores películas de todos los tiempos, además de ser la primera de las obras maestras del director Jean Renoir. Estuvo censurada por Italia antes de la guerra; en Bélgica ni siquiera se llegó a estrenar, y fue nombrada enemiga cinematográfica Nº1 por el Ministro de propaganda alemán, Goebbels.

La película cuenta la historia de un grupo de prisioneros franceses de distintos orígenes en un campo de concentración alemán durante la Primera Guerra Mundial, y como fondo muestra las diferencias sociales existentes en Europa antes de dicho conflicto, así como las consecuencias que devendrían posteriormente a dicha guerra.

Magnífico el trabajo de Jean Gabin, Pierre Fresnay y Erich von Stroheim en este film inolvidable.

Nominada al Oscar como Mejor Película, y ganadora de numerosos premios a la Mejor Película por parte del Consejo Nacional de Crítica de Cine de los Estados Unidos, el Círculo de Críticos de Nueva York y el Festival de Venecia.

Ver trailer:


Trono de Sangre


Miércoles 18 de septiembre

Título Original: "Kumonosu-jô" (1957)

Dirección: Akira Kurosawa.
Intérpretes: Toshirô Mifune, Isuzu Yamada, Minoru Chiaki, Akira Kubo, Noriyasu Odagura.
Guión:  Akira Kurosawa, Hideo Oguni, Shinobu Hashimoto Ryûzô Kikushima (basado en la obra "Macbeth" de William Shakespeare).
Fotografía: Asakazu Nakai
Música: Masaru Satô
Producción: Akira Kurosawa, Sôjirô Motoki.
País: Japón
Duración: 110 min.

Algunos dicen que Akira Kurosawa es el director más shakesperiano de la historia del cine. También es cierto que William Shakespeare es el dramaturgo con más obras llevadas a la gran pantalla. Kurosawa- Shakespeare es una combinación perfecta que sirvió para llevar las traiciones de la corona inglesa a una batalla entre samuráis desarrollada en el Japón feudal. Trono de Sangre está dirigida por Kurosawa y basada en el Macbeth que Shakespeare escribiera en 1606.

En Trono de Sangre, Kurosawa le da vida a Macbeth a través del personaje de Washizu, interpretado por Toshiro Mifune, uno de los actores más fieles al director japonés. Juntos hicieron 15 películas de las 47 que dirigió el maestro.

Washizu es un hombre atormentado por fantasmas, que no habría pensado en llegar al poder, de no ser por la insistencia de su mujer, Asaji. La ambición insaciable del guerrero digno y orgulloso lo lleva hasta la locura. Kurosawa pone en pantalla el declive psicológico de Washizu y su mujer por medio de contrastes en blanco y negro que van descubriendo a los personajes. "¿Acaso existe algún samurai que no querría convertirse en el señor de un castillo?" pregunta Washizu a su mejor amigo Miki como una sentencia de lo que está por venir: una lucha desleal que llevará a muchos a la desgracia.

Como espectadores, Kurosawa se encarga de “internarnos” y “sacarnos” de las escenas a su antojo. Por momentos estamos fuera de escena, más bien escondidos, como cuando los guerreros están perdidos en el Bosque de las Telarañas, y los seguimos entre los matorrales hasta un lugar de donde no podemos movernos, pero al que ellos regresan. Otras veces estamos dentro de la habitación de Asaji y sentimos también el temor a la muerte.

El director sabe cómo manejar las tormentas, las sombras, el día y la noche para introducirnos en el mundo desgraciado y traidor del Castillo de Washizu. Fiel a Shakespeare, Kurosawa mantiene los conceptos de pesadilla, noche y espanto.
(Texto extraído del blog "Los 365 días" en http://los-365-dias.blogspot.com.ar/)

En suma, "Trono de Sangre" está considerada como una de las representaciones cinematográficas mejor logradas de la obra de Shakespeare.

Ver trailer: