Este ciclo está dedicado a aquellos géneros cinematográficos que por lo general no se ven reflejados en los ciclos de cine-debate o cine arte, como por ejemplo, el cine clásico, el cine bizarro, la ciencia ficción, el cine negro, el erótico, el de terror, el spaghetti western, el blaxploitation, el anime, el cine clase 'b' en general y otros géneros. Dentro de estos subgéneros cinematográficos pueden encontrarse verdaderas joyas cinematográficas, como así también las peores películas de la historia; pero si hay algo que todas tienen en común es su garantía de diversión. Esperamos que lo disfruten.

Los Cínecos



PROGRAMACIÓN AÑO 2014

Baise-Moi

Viernes 16 de mayo

Título original: "Baise-Moi" (2000)

Dirigida por Virginie Despentes y Coralie Trinh Thi ; con Karen Lancaume y Raffaëla Anderson.

Nunca estrenada en la Argentina por autocensura de las distribuidoras, llega a Mar del Plata un verdadero filme de culto de la década del 90.

El filme, de apenas 77 minutos, narra la historia de dos mujeres, Nadine y Manu, que se encuentran una noche y, en plena huida, en un frenesí de sexo, drogas, armas y alcohol, asesinan a hombres por placer. La película, "un manifiesto feminista" según la autora de la historia, incluye una escena de violación como nunca se había visto en una película originalmente pensada para su explotación en salas comerciales. Con una muy accidentada distribución en Francia, con prohibiciones varias incluidas, es una obra de formas y planteamientos muy duros, casi traumáticos para el público en general, y que son el reflejo en la pantalla de la personalidad radical y la libertad sin límites ni escrúpulos en la que militan sus autoras.

Su mensaje, en contra de lo que los rumores sobre esta cinta vienen desarrollando, no es el de un feminismo radical contado a través de una historia de mantis religiosas que pretenden vengar al supuesto sexo débil de la masculinidad imperante. Lo que "Baise moi" expone es el desarraigo de dos mujeres asqueadas del mundo en el que viven, sucio no sólo por el machismo, sino por un odio omnipresente, que es el que las destruye como personas y el que las sitúa en otro estado del ser, absolutamente infrecuente y en cierto modo superior, y basado en el sexo y la violencia extrema.

Rodada con una pequeña cámara de vídeo digital y sin artificios, lenta en su planteamiento y, si se soporta, interesante, afronta su historia con una técnica concienzudamente provocadora, construida a partir de elementos acertados o fallidos, pero siempre radicales: una banda sonora con temas de rock duro y punk, escenas de sexo en formato tranquilamente pornográfico, una cámara que se mueve a veces a ritmo de corriente Dogma y una violencia sin tapujos, digna de la exageración de filmes como, por ejemplo, Asesinos por naturaleza. Una road movie de vidas más allá del límite, y que se empapa del odio y el extremismo de lo que cuenta hasta convertirse en una película desagradable pero con sentido, pornográfica pero rotunda, y con la virtud o el defecto cinematográfico de ser libre a costa de la provocación al espectador.

"De hecho, es un film punk, no pretendíamos hacer otra cosa", explicó Despentes en el Festival de Cine de Locarno (año 2000), rodeada por sus actrices y su correalizadora. Ante la consabida pregunta de si consideraban haber hecho un film pomo, la primera en responder -furiosamente, como si estuviera a punto de sacar un arma, como en la película- fue Rafaëlla Anderson, que interpreta a Nadine: "Una película porno tiene una vocación masturbatoria. No es éste el caso. ¿O es que alguien puede excitarse con una escena de violación como la de Baise-moi? Si hay escenas de sexo explícito en la película es porque queríamos evitar todas esas contorsiones ridículas que se hacen habitualmente para evitar mostrar el acto sexual". Para Despentes, la cosa es aún más clara: "Baise-moi es un film de guerra. Hay violencia ahí afuera y la película responde a esa violencia. La violencia sexual es violencia social. La explotación sexual es explotación social. Durante años, el cine se ha apropiado de nuestra imagen y de nuestra sexualidad como mujeres y con Baise-moi queremos revertir la situación". Con respecto a la censura, para Despentes, que antes de dedicarse al cine y a las letras hizo un poco de todo, desde atender un porno-shop hasta una casa de masajes) tampoco hay dudas: "No es una casualidad que la censura, la calificación X, haya caído sobre nuestra película. Somos todas mujeres; ellas tres vienen del pomo y yo no salí de una escuela de cine, precisamente. Mientras las chicas estemos en cuatro patas, en tren de chupar lo que sea, somos todas simpáticas, pero si renunciamos a este pequeño juego los hombres se enfurecen. En las películas tradicionales, las chicas son forzadas, pero siempre de manera que parezca algo divertido. Y no hay nada divertido en ser una chica. Por eso era importante empezar la película con una violación y con un asunto de prostitución. Y reivindicar también nuestro derecho, como mujeres, defilmar esa escena y de filmarla de esa manera, sin buscar la sensualidad. Llegó el momento de llamar a las cosas por su nombre".

Por su alto contenido de violencia y sexo explícito, obviamente no es apta para menores de 18 años.

Ver trailer: (cliquea aquí)



Web oficial de la película: http://www.baise-moi.co.uk/

More

Viernes 23 de mayo

Título original: "More" (1969)

Dirigida por Barbet Schroeder, con Klaus Grünberg y Mimsy Farmer.

Un joven alemán, Stefan Brückner (Klaus Grünberg), tras finalizar sus estudios en matemáticas emprende un viaje "a dedo" que le llevará a París. Allí conoce a Estelle Miller (Mimsy Farmer). A pesar de las advertencias que recibe de un amigo sobre Estelle (como una destructora de hombres), Stefan se enamora de ella y la sigue hasta Ibiza, donde descubre que está relacionada con un individuo que parece dirigir su vida. Allí se desarrollará una historia de amor y destrucción que refleja la experimentación con las drogas y el sexo propios de la época, y sufrió cortes de la censura en varios países.

Un retrato de la escena hippie del momento en Europa centrado especialmente en la vida de las comunas en Ibiza. Es considerada por algunos especialistas como una película de culto en parte por la banda sonora compuesta por Pink Floyd exclusivamente para el filme.

Extracto de una entrevista a Barbet Shroeder publicada en http://www.revistanumero.com/20aleteo.htm:
- ¿Cuál fue su primer proyecto como director?
- More, con música de Pink Floyd, rodada en el otoño de 1968. Era una historia de amor y destrucción; la idea era hacer la historia de una mujer fatal en camiseta.
- ¿En qué momento entró Pink Floyd a hacer la música?
- Cuando estaba realizando el montaje los Pink Floyd no eran muy conocidos pero me gustaban mucho, así que fui a preguntarles si querían hacer la música para el filme. A ellos les pareció buena la idea y de inmediato nos pusimos a trabajar: tardamos sólo quince días en componerla, grabarla y editarla. Normalmente ellos demoraban un año en la preparación de un disco, pero con éste lograron uno de sus mayores éxitos.

Ver clip: (cliquea aquí)



Para escuchar música del film:


Drácula, el Príncipe de las Tinieblas

Viernes 30 de mayo

Título original: "Dracula, Prince of Darkness" (1966)

Dirigida por Terence Fisher; con Christopher Lee, Barbara Shelley y otros.

Se trata de la tercera de las películas que conforman la serie que la Hammer dedicó a la creación de Bram Stoker. Y como en la primera, lleva la batuta de la dirección el excelente Terence Fisher, que ahí consigue uno de sus mejores trabajos, y por ende, una de las mejores películas fantásticas de todos los tiempos. La Hammer Film Productions Limited fue una productora británica que entre los '50 y los '60 renovó el género del terror con películas baratas donde solían repetirse los actores, los directores y las historias. Su mérito fue darle nueva vida a personajes que ya parecían enterrados por el medio, y es el caso del conde Drácula en este filme: una pareja de turistas quedan atrapados en el castillo donde el perverso vampiro acaba de despertar luego de varios años fuera de combate.

El legendario Christopher Lee interpreta al conde, mientras Terence Fisher (El Mastín de los Baskervilles) dirige y cumple como buen artesano. La película se inicia con un prólogo, que no es otra cosa que el soberbio final de Drácula (1958), donde una voz en off va explicando como Van Helsing terminó con el imperio de Tinieblas de Drácula. Debido a la diferencia de formatos entre los dos filmes (Drácula está rodada en formato cuadrado y Drácula, Príncipe de las Tinieblas, en panorámico) el director envuelve en una especie de neblina estas imágenes de arranque, que sirven no solo para enmascarar esta dificultad técnica sino también para crear una atmósfera fantasmal y fantástica de gran efectividad. A continuación se nos ofrece una escena estupenda para presentar al padre Sandor. Los lugareños, ante la sospechosa muerte de una joven, creen que se trata de vampirismo, pero él les reprocha su comportamiento supersticioso, y consigue que la madre de la muchacha recupere su cuerpo para ser enterrado como Dios manda. Este antagonista de Drácula se define en esta y en posteriores escenas, sobre todo en el encuentro con los ingleses en la taberna, como un hombre práctico, amante de los placeres sencillos y enemigo de toda superstición: un cazavampiros atípico y dotado de una gran frialdad.

“Drácula, príncipe de las tinieblas” parte del nudo argumental ideado por Stoker, que formaba la trama de las anteriores entregas del cineasta británico. Dos parejas hacen caso omiso de las advertencias y se encaminan al castillo del conde Drácula. Tras un accidente no del todo fortuito, son recogidos por un macabro personaje. Lo mejor de esta secuela de “Drácula” es la espléndida atmósfera de misterio, horror sobrenatural, y sin embargo, elegancia, que destila el filme, tan lejos de los efectismos de las malas películas actuales de terror. A la sutil ambigüedad de la obra no es ajena la composición del personaje principal que hace Christopher Lee, el actor que mejor ha sabido interpretar el maléfico a la vez que sugestivo noble transilvano, hasta el punto de que los rasgos del vampiro por excelencia han tomado ya, en la memoria colectiva de los espectadores, la imponente faz del actor inglés.

Filme muy recomendado para los aficionados al género de terror.

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Shalako

Viernes 4 de Abril

Título original: "Shalako" (1968)

Dirigida por Edward Dmytryk; con Sean Connery y Brigitte Bardot.

Se trata de un western con los dos mayores símbolos eróticos de la década del '60 en su plenitud. En esta película, Shalako (Sean Connery) dirige una expedición de caza a través de Nuevo México. Los cazadores se encuentran un campamento de aristócratas europeos que han sido tomados como rehenes por los indios. Después de que el campamento haya sido arrasado, Shalako llevará a los supervivientes a través del desierto, mientras protege a la Condesa Irina (Brigitte Bardot) de los indios y de la envidia de algunos de sus compañeros de expedición. El sólo hecho de pertenecer esta película a ese western "duro” heredero del spaghetti-western (filmado incluso en Almería) le hace tener un encanto especial.
La fotografía es de Ted Moore, quien trabajara en las películas de James Bond, al igual que la ex-chica Bond de "Goldfinger", Honor Blackman, quien integra el reparto junto a Stephen Boyd y otros.

Ver fragmento:

El Ladrón De Cadáveres

Viernes 11 de abril

Título original: "The Body Snatcher" (1945)

Dirigida por Robert Wise; con Bela Lugosi y Boris Karloff

Excelente producción de terror de bajo presupuesto, basada en un relato de Robert Louis Stevenson. Ambientado en Edimburgo en 1831, donde un joven estudiante de medicina, Donald Fettes, llega a la mansión del doctor MacFarlane, un prestigioso cirujano y profesor, para servirle como ayudante en sus experimentos. En esta historia Boris Karloff interpreta a un ladrón de cadáveres -el siniestro John Gray, “el cochero”- que le vende clandestinamente los cuerpos muertos para experimentos científicos, y lo termina chantajeando. Todo un clásico del género con el aliciente de ver a Lugosi y Karloff juntos -este último, en el mejor papel de su vida, demostrando que para dar miedo no se necesitan grandes efectos especiales.

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Érase Una Vez en El Oeste

Viernes 18 de abril

Título original: "Once Upon A Time In The West" (1968)

Dirigida por Sergio Leone; con Henry Fonda, Claudia Cardinale, Charles Bronson, Jason Robards y otros.

Una verdadera obra maestra del cine y tal vez el mejor Western de la historia. El guión está escrito por Bernardo Bertolucci y Dario Argento, y la dirección es de Sergio Leone, con sublime música de Ennio Morricone."Érase una vez en el oeste" es una pelicula llena de personajes de peso, repleta de momentos impresionantes, planos visualmente cautivadores y dialogos perfectos. Entre sus numerosos valores, cuenta con la grandiosidad de sus exteriores y un reparto impresionante: Henry Fonda resulta absolutamente convincente en un papel de malvado, Frank, asesino psicópata y desalmado al que no le remuerde la conciencia tras aniquilar a una familia entera; Jason Robards es el mestizo sobre el que pesa la acusación falsa de la matanza; Charles Bronson es el hombre hierático que recuerda y tratá de imponer la justicia en un mundo que carece de ella, y Claudia Cardinale impone un soberbio e impresionante papel femenino en un mundo de hombres.

Una de las claves de la película es el sosiego, la calma y el tono reflexivo y poético de la narración eminentemente visual y poco dialogada de Leone. El director se tomó su tiempo para desarrollar la trama y los personajes, acrecentando la sensación de exploración de una época: la del cambio y crecimiento de América. Para reflejar estas intenciones en pantalla, Leone hizo uso de todo su talento visual para desplegar una virtuosa lección de manejo de la cámara y prodigioso dominio del tempo cinematográfico. Rodó impactantes escenas de violencia explícita y esteticista junto a monumentales paisajes (el rodaje transcurrió principalmente en Almería y en Monument Valley), destacó escandalosamente la mirada y expresión facial de sus actores (otorgándoles un tratamiento de seres casi míticos, que comunican mediante acciones, poses, silencios y frases lapidarias) y ofreció inolvidables momentos de tensión estirando las situaciones hasta lo imposible. Resulta impresionante cómo retrata a los personajes mediante primerísimos planos, transmitiendo la dureza de estos hombres (y mujeres) de vuelta de todo, supervivientes de un mundo aún no civilizado y que se rige por la ley del más fuerte.

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Foxy Brown

Viernes 25 de abril

Título original: "Foxy Brown" (1974)

Dirigida por Jack Hill; con Pam Grier, Antonio Fargas y Peter Brown.

Link, el hermano de Foxy Brown, es un pequeño traficante de drogas al cual salva su hermana se una paliza que le iban a dar unos mafiosos. El novio de ella había colaborado para hacer caer una banda de narcotraficantes y cambia su identidad. Pero las cosas se complican y para vengarse ella termina infiltrándose en la organización haciéndose pasar por prostituta. La película es un clásico del blaxplotation, con música soul-funk de los 70 y mucha acción, humor, sexo, y una estética muy típica de la época.

Ver Trailer: (cliquea aquí)



Foxy Brown Soundtrack - Willie Hutch