¿Arde París?

Jueves 26 de noviembre

Título original: "Paris brûle-t-il?" (1966)

Dirigida por René Clément; con Jean-Paul Belmondo, Alain Delon, Orson Welles, Anthony Perkins, Kirk Douglas, Yves Montand, Simone Signoret, Jean-Louis Trintignant, Gert Fröbe, Pierre Vaneck, Glenn Ford, Jean-Pierre Cassel, Leslie Caron, Robert Stack, Michel Piccoli, Philippe Noiret, Charles Boyer y otros.
Guión: Francis Ford Coppola y Gore Vidal.
Música: Maurice Jarré.

"Esta es la historia de una hermosa ciudad, no como la conocemos hoy, sino como era en sus momentos más peligrosos y gloriosos".

París, agosto de 1944, tras cuatro años de durísima ocupación y al borde de la sublevación. Las tropas americanas y algunas francesas están a las puertas de la capital francesa dispuestas a liberarla. Pero Hitler ha ordenado a uno de sus generales que mantenga el control a toda costa... o que destruya toda la ciudad. Magnífico fresco histórico sobre la liberación de París por las fuerzas aliadas.

Con guión de Gore Vidal (el eterno rival de Truman Capote) y Francis Ford Coppola, el director de “A Pleno Sol” René Clément dirigió esta larguísima super-producción sobre la complicada liberación de París de la ocupación nazi.

Es interesante porque habla de aspectos no muy conocidos, como el disenso dentro de la propia Resistencia francesa, y además lo hace de una forma que huye de todo maniqueísmo fácil; por ejemplo, mostrando al enemigo alemán con una amplia gama de colores.

De hecho, uno de los personajes principales es el General Von Choltitz (encarnado por Gert Fröbe, el mítico "Goldfinger" de la tercera película de James Bond), un general alemán al que un desquiciado Hitler ordena la total destrucción de París, antes de tener que entregar la ciudad a las fuerzas aliadas. Este personaje se muestra algo razonable dentro de lo irracional de sus convicciones (ya que desearía la victoria alemana, pero sabiendo que no va poder ser así, tampoco desea destruir siglos de arte y de historia como le encarga el Führer).
Por otra parte, los siempre "salvadores" americanos tampoco se muestran tan preocupados por "salvar" París como por machacar al enemigo alemán.

El amplísimo reparto es impresionante; pareciera que todas las grandes estrellas se han juntado para rendirle este merecido homenaje a la heroica Resistencia francesa, a la liberación de París y a las víctimas de la guerra.

El film se basa en la obra "Is Paris Burning?", de Larry Collins y Dominique Lapierre. Se rodó en exteriores e interiores de Paris y en plató, con un elevado presupuesto. Obtuvo dos nominaciones a los Oscar (decorados y fotografía) y una a los Globo de oro (mejor música original).

La película muestra la crueldad y el carácter devastador de la guerra. Son escenas memorables la del inhumano embarque en tren con destino a Alemania de más de 2 mil partisanos, la alineación en paralelo al convoy de soldados alemanes, la petición de Himmler del "tapiz de Bayeux" (del siglo XI) para regalarlo a Hitler, la trampa mortal que la Gestapo tiende a un grupo de estudiantes, la toma de la Jefatura de la Policía,), la del Hotel Matignon y las conversaciones de Choltitz con el cónsul sueco Raoul Nordling (Orson Welles) -otro de los héroes de la película. Estos dos, Gert Fröbe y Orson Welles, junto a Pierre Vaneck (quien le da vida al Mayor Roger Callois) encarnan a los personajes más importantes del film.

La música, de Maurice Jarre, incluye un vals como tema principal, de tono épico. Acompaña la Resistencia con melodías marciales, los nazis con tonos patéticos y la Liberación con aires poéticos y triunfales. El tema central fue recogido en la canción "Paris en Colère". Interpretada por Mireille Mathieu, obtuvo gran éxito.

La fotografía, en blanco y negro, construye una narración de estilo documental, con inclusión de filmaciones de época, encuadres magistrales y movimientos de cámara espectaculares. La última secuencia es en color.

El guión combina el intimismo de las personas, emotivos movimientos populares, el realismo de la guerra y un ligero toque de humor (en una boda interrumpida). La dirección suma técnicas de cine americano ("El día más largo", 1962) con una aguda sensibilidad europea.

"¿Arde París?" es un retrato lleno de heroísmo y hermandad en uno de los momentos más decisivos de la II Guerra Mundial, una película emocionante y sobrecogedora donde la verdadera protagonista absoluta de la historia es la propia ciudad de Paris.

Duración: 175 minutos.

Esta es parte de la banda de sonido original:


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Historia De Un Detective

Jueves 1 de octubre

Título original: "Murder My Sweet" (1944)

Dirigida por Edward Dmytryk; con Dick Powell, Claire Trevor, Anne Shirley y otros. Basado en el libro "Farewell My Lovely" de Raymond Chandler.

La interpretación en el cine del mítico detective Philip Marlowe ha sido siempre objeto de curiosidad para cinéfilos y amantes del policial negro. Las grandes actuaciones de Humphrey Bogart en “The Big Sleep” o George Montgomery en “The Brasher Doubloon” son confirmaciones de la grandeza con la que este investigador ha sido plasmado en el celuloide. Pero antes que ellos, estuvo el primer intérprete de este polémico detective y fue nada menos que un desgarbado Dick Powell en la película “Murder My Sweet”. Menos duro que Bogart y más ácido que Montgomery, Powell hace de este personaje la representación más fiel en relación a las novelas literarias de su creador Raymond Chandler.

Con una moral fuerte pero ambigua (suena contradictorio pero es el rasgo característico de nuestro héroe), una romántica adicción al bourbon, y una alta resistencia al dolor físico, se nos presenta este enigmático hombre que pasa los días encerrado en su oficina y las noches en clubes nocturnos buscando gente.

Las tramas de Chandler, aquí adaptada al guión por John Paxton, son complejas y aquí nuevamente nos hace vivir en la piel del protagonista esta aventura que por momentos parece una pesadilla.
El director Edward Dymytrick conjuga esta extraña narrativa con un lenguaje visual pocas veces visto para un género donde el diálogo parece llevarse el interés narrativo y la imagen sólo está para crear atmósfera. Al contrario de esta norma, Dimytrick juega con el expresionismo lumínico como un factor determinante a la hora de decir con la cámara.

En cuanto a lo argumental del relato, Marlowe vive en esta ocasión un misterioso enigma compuesto por un triángulo familiar entre padre-hija-madrastra, con una femme fatale terrible y un par de matones que rompen el estereotipo del molde promedio. Sin embargo los elementos más extraños son un gigantón que busca a una corista perdida y un jade robado que nadie parece tener en su poder.

El resultado final de esta película produjo la admiración del mismo Chandler, que vio en Powell una interpretación perfecta del personaje. Esto es curioso porque a priori el director no podía creer que el estudio le haya encomendado el papel a este actor que parecía estar predestinado a realizar solamente comedias musicales. Lo demás es sabido; una fotografía maravillosa que honra al género, un submundo de gente inmoral y el dinero como única motivación de aquellos que quieren aparentar, ascender o simplemente mantenerse vivos en estas junglas de asfalto que fueron las ciudades del siglo XX.
(Información extraída de Otros Clásicos http://otrosclasicos.blogspot.com/2007/05/murder-my-sweet-1944.html)

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Peleador Callejero

Jueves 8 de octubre

Título original: "Hard Times" (1975)

Dirigida por Walter Hill; con Charles Bronson, James Coburn, Jill Ireland. Música: Barry De Vorzon.

Esta pequeña obra maestra del director norteamericano Walter Hill ("The Warriors", "Streets of Fire", "48 hrs") es uno de esos filmes que llegan al corazón sin golpes bajos ni ñoñerías. Todo lo contrario: la película se presenta a priori como una más de esos pasatistas divertimentos pochocleros de violencia y peleas, pero desprende una humanidad, ternura y grandeza de espíritu apabullantes.

Charles Bronson, en su papel de solitario vagabundo que se gana la vida con los puños pelados en la época de la depresión en Nueva Orleans, nos regala uno de los mejores papeles de su carrera. Su Chaney es un personaje duro y parco que refleja muchas carreteras recorridas y décadas de sinsabores sobre su curtida piel, pero Bronson, como Clint Eastwood, sabe cómo hablar con la mirada: siempre es mucho más valioso lo que dice con los ojos que con 100 palabras. Su estado físico (algo clave para una película centrada en el universo de las peleas clandestinas) sobresale en forma contundente, y en esto supera con creces al mismo Eastwood. A los 53 años el actor derrocha un auténtico poderío viril que -lejos de asemejarse a los patéticos patovicas de lámpara solar, anabólicos y gimnasios mecánicos del cine actual (recordemos el promocionado film "300" con sus heroicos protagonistas que parecían escapados de un club de strippers)- calza a la perfección con su papel.

A diferencia de otras películas donde las trompadas son vitales, aquí estas se sienten y viven con total realismo (a diferencia de películas como "Rocky" donde su artificialidad termina molestando), lo mismo que ocurre con todos los personajes, nunca caen en la caricatura sino que son pintados como reales seres humanos. Acompaña a Bronson como su pícaro pero autodestructivo manager nada menos que un impagable James Coburn, otro actor infravalorado que viene del corral de los "duros" pero que cuando tañe la cuerda de la simpatía se muestra imbatible. Juntos hacen una dupla inolvidable, aunque no hay que olvidar al gran Strother Martin como un doctor muy sui generis que cuida de las heridas del luchador y compone la tercera pata de un trío inolvidable.

Todo en esta gran película -que podríamos tipificar "para hombres" (pero no machista, que es otra cosa)- es de un nivel notable: los actores secundarios, el guión, la reconstrucción de época, la fotografía, el ritmo y la música.
"Peleador callejero" ("Hard Times" o sea Tiempos Duros en su título original) es un verdadero clásico menor del cine norteamericano de la década del setenta, y no ha perdido nada de sus valores a pesar de no contar con la ausencia total de efectos especiales o trucos computarizados. Una película de las que ya no hay...

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A La Hora Señalada

Jueves 15 de octubre

Título original: "High Noon" (1952)

Dirigida por Fred Zinnemann; con Gary Cooper, Grace Kelly, Kathy Jurado, Thomas Mitchell, Lloyd Bridges.

En la pacífica localidad de Hadlevylle, a las diez y media de la mañana de un domingo, el ex-sheriff Kane se casa con Amy, una joven cuáquera. A punto de emprender el viaje de bodas, llega la noticia de que Frank Miller, un forajido al que Kane ayudó a condenar, ha salido de la cárcel y llegará en el tren de las doce, dispuesto a vengarse. Con gran sentido del deber, Kane decide quedarse y hacer frente a Miller y a sus hombres. Pero sus conciudadanos por los más diversos motivos, le vuelven la espalada...

Una obra maestra del western, dirigida por un artesano como es el fenomenal Fred Zinemann. Con una magistral interpretación a cargo de Gary Cooper, encarnando a ese sheriff que en solitario ha de enfrentarse con los asesinos. Y con 90 minutos interminables, cargados de angustia y desesperación.

La película está narrada en tiempo real, y la historia está planteada como si fuese una película de suspense que culmina magistralmente en el montaje que se produce antes de la llegada del tren a las doce del mediodia. Y es que la unión de los planos de las caras, la del reloj, la de su péndulo, la de las vias del tren, entre otros muchos más, es un soberbio ejemplo de como mantenerlo a uno pegado a la butaca desde el principio hasta el fin sin mover una pestaña.

Cuenta con una fenomenal fotografía en blanco y negro, llevada a cabo por Floyd Crosby ("El hombre con rayos X en los ojos" -"The Man With the X-Ray Eyes"), recreándose en unos primeros planos verdaderamente impagables, y con una magnífica banda sonora a cargo de Dimitri Tiomkin, un hombre que es todo un mito en la música del cine. El tema "High Noon" forma ya parte de la historia.

En cuanto a los actores, están extraordinarios todos, con el ya citado Gary Cooper a la cabeza, secundado con una maravillosa Grace Kelly, y seguidos de un elenco inmejorable: Thomas Mitchell, Katy Jurado, Lloyd Bridge...

En fin, una película sin fisuras, una película mítica para la historia del cine del oeste que también puede apreciarse en otros planos y con otras lecturas ya que encierra también una certera crítica a la sociedad norteamericana de la época (Macartismo) y al "no te metas" generalizado de las sociedades modernas.

"A La Hora Señalada" (También conocida como "Solo Ante El Peligro"), logró en su dia cuatro premios Oscar: Mejor Actor (Gary Cooper), Montaje (Elmo Williams & Harrt Gestard), Musica (Dimitri Tiomkin), y Canción "High Noon"). Y además obtuvo tres nominaciones: Mejor Película, Director, y Guión Adaptado.
(Información extraída de http://pablocine.blogia.com/2007/041301-solo-ante-el-peligro-high-noon-1952-.php)

Este es el tema original de la película, "Do Not Forsake Me", de Tex Ritter:

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A Todo Riesgo

Jueves 22 de octubre

Título original: "Classe Tous Risques" (1960)

Dirigida por Claude Sautet; con Lino Ventura, Sandra Milo y Jean-Paul Belmondo.
Basada en la novela de Jose Giovanni

Un gángster condenado a muerte huye a París con su esposa e hijos después de años de ser fugitivo. Rápidamente comprende que sus viejos amigos no pueden o no quieren ayudarle y en su fuga desesperada debe confiar en extraños. Pero la tragedia le sigue los pasos y -como buen héroe de thriller francés- deberá buscar la forma más honorable de caer envuelto en llamas.

El director Sautet maneja a la perfección el ritmo y a su espléndido elenco, con gran uso de las locaciones, en su mayoría lugares reales.
Protagonizada por dos estrellas de primera magnitud como Lino Ventura y Belmondo, en el film se hace una radiografía sobre la camaradería, la traición, la venganza, la amistad, la ética y el honor.

Brillante muestra del cine negro francés que, en muchos aspectos, recogió temas y personajes que a su homónimo hollywoodense nunca le interesaron.

"A todo riesgo" se estrenó conjuntamente con "Sin aliento", siendo esta última la película que se llevó toda la fama en su momento -ambas con un notable y joven Belmondo en el reparto. Pero la película de Sautet fue un clásico poco reconocido e igualmente revolucionario, al cual el paso del tiempo no hizo más que agigantar dando su justa dimensión y opacando a aquella y a otras realizaciones contemporáneas.

Sautet renovó el género como lo hizo Tourneur, profundamente, lo cual se advierte desde la genial primera secuencia en la estación de trenes. Infundió a sus escenas de acción con absoluta autenticidad, dándole un increible sentido de realismo que le ganó la admiración del gran Robert Bresson.

La importancia de los lazos y sentimientos familiares primarios es lo que separa y distingue a "A Todo Riesgo" de cualquier otra película de gangsters de su tiempo. Las escenas de Davos (Ventura) con sus hijos transmiten una enorme ternura y calidez, y añade un intenso dramatismo a la historia.

Sautet deja de lado todos los clichés del género y contrariamente a Jean-Pierre Melville, que se inspira directamente en el imaginario del cine negro americano clásico, le da nueva vida bajo su propia perspectiva.

Por supuesto que detrás de este film subyace la pluma de un monstruo como José Giovanni, novelista y guionista autor de clásicos como Le Samouraï, Le Trou o Le Deuxième Souffle; un ex presidiario que conocía el submundo del hampa de primera mano.

Según el mismo Giovanni, esta fue la mejor adaptación al cine de todos sus libros. No tiene ni una sola escena en nightclubs, evitando todos los lugares comunes del género. Y tiene mucho más corazón incluso que "Le Deuxième Souffle".

Para finalizar, nada mejor que una cita del gran director francés Bertrand Tavernier, quien al referirse a esta película escribió lo siguiente: "Es un film que me hace querer abrazar a sus realizadores y convertirme en su amigo."

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Classe tous risques 1960