Yo, Cristina F.

Domingo 30 de noviembre en el Teatro Independencia

Título original: "Christiane F. - Wir Kinder vom Bahnhof Zoo" (1981)

Dirigida por Uli Edel; con Natja Brunckhorst, Thomas Haustein, Jens Kuphal, Christiane Reichelt, David Bowie y otros.
Música: Jürgen Knieper y David Bowie

Crudísimo relato sobre el efecto de las drogas en la juventud. Christiane es una adolescente de apenas 14 años que poco a poco se va enganchando a la heroína, hasta el extremo de tener que prostituirse para pagarse su dependencia. Basada en hechos reales, su crudeza no evitó que tuviera un considerable éxito de taquilla en Europa.

Kai Hermann y Horst Rieck son dos periodistas alemanes que estaban haciendo una investigación sobre los problemas de la juventud en Alemania. Conocieron a la verdadera Christiane cuando ésta se presentó en un tribunal de Berlín en calidad de testigo, las dos horas de entrevista que tenían previsto con ella se convirtieron en meses y de ahí nació el bestseller: "Yo Christiane F", también conocido como "Los hijos de la droga".

Y de ahí se dio paso a la película con Uli Edel, un director bastante desconocido (y desaprovechado) que luego se encargaría de una película todavía más cruda, si cabe, como es "Última Salida Brooklyn".

Se trata de una historia real, basada en la vida de Christiane Vera F, una drogadicta alemana de tan sólo 14 años, que fue capaz de sobrevivir al infierno. No tuvieron tanta suerte otros de sus compañeros de tragedia. Resulta impactante observar cómo Cristina, la protagonista, pasa de ser una niña angelical a convertirse en una heroinómana callejera, reflejando con horror la degradación humana a la que puede llegar cualquiera sólo por probar “a ver qué se siente” con la heroína.

"Yo, Cristina F" (chanzas políticas nacionales aparte) es una película dura, muy dura que no hace ningún tipo de concesión. A destacar los actores que lo hacen notablemente a pesar de su juventud, una fotografía sucia acorde con los lugares y personajes que se nos presenta y todo acompañado por la música de David Bowie.

Para escuchar parte de la banda de sonido, cliquea aquí:


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Zabriskie Point

Viernes 3 de octubre

Título original: "Zabriskie Point" (1970)

Dirigida por Michelangelo Antonioni; con Mark Frechette, Daria Halprin y Paul Fix.
Con música de Pink Floyd.

Un retrato épico de finales de los sesenta, contado a través de sus protagonistas: una estudiante de antropología que trabaja en una empresa que está construyendo en el desierto de Los Ángeles y un estudiante que es buscado por las autoridades por la supuesta muerte de un policía durante un disturbio estudiantil.

Después del extraordinario film "Blow-Up", Zabriskie Point iba a ser el trabajo más importante de Michelangelo Antonioni, un retrato de los Estados Unidos (y de la sociedad occidental, en guerra consigo misma) de finales de los sesenta. Al mismo tiempo iba a ser el tipo de pelicula con el financiamiento y facilidades técnicas que solo un estudio como Metro-Goldwyn-Mayer podía afrontar.

Cuando se hizo esta película, el movimiento hippie ya era mainstream y las ideas de la contracultura ya estaban bien establecidas -de otra manera no hubiera sido posible filmar semejante filme.

Sin embargo, las ideas izquierdistas de Antonioni le trajeron varios problemas: desde el acoso de los grupos que se oponían a la realización de la película alegando "anti-americanismo", el FBI metiendo las narices, los guardaparques de Death Valley (el Valle de la Muerte) que no le querían dejar filmar porque creían que iba a montar una orgía, el Sheriff de Oakland (California) acusando al director de provocar los disturbios que filmó, el fiscal de Sacramento acusándolo de conducta inmoral y de anti-americanismo, hasta el asedio de los estudiantes anti-establishment que sentían que estaban siendo "vendidos".
Y como si todo esto fuera poco, la censura. El final original de la película era una toma de una avioneta escribiendo en el cielo "Fuck You America", que fue cortada por el presidente de MGM, Louis F. Polk, junto con otras escenas. Su sucesor James T. Aubrey restauró algunas escenas, pero no esa del final.

El mayor crédito del film está en la enorme belleza de las escenas, que ya por sí solas hacen que la película valga la pena y demuestran que Antonioni estaba adelantado a la mayoría, y por supuesto, en la música que las acompaña.

La mayor parte de la banda sonora está a cargo de Pink Floyd, que para ese entonces ya eran la banda más importante del underground inglés. Los Pink Floyd pasaron más de un mes en Roma, trabajando 12 horas diarias sin ningun éxito tratando de complacer a Antonioni. Incluso rechazó un tema de piano compuesto por Richard Wright, que luego fuera utilizado por la banda con el nombre de "Us And Them", en el álbum "The Dark Side Of The Moon" -el disco más vendido de la historia.

En la biografia de la banda "Saucerful Of Secrets: The Pink Floyd Odyssey" de Nicholas Schaffner (1991), el bajista del grupo Roger Waters recuerda la experiencia: "Nosotros podiamos haber hecho todo en cinco dias.... Pero Antonioni ... Yo recuerdo que el tenia este terrible acento 'E muy belo, ma e muy triste,' o sino 'E muy fuerte.' Siempre habia algo que lo alejaba de ser perfecto. Tu cambiabas lo que estaba mal y el seguia infeliz, fue un infierno. Un verdadero infierno."

A pesar de todo, la "película maldita" de Antonioni es más que interesante, con una impactante fotografía y una banda de sonido que hizo historia. Sin duda es uno de esos films que representan el espíritu de toda una época.


"Una película transgresora y militante, en la que el cineasta viajaba al corazón del inconformismo juvenil en Estados Unidos, desde los campus universitarios hasta el Valle de la Muerte. Y lo hacía llevando consigo su nihilismo, su desesperación y su desencanto. No es un filme perfecto, desde luego, y su estética, deudora como lo es de su época, puede resultar difícil. Pero sí es un grito de guerra. Desesperado y lúcido al mismo tiempo." (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)

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Aquí van dos temas de la banda de sonido:

Sol Rojo

Viernes 10 de Octubre

Título original: "Soleil Rouge" (aka "Red Sun") (1971)

Dirigida por Terence Young; con Charles Bronson, Toshiro Mifune, Ursula Andress y Alain Delon.

El inglés Terence Young, director de las dos primeras películas de James Bond, dirigió este extraño spaghetti western franco-italiano, rodado en España y con un elenco formado por el norteamericano Charles Bronson, el japonés Toshiro Mifune, el francés Alain Delon y la suiza Ursula Andress.

La película, definida por su compositor Maurice Jarre como 'surrealista', sería parodiada con ganas en títulos ya decididamente dementes como Mi nombre es Shanghai Joe (1972) y El blanco, el amarillo y el negro (1974).

En la Arizona de 1870, el tren del embajador del Japón es asaltado por unos bandidos que se apoderan de una espada de oro que era un regalo del Emperador nipón al presidente de los Estados Unidos. Un samurai al servicio del Imperio y uno de los ladrones traicionado por sus compañeros unen sus fuerzas para atrapar a los asaltantes y cumplir dos muy distintas venganzas.

El resultado fue un extravagante e inusual Western que mezcla elementos del spaghetti-western de Leone con las películas de Kung Fu y el tradicional cine de acción británico que caracteriza a Young. Bronson y Mifune realizan un estupendo trabajo como la pareja despareja central, explotando Bronson una vena cómica que demuestra que buen actor era más allá de su encasillamiento de duro. La química entre ellos es de lo mejor de la película, siendo todo un detalle poder ver a un actor de "Los Siete Samurais" (1954) de Akira Kurosawa, (Mifune), junto a un integrante del elenco de su remake americana, "Los Siete Magníficos" (1960), (Bronson).
Alain Delon se muestra muy a gusto y divertido con su rol de villano del film y Ursula Andress aporta su cuota de erotismo habitual. La música es provista por el legendario Maurice Jarre, y es excéntrica como la película misma, mezclando toques de Enio Morricone con el uso de koto, dulcimer, acordeón y una orquesta sinfónica.

Lo más sorprendente de esta película es que más allá de su melange internacional funciona como un entretenido film. Lo que podría haber sido tomado a risa, como sucediera más tarde con otros films de similar temática, se presenta seriamente, y una soterrada historia de honor y revancha se acompaña con paciencia y perfección.
Toshiro Mifune no es el ladero gracioso de Charles Bronson y Alain Delon no es un bufón francés.

Como nota interesante, se puede destacar que esta es la primera película donde Mifune habla un idioma diferente de su idioma natal.

Subtítulos: Denise Castello


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Aquí van algunos temas de la banda de sonido:

El Confidente

Viernes 17 de Octubre

Título original: "Le Doulos" (1962)

Dirigida por Jean-Pierre Melville; con Jean Paul Belmondo, Serge Reggiani, Jean Desailly y otros.

La palabra francesa "doulos" refiere a un tipo de sombrero de ala ancha, el mismo que utilizan comúnmente los gángsters en el film noir. Asimismo, en la jerga policial o del hampa define al informante, al delator, al soplón. Esta ambigüedad presente en el título se vuelca en toda la película.

Nada es lo que parece en Le doulos, quienes pensamos traidores pueden no serlo, toda afirmación de los personajes debe ser puesta en duda, los "bandos" son difusos y presentan todos ellos costados reprobables. La lealtad de alguno puede ser tan inesperada como la traición. Un interrogatorio al borde de la tortura puede ocultar un acto de camaradería y el asesinato a sangre fría ser el único medio para la supervivencia.

Al igual que en su siguiente película "Le Samouraï", Melville explora la aparente contradicción entre el honor y la moral en el mundo de los gangsters. Los criminales son profesionales implacables y fríos, pero siempre dejan entrever en breves gestos corporales, en un milimétrico momento de inacción, en una furtiva mirada a un espejo, el torbellino emocional que atraviesan, la fuerza de la duda que les arremete y les obliga a hacer un doloroso balance de las consecuencias de sus actos. A la vez, adhieren a un código de honor que los sitúa en un asidero moral más firme que el de la policía. Mientras que El Samouraï logra esto en una trama minimalista, con poco diálogo, Le Doulos se parece más al filme tradicional de detectives, pero más inteligente que la norma y menos predecible. El argumento es complejo y recién a los quince minutos del final se descubre quiénes son los villanos y quiénes son los buenos.

En esta historia Maurice (Serge Reggiani) es un experto ladrón que ha pasado seis años en la cárcel por un robo anterior, y acaba de salir a la calle. Como suele suceder en estos casos, lo primero que hará sera reunirse con sus antiguos conocidos para reengancharse a su anterior vida y volver al trabajo. Sin embargo, hay un nuevo tipo dentro de su círculo: Silien. Magistralmente interpretado por Jean Paul Belmondo, Silien es un criminal frio y de imagen amable, que rara vez muestra sus sentimientos, y que tiene fama de ser un confidente de la policía.

Pero Maurice necesita el dinero, asi que no hará caso de habladurías, y se meterá de lleno en el trabajo. Asi arranca esta apasionante historia de policías y ladrones a la antigua usanza, de las que ya no se hacen. Y es que como corresponde al género, se trata de una película que trata con crudo realismo, sin florituras ni concesiones a la galería, el mundo del hampa. Con sus victorias y fracasos, con sus búsquedas de venganza y redención, y con su inevitable fatalidad, siempre presente, y de la que nadie puede escapar.

El aspecto visual es soberbio, usando las luces y las sombras casi como un protagonista más de la película. Y el guión nos mantendra en vilo durante la hora y media escasa de metraje, intentando averiguar los “qués”, pero sobre todo y mucho mas interesante, los “porqués”.

Esta gema fílmica del genial Melville ("el gran poeta del cine criminal" según el Los Angeles Times) es sin ninguna duda otra de sus verdaderas obras maestras.

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La Mujer De Negro

Viernes 24 de octubre

Título original: "The Woman in Black" (1989)

Dirigida por Herbert Wise; con Pauline Moran, John Cater, David Ryall, David Daker, Adrian Rawlins, Bernard Hepton y Clare Holman.

Un joven abogado es enviado a Crythin Gifford, un pueblo alejado, para poner en venta los bienes de la Sra. Drablow, una viuda a la que nadie quería. En el pueblo se da cuenta de que nadie quiere hablar de ella ni acercarse a su casa. Durante su estadía en su casa se da cuenta de que hay en ella una presencia que tiene maldito a todo el pueblo, y dicen que quien la ve hereda una terrible maldición. Ignorando las advertencias de los lugareños, el joven abogado se mete en la casa, donde descubre su horrible historia y se ve atrapado en su aún más horrible legado.

Adaptación de Nigel Kneale de la novela de Susan Hill, La Mujer De Negro tiene una excelente caracterización y una atmósfera amenazante de intenso terror.


(Subtítulos elaborados por Denise Castello)

Ver escena:

Ilsa, La Tigresa De Siberia

Viernes 31 de Octubre

Título original: "Ilsa, The Tigress Of Siberia" (1977)

Dirigida por Jean La Fleur; con Dyanne Thorne.

La saga de cuatro películas que tienen como protagonista a ese increíble personaje femenino, diabólicamente sexópata y magistralmente interpretado por la diosa Dyanne Thorne, está considerada como una de las más inolvidables, exitosas y perversas de la historia del cine clase B.

Sexploitation duro con toques feministas (siempre es Ilsa, en sus distintos roles según el film de turno, la que abusa de hombres y mujeres por igual) la saga ha sido revalorizada y puesta nuevamente de moda por directores como Tarantino, Robert Rodríguez y Rob Zombie.

En esta oportunidad se estrenará en Mar del Plata la cuarta y última entrega de la serie: "ILSA, la tigresa de Siberia" (1977), dirigida por Jean La Fleur, donde en esta oportunidad la protagonista es una Coronel a cargo de un Gulag de prisioneros en la Siberia Stalinista a los que somete a todo tipo de tormentos por no adecuarse a la ideología comunista, amén de dar rienda suelta a su amplio desenfreno sexual.

La segunda parte de la película (que de repente se transforma en algo así como una de espías) encuentra a Ilsa y sus secuaces 25 años después escondidos en Canada regenteando un perverso burdel al cual llegará una de sus antiguas víctimas del Gulag (ahora agente secreto del gobierno soviético) para vengarse.

Políticamente incorrecta, plena de violencia y sexo gratuitos, pero increíblemente divertida y antológica en su género, "Ilsa, la tigresa de Siberia" se ha transformado con el tiempo en un ícono de esa clase de cine que sólo piensa en la taquilla fácil apelando a los recursos más elementales, pero que a la larga han hecho historia.

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More

Viernes 5 de septiembre

Título original: "More" (1969)

Dirigida por Barbet Schroeder, con Klaus Grünberg y Mimsy Farmer.

Un joven alemán, Stefan Brückner (Klaus Grünberg), tras finalizar sus estudios en matemáticas emprende un viaje "a dedo" que le llevará a París. Allí conoce a Estelle Miller (Mimsy Farmer). A pesar de las advertencias que recibe de un amigo sobre Estelle (como una destructora de hombres), Stefan se enamora de ella y la sigue hasta Ibiza, donde descubre que está relacionada con un individuo que parece dirigir su vida. Allí se desarrollará una historia de amor y destrucción que refleja la experimentación con las drogas y el sexo propios de la época, y sufrió cortes de la censura en varios países.

Un retrato de la escena hippie del momento en Europa centrado especialmente en la vida de las comunas en Ibiza. Es considerada por algunos especialistas como una película de culto en parte por la banda sonora compuesta por Pink Floyd exclusivamente para el filme.

Extracto de una entrevista a Barbet Shroeder publicada en http://www.revistanumero.com/20aleteo.htm:
- ¿Cuál fue su primer proyecto como director?
- More, con música de Pink Floyd, rodada en el otoño de 1968. Era una historia de amor y destrucción; la idea era hacer la historia de una mujer fatal en camiseta.
- ¿En qué momento entró Pink Floyd a hacer la música?
- Cuando estaba realizando el montaje los Pink Floyd no eran muy conocidos pero me gustaban mucho, así que fui a preguntarles si querían hacer la música para el filme. A ellos les pareció buena la idea y de inmediato nos pusimos a trabajar: tardamos sólo quince días en componerla, grabarla y editarla. Normalmente ellos demoraban un año en la preparación de un disco, pero con éste lograron uno de sus mayores éxitos.

Ver clip: (cliquea aquí)


Para escuchar música del film:

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