Nos Habíamos Amado Tanto

Jueves 5 de mayo

Título original: "C'eravamo Tanto Amati" (1974)

Dirección: Ettore Scola
Intérpretes: Nino Manfredi, Vittorio Gassman, Stefania Sandrelli, Stefano Satta Flores, Giovanna Ralli, Aldo Fabrizi, Mike Bongiorno, Federico Fellini, Marcello Mastroianni, Vittorio De Sica, Nello Meniconi, Guidarino Guidi, Isa Barzizza.
Guión: Ettore Scola, Age, Scarpelli.
Fotografía: Claudio Cirillo
Música: Armando Trovajoli
Producción: Dean Cinematografica Delta
País: Italia
Duración: 124 min.

En esta gran película (su primer éxito internacional) nos encontramos con uno de los trabajos más inspirados de Ettore Scola: el Scola más genuino, el que marcó la senda de un gran cineasta y una enorme carrera. Todo nace aquí, en "C'eravamo Tanto Amati", un recorrido maravilloso a través de treinta años de la historia de Italia.

La amistad como punto central del relato; encuentros, desencuentros y traiciones se desarrollan a lo largo de esta cinta que homenajea al cine italiano.

Un viaje enriquecedor e inolvidable en el que, como siempre, Scola plantea infinidad de cuestiones que son tratadas de una manera humana y nostálgica. Trato sin duda influenciado por ese neorrealismo italiano que bajó a la cámara a los "infiernos" y mostró con veracidad la vida que acompañaba a un pueblo que se movía entre trapos y miserias.

Homenaje sincero a Di Sicca y a una generación de directores (Antonioni, Rosselini, Fellini, Visconti) que escribieron letras de oro en la historia del cine. Con estos ingredientes sumados a una estupenda utilización de las técnicas cinematográficas Scola firma su obra de arte. Y qué decir del reparto... Un sobrio Gassman en un papel totalmente distinto a los acostumbrados (pero no por ello menos brillante), un inolvidable y genial Nino Manfredi y una querible Stefania Sandrelli, sumado a las apariciones de grandes como Marcello Mastroianni, Vittorio De Sica y el mismísimo Federico Fellini, autohomenajeándose en un film inolvidable, tierno y amargo a la vez como la vida misma.

Ganadora del premio César a la Mejor Película Extranjera.


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La Violencia Está en Nosotros

Jueves 12 de mayo

Título original: "Deliverance" (1972)

Dirección: John Boorman
Intérpretes: Jon Voight, Burt Reynolds, Ned Beatty, Ronny Cox, James Dickey, Billy McKinney.
Guión: James Dickey (Novela: James Dickey).
Fotografía: Vilmos Zsigmond
Música: Eric Weissberg
Producción: Warner Bros. Pictures
País: EE.UU.
Duración: 110 min.

Como Sam Peckinpah hizo con "Los Perros de Paja" y Stanley Kubrick con "La Naranja Mecánica", el genial director John Boorman crea con "La Violencia Está en Nosotros" un gran film sobre el lado violento del hombre.

Ya la novela homónima de James Dickey, quien se adaptó a sí mismo para el cine, contenía un claro discurso sobre el terror y la violencia cotidiana, aspectos ambos que voluntariamente reforzó en esta versión cinematográfica.

Cuatro hombres de negocios de Atlanta salen a pasar un fin de semana en un maravilloso entorno natural. Será en plena naturaleza cuando afloren las pasiones, los odios y las venganzas que tendrán un más que violento final. Y será en la soledad compartida cuando las bestias que probablemente todos llevamos dentro aparezcan de manera imprevisible e irremediable.

John Boorman hizo con este "Deliverance" su película más personal y tuvo la enorme suerte de contar con uno de los mejores guiones de la década de los 70, además de con la contribución de la fotografía, descarnada e hiriente, desnuda y luminosa, de Vilmos Zsigmond. Su manejo de la tensión dramática es genial, es una película que atrapa al espectador, lo sacude y no lo deja indiferente al terminar.

También es para destacar la performance de los cuatro espléndidos actores: los entonces prácticamente debutantes Ned Beatty y Ronnie Cox, y muy especialmente de Jon Voight y Burt Reynolds (sin dudas, en el mejor papel de su carrera).

El film está considerado como uno de los más impactantes de toda la historia, siendo calificado por gran parte de la crítica especializada como una valiosa obra maestra que figura entre las mejores películas jamás filmadas.

Obtuvo 3 nominaciones al Oscar: Mejor director, Película y Montaje. Tuvo la mala suerte de haberse estrenado el mismo año que "El Padrino" de Francis Ford Coppola y "Cabaret" de Bob Fosse, razón por la cual no pudo alzarse con las varias estatuillas del Oscar que hubiese merecido.


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La Piscina

Jueves 19 de Mayo

Título original: "La Piscine" (1969)

Dirección: Jacques Deray
Intérpretes: Alain Delon, Romy Schneider, Maurice Ronet, Jane Birkin.
Guión: Jean-Claude Carrière, Jacques Deray, Jean-Emmanuel Conil.
Fotografía: Jean-Jacques Tarbes
Música: Michel Legrand
Producción: Gérard Beytout
País: Francia-Italia
Duración: 120 min.

Jean-Paul (Alain Delon) –escritor fracasado y actualmente creativo publicitario en crisis- y Marianne (Romy Schneider) pasan días felices en una villa en Saint-Tropez. Aparentemente su relación es plácida pero muy pronto advertiremos la fragilidad de la misma. Esta circunstancia se confirmará con la llegada de Harry (Maurice Ronet), amigo de Jean-Paul y antiguo amante de Marianne. A este le acompaña su hija de 18 años –Penélope (Jane Birkin)-, inicialmente ausente de la situación que se plantea pero que de forma paralela mostrará su fascinación por Jean-Paul, máxime al comprobar que posee más personalidad que la que le adjudicaba su padre en sus despectivos comentarios.

A pesar de que en apariencia sus diferencias del pasado se han resuelto, antiguas enemistades entre Jean-Paul y Harry pronto comienzan a resurgir - Harry alimenta constantemente los celos y la susceptibilidad de Jean-Paul con su arrogancia, y por sus referencias a su relación pasada con Marianne, que ella siempre negó ante Jean-Paul.

Así comienza un juego peligroso y ambiguo de deseos y celos entre los personajes, que va resquebrajando el frágil equilibrio aparentemente perfecto. La relación entre las cuatro personas adquiere unos tintes retorcidos pese a su aparente aire civilizado, y la atmósfera se vuelve cada vez más amenazante y asfixiante.
Una película sensual interpretada por actores magistrales, y que termina con una de las más bellas pruebas de amor que el cine ha inventado.

Nueve años después de "Plein Soleil", de René Clément (que ya hemos pasado en este ciclo), nuevamente podemos ver juntos a Ronet y Delon, las similitudes entre los personajes de estas dos películas también son numerosos y la rivalidad entre ambos nuevamente funciona a la perfección.


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Perfume de Mujer

Jueves 26 de mayo

Título original: "Profumo di Donna" (1974)

Dirección: Dino Risi
Intérpretes: Vittorio Gassman, Agostina Belli, Alessandro Momo, Moira Orfei, Franco Ricci, Elena Veronese, Stefania Spugnini, Lorenzo Piani
Guión: Ruggero Maccari & Dino Risi (Novela: Giovanni Arpino)
Fotografía: Claudio Cirillo
Música: Armando Trovajoli
Producción: Dean Film
País: Italia
Duración: 103 min.

Inteligencia, humor y tristeza son las claves de la obra de Dino Risi, el gran autor de esta maravillosa película (de la cual fue director y guionista); su actitud reflexiva y crítica hacia la realidad transformó y otorgó personalidad a la comedia italiana. Junto a Monicelli, Rossellini y Blassetti, entre otros muchos, dibujó uno de los retratos sociológicos más agudos de la historia del cine.

Fausto -un impagable Vittorio Gassman en la cúspide de su histrionismo- es un hombre mundano y soberbio que ha quedado ciego y no admite piedad de nadie. Su periplo por la bella Nápoles junto a su joven lazarillo (Alessandro Momo, promesa que venía de alcanzar el estrellato con el éxito "Malicia" junto a Laura Antonelli y fallecería poco después del estreno de este film en un accidente de moto) dará para impares escenas que conjugan la risa y la amargura, con toda la carga de humandidad que nos tiene acostumbrados el mejor cine italiano. Una bellísima Agostina Belli (en uno de sus papeles más recordados) hará de perfecto contrapeso amoroso en la parte final del film. Temas como la amistad, el envejecimiento, la discapacidad y la angustia se dan cita en el guión brillantemente filmado por el maestro Risi.

La remake americana del mismo nombre con un correcto Al Pacino no logra acercarse a la grandeza de la original ni en una décima parte; es como comparar una hamburguesa con gaseosa con un suculento plato de lasagna y vino chianti.

Premios 1975: 2 nominaciones al Oscar: Mejor película de habla no inglesa y Mejor guión adaptado; Premio del Festival de Cannes al Mejor actor (Vittorio Gassman); 2 David di Donatello por mejor director y mejor actor protagonista; y Premio Cesar (Francia) al mejor film extranjero.


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Misión: Monte Carlo

Jueves 7 de abril

Título original: "Mission: Monte Carlo" (1974)
Dirección: Roy Ward Baker y Basil Dearden
Intérpretes: Roger Moore, Tony Curtis, Laurence Naismith, Terence Alexander, Susan George, Annette Andre y otros.
Guión: Val Guest, John Kruse
Fotografía: Tony Spratling
Música: John Barry
Producción: Johnny Goodman
País: Reino Unido
Duración: 102 min.

Esta divertida película de aventuras con aristas policíacas nace de la gran popularidad en Europa y Argentina de la serie "The Persuaders", aquí conocida bajo el nombre de "Dos Tipos Audaces".

La serie fue protagonizada por Tony Curtis como Danny Wilde, y Roger Moore como Lord Brett Sinclair, dos magnates y playboys internacionales de muy diferente idiosincracia y gustos, a quien un juez retirado (el gran Laurence Naismith como el Juez Fulton) obliga a resolver casos que la policia no logra cerrar. Precisamente, gran parte del humor de la serie es derivada de las diferencias entre las costumbres británicas y las estadounidenses, y de la gran química producida entre los dos intérrpretes en la pantalla.

Roger Moore había estado directamente involucrado en la producción de la serie (incluso él mismo diseñaba la vestimenta de su personaje), y la necesidad de una co-estrella de América se ha considerado por todos imperativo asegurar un comunicado de la televisión en los EEUU.. Una elección por Rock Hudson fue rechazada, como lo fue por segunda elección de Glenn Ford. Una lista de candidatos se solicitó a continuación, de ABC. Tony Curtis acordó el proyecto de la serie y voló a Inglaterra en abril de 1970 para comenzar el rodaje de la serie.

El show terminó después de dos temporadas, como consecuencia de los bajos niveles de audiencia en la televisión de los EE.UU. (la serie era muy "cool" y fina para el gusto medio televisivo norteamericano), liberando así a Roger Moore para protagonizar las películas de James Bond. En nuestro país fue muy popular y se emitió durante años varias veces, llegando a convertirse actualmente en una verdadera serie de culto a nivel mundial, tanto es así que se habla de una remake en cine con Hugh Grant (Sinclair) y George Clooney (Wilde) en los papeles protagónicos.

"Misión: Montecarlo" es la unión de los dos primeros capítulos de la serie, ambientada en la bellísima ciudad de la Costa Azul en locaciones naturales, con la genial música del compositor John Barry y esa perfecta combinación de acción y comedia que sólo dos gigantes como Moore y el recientemente desaparecido Curtis podían lograr.


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Ascensor Para El Cadalso

Jueves 14 de abril

Título original: "Ascenseur Pour L'échafaud" (1958)

Dirección: Louis Malle
Intérpretes: Jeanne Moreau, Maurice Ronet, Georges Poujouly, Charles Denner.
Guión: Roger Nimier y Louis Malle (Novela: Noël Calef).
Fotografía: Henri Decaë
Música: Miles Davis
Producción: Jean Thuillier
País: Francia
Duración: 88 min.


Una de las constantes del cine negro siempre ha sido el cómo los crímenes supuestamente perfectos se acababan truncando debido a una serie de infortunios imprevistos, cuestión que en este film se explota hasta un punto extremo. "Ascensor para el Cadalso" -la ópera prima del cineasta francés Lois Malle- es prácticamente una oda a la mala suerte o a los designios del azar.

El argumento es sencillo y remanido a priori: una pareja de amantes planea el asesinato del marido de una de ellos, y lo que comienza como algo perfectamente pensado y ejecutado comienza a complicarse hasta lo desesperante. El manejo de la tensión y el suspenso de la trama es realmente notable, con una elegante y sobria dirección del joven Louis Malle, una increible fotografía en blanco y negro y las magistrales actuaciones de los tres personajes principales donde se destaca la inmensa Jeanne Moureau en uno de los papeles que la convirtieron en estrella.

Pero si hay algo que hizo de esta película algo singular eso fue y es la genial banda de sonido realizada por el músico de jazz Miles Davis. Malle, un gran aficionado al jazz y fan de Davis, comentó que: "La música contribuyó al éxito de la película. Le dio su tono, una atmósfera, una especie de ambiente que la música de Davis mantiene hasta el final y que le da su unidad."

A Miles -que justamente estaba en París cuando se estaba filmando el film- le gustó la idea de componer una banda sonora y aceptó el proyecto con la condición de tener un piano y un proyector de cine para visionar la película en la habitación de su hotel. Trabajó durante dos semanas de una manera relajada ante las imágenes, en condiciones próximas al cine mudo, cuando los pianistas de la salas de cine tenían la ocasión de acompañar e improvisar varias veces la misma película.


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Perros de Paja

Jueves 28 de abril

Título original: "Straw Dogs" (1971)

Dirección: Sam Peckinpah
Intérpretes: Dustin Hoffman, Susan George, Peter Vaughan y Del Henney.
Guión: David Goodman y Sam Peckinpah. Basado en la novela "The Siege of Trencher’s Farm", de Gordon Williams.
Fotografía: John Coquillon
Música: Jerry Fielding
Producción: Daniel Melnick
País: Reino Unido, EE. UU.
Duración: 118 min.

Estamos ante una de las obras maestras del cine más controvertidas de la historia, ya que, como su director, es irritante, antipática y violenta. Pocos films suscitaron tanta división de aguas entre la crítica especializada siendo a la vez un éxito de público (aunque es muy probable que por las razones equivocadas).

Ya se sabe que Sam Peckinpah ha sido un maestro en filmar y "estetizar" la violencia -westerns como "La Pandilla Salvaje" fueron su marca de fábrica y gran referentes- pero pocas veces como en "Perros de Paja" el cine se había atrevido a tanto. Y no sólo por lo shockeante de algunas imágenes o situaciones (que aún hoy no han perdido fuerza o poder) sino por la valentía creativa del director para ignorar los cánones políticamente correctos impuestos por la industria cinematográfica y la crítica bienpensante.

Se lo acusó (al film) de fascista, sexista, vacio, gratuitamente violento, racista, misógino y perverso. Pero nada de eso queda en pie en esta amarga lección de cine en estado puro, de tensión sobre tensión, de actuaciones magistrales (un soberbio Hoffman y una Susan George en el mejor papel de su carrera), gran montaje y perfecto guión.

El título alude a una cita de Lao Tse: "El cielo y la tierra son crueles, tratan a todos los seres vivos como a perros de paja. Tampoco el sabio es benevolente, trata a las personas como si fueran perros de paja".

Un film atrevido y único con el que debe soñar Quentin Tarantino una vez por semana.



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