El Valle

Viernes 6 de Junio

Título original: "La Vallée" (1972)

Dirigida por Barbet Schroeder ; con Bulle Ogier, Michael Gothard, Jean-Pierre Kalfon, Monique Giraudy, Valerie Lagrange, Jerome Beauvarlet y la Tribu Mapuga y sus Jefes.

Con banda de sonido original de de Pink Floyd

Vivianne, la esposa del Cónsul francés en Melbourne, viaja a nueva Guinea en busca de las exóticas plumas del "pájaro del paraíso" para ser vendidas en París, pero luego de conocer a Olivier se une a su grupo de expedicionarios europeos que van en busca de un valle inexplorado de la isla, que aparece en los mapas como una zona totalmente desconocida, "oscurecida por las nubes", y por lo tanto invisible desde un avión. Sólo los nativos Mapugas sospechan de su existencia pero no se atreven a explorarlo, porque creen que es allí donde viven los Dioses.

Nueva Guinea es el último lugar inexplorado, uno de los pocos lugares del globo donde todavía quedan regiones desconocidas que no figuran en los mapas. También es uno de los últimos lugares donde aún se encuentran tribus cuyo modo de vida es lo más cercano al Alto Neolítico. Como todo misterio, el valle se convierte en un símbolo. Para los europeos, el valle es el Paraíso; para los primitivos, es la muerte.

El film cuenta la transformación y el viaje de los personajes, que se aventuran al límite, con todos los riesgos que esto conlleva, y el descubrimiento de otras visiones de la vida. En el Valle la civilización desaparece, y con ella sus restricciones. Los protagonistas se encuentran solos con la jungla, con los misterios, con ellos mismos. A la vez, el internarse en lo profundo de la naturaleza salvaje, primitiva e inexplorada, representa la última frontera misteriosa que se puede cruzar -la muerte.

De esta manera Schroeder explora el encuentro de la cultura y valores europeos urbanos de los 70, en contraste con los de la tribu Mapuga de Papua, Nueva Guinea, que permanece inalterada -ni siquiera pudieron ser guiados en lo más mínimo por el equipo del director. De hecho, todo lo concerniente a la tribu fue totalmente improvisado, al igual que gran parte del film (siempre respetando una esrtuctura de escenas establecida). La película fue rodada en la jungla de Nueva Guinea y en el pico de Monte Gilowe, con quince personas en total (entre equipo y actores).

Toda aparente "inocencia" de la imaginería hippie es deliberada en el film, un intento de instalar el sentido de maravilla y aventura. Por eso el director ha eliminado toda alusión gratuita al folklore hippie, para describir lo mejor posible un profundo sentido de la aventura y lo desconocido, la estimulación de las facultades, la libertad sexual y la sensación de estar buscando las raíces y las fuentes, y de que la naturaleza y la humanidad se revelarán de alguna manera desnuda a la vista.

En "El Valle" la poesía surge sola del mismo paisaje, al que vemos sin filtros. Se trata más del placer del viaje en sí mismo, que de la meta. El tema final del film es por supuesto la búsqueda del Paraíso (tanto externo como interno), y el legendario Valle es para el grupo de exploradores el paradigma del deseo terrenal y espiritual.

Con música de Pink Floyd -nada menos que "Obscured By Clouds" -aunque no toda la banda de sonido de la película aparece en el CD, o los temas tienen distintas mezclas e incluso hay algunas variaciones en las letras. La música de esta película es la segunda banda de sonido compuesta e interpretada por Pink Floyd para el director Barbet Schroeder (la primera fue "More").

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También vale la pena ver esta escena con la música a todo volumen:


Escuchar música (Obscured By Clouds):

Frankenhooker

Viernes 13 de Junio

Título original: "Frankenhooker" (1990)

Dirigida por Frank Henenlotter; con James Lorinz y Patty Mullen.

Jeffrey es un joven electricista, que tiene como hobbie la bioquímica. En una reunión familiar, en la que se celebra el cumpleaños de su padre, Jeffrey presencia la muerte de su novia, Elizabeth, despedazada por la cortadora de césped que acababan de regalar al homenajeado. Jeffrey coge alguna de las partes mutiladas, y las lleva a su taller. Su objetivo es devolver a la vida a Elizabeth, recomponiendo su cuerpo y animándolo con la energía eléctrica de una gran tormenta que se producirá en un par de días. Pero para ello necesita encontrar miembros frescos con los que componer un nuevo cuerpo para Elizabeth. Las prostitutas del otro lado de la ciudad serán las candidatas perfectas para conseguir un cuerpo para su chica. Divertidísima parodia del mito de Frankenstein.

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El Samurai

Viernes 20 de Junio

Título original: "Le Samouraï" (1967)

Dirigida por Jean-Pierre Melville; con Alain Delon, François Périer, Nathalie Delon, Cathy Rosier y Michel Boisrond.

"La historia de un hermético y frío asesino a sueldo protagonizada por toda una estrella como Alain Delon supuso uno de los títulos más importan-tes del cine negro francés de todos los tiempos, obteniendo excelentes críticas." (FILMAFFINITY)

“No existe mayor soledad que la del samurai, salvo tal vez la del tigre en la jungla…” Con esta significati-va cita (inventada por el director) del “Libro Bushido de los Samuráis”, da inicio "Le Samouraï", la mítica obra maestra de Jean Pierre Melville, un film ampliamente imitado pero nunca superado hasta el momento.

Y es que esta película trata sobre la soledad; la soledad de un frío e implacable asesino a sueldo, Jeff Costello (Alain Delon) al que aparente-mente le han tendido una trampa y debe huir no sólo de la policía sino también de quienes lo han contratado.

La visión de París según Melville se filtra a través de su amor por el cine negro estadouni-dense: clubes de jazz con cantantes negras, calles oscuras, deshabitadas y lluviosas.

La soberbia interpreta-ción de Delon, la maravillosa dirección y la forma en la que está narrado, con un mínimo de diálogos y un inigualable uso del color (en el que predominan los azules y los grises) han hecho de esta película una obra maestra del cine negro y una película de culto.

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Líbranos del Mal

Viernes 27 de Junio

Título original: "Deliver Us From Evil"

Dirigido por Amy Berg.

Documental sobre el padre Oliver O'Grady, un pederasta que durante veinte años abusó de decenas de niños, mientras se ganaba la confianza de sus padres, en las distintas parroquias de California en las que impartió misa durante los años 70 y 80. Documentos internos de la iglesia prueban que desde 1973 sus superiores tenían conocimiento de estos hechos, que la jerarquía de la iglesia conocía sus predilecciones y actos pero aún así lo mantuvo en su puesto y no hizo nada por impedir o castigar su conducta, lo cual supuso que el reverendo abusara de gran cantidad de niños.

"Deliver Us From Evil" es una denuncia pública a un problema de enorme magnitud que ha sido y continúa siendo encubierto por la iglesia católica: los crímenes sexuales de los sacerdotes contra menores de edad.

Es espeluznante ver cómo cuenta con total naturalidad las cosas que hacía -si bien lo cuenta desde el arrepentimiento-, pero lo más obsceno del problema es comprobar cómo la jerarquía de la Iglesia pone todos los medios posibles por proteger a los sacerdotes y por tapar la boca de las víctimas. En el documental hay numerosas entrevistas y declaraciones filmadas de juicios en los que aparecen entre otros el obispo de Los Angeles mintiendo una y otra vez sin pestañear. El documental también muestra cómo el Vaticano es impenetrable cuando las víctimas tratan de acercarse para denunciar algunos de los casos.

Un detalle: el sacerdote en el que se centra el documental, después de haber sido declarado culpable de abusos y violaciones a lo largo de decenas de años, vive en Irlanda y recibe una pensión vitalicia del Vaticano.

Premios:
NYFCC (New York Film Critics Circle Awards) 2006: Mejor Documental;
WGA (Writers Guild of America) 2006: Mejor Guión y Documental;
BSFC (Boston Society of Film Critics Awards) 2006: Mejor Documental;
Satellite Awards 2006: Mejor Documental; Festival de Los Angeles 2006: Mejor Documental.
Nominado al Oscar en la categoría de Mejor Documental (2007), y otras varias nominaciones.

Página oficial: http://www.deliverusfromevilthemovie.com/index_flash.php
Blog del director: http://www.lionsgateblogs.com/deliverusfromevil/berg/

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1 COMENTARIOS:Verónica dijo...
"Mi mejor consejo para cualquiera que quiera criar chicos felices y mentalmente sanos es: MANTENGAN A SUS HIJOS TAN LEJOS DE LA IGLESIA COMO PUEDAN". (Frank Zappa, 1988)
4 de junio de 2008 20:08

El Hombre Que Cayó A La Tierra

Viernes 2 de mayo
Domingo 18 de mayo

Título original:
"The Man Who Fell To Earth" (1976)

Dirigida por Nicholas Roeg; con David Bowie, Candy Clark y otros

Los años 70 están plagados de devaneos artísticos que tiran hacia la psicodelia, el amor libre y demás, y la ciencia ficción fue un recurso muy utilizado en el cine para construir todo tipo de metáforas sociales usando planteamientos de futuros distantes. En ese contexto saldrán a la luz obras como “Zardoz” (1974) de John Boorman (con la cual comenzamos nuestro ciclo el mes pasado), “Quintet” (1979) de Robert Altman, o “La fuga de Logan” (“Logan’s Run”, 1976) de Michael Anderson.

En este contexto surge esta película que además hace una crítica de la sociedad norteamericana de su tiempo, de su superficialidad y su inagotable sed de dinero. Es la historia de un extraterrestre del planeta Anthea que cae en la Tierra en busca de agua para su planeta, pero se va adaptando muy bien a este planeta. La misión del antheano, quien asume el nombre terrestre de Thomas Jerome Newton, consiste en hacerse archimillonario, explotando las patentes resultantes de registrar varios inventos antheanos que pronto lo convierten, efectivamente, en el hombre más rico del mundo. En un principio, está más que dispuesto a lograr sus metas de antheano. Pero, a medida que pasa más tiempo entre nosotros, comienza a desarrollar un lado humano y a disfrutar de los aspectos añadidos de la cultura terrestre.

Algunas imágenes de este film aparecen en las portadas de sus discos "Station to Station" y "Low", que se dice que contienen fragmentos de la banda de sonido que Bowie había compuesto para la película, pero que luego no fue utilizado.

Aquí va un tema de cada disco:


Ver Trailer de la película: (cliquea aquí)

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La Dama De Shanghai

Viernes 9 de mayo

Título Original: "The Lady From Shanghai" (1947)

Dirigida por Orson Welles; con Rita Hayworth, Orson Welles, Everett Sloane y Glenn Anders.

Adaptación de un relato policíaco de Sherwood King, "La Dama de Shanghai" narra la historia de Michael O´Hara (Orson Welles), un marinero que salva de un atraco a Elsa (Rita Hayworth, cuyo pelo corto y teñido de rubio platino sorprendió al público de todo el mundo), la esposa de Bannister (Everett Sloane, en un papel brillante), un rico abogado quien le ofrece trabajar en su barco. Allí conoce a George Grisby (Glenn Anders), el socio de Bannister, que le propone simular su asesinato por cinco mil dólares, que le servirían para huir con la mujer. A partir de este momento, el personaje protagonizado por Welles se mete en una perversa espiral de trampas y misterios de la que no puede escapar.

Esta historia posee un ritmo infernal, un clima de intriga que no decae en ningún momento a pesar de no intercalar flashback alguno y unos diálogos punzantes, llenos de ironía y cinismo.
Formalmente hablando "La Dama de Shanghai" resulta magnífica, como no podía ser de otra manera en cualquier film del gran Orson Welles. Impresionantes juegos de luces y sombras, como ejemplo, el breve encuentro en el acuario entre Elsa y O´Hara, donde se muestran contraluces propios del mejor “film noir”. Encuadres y movimientos de cámara que retratan un mundo sórdido e inestable, en el que los personajes se abalanzan a un final trágico, inevitable para ellos, a causa de cumplir su propio destino.

Rodeada de polémica desde el momento de su estreno en 1948, cincuenta años después "La Dama De Shanghai" se considera un clásico de Welles, y la célebre escena de los espejos, tan fascinante como compleja en su juego de apariencia y realidad, pero de maldad multiplicada hasta el infinito, es una de las más deslumbrantes de la historia del cine.En definitiva La Dama de Shangai es una de las mejores obras del cine negro, inmortal al paso de los años.

Ver la famosa escena de los espejos: (cliquea aquí)

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Baise-Moi

Viernes 16 de mayo

Título original: "Baise-Moi" (2000)

Dirigida por Virginie Despentes y Coralie Trinh Thi ; con Karen Lancaume y Raffaëla Anderson.

Nunca estrenada en la Argentina por autocensura de las distribuidoras, llega a Mar del Plata un verdadero filme de culto de la década del 90.

El filme, de apenas 77 minutos, narra la historia de dos mujeres, Nadine y Manu, que se encuentran una noche y, en plena huida, en un frenesí de sexo, drogas, armas y alcohol, asesinan a hombres por placer. La película, "un manifiesto feminista" según la autora de la historia, incluye una escena de violación como nunca se había visto en una película originalmente pensada para su explotación en salas comerciales. Con una muy accidentada distribución en Francia, con prohibiciones varias incluidas, es una obra de formas y planteamientos muy duros, casi traumáticos para el público en general, y que son el reflejo en la pantalla de la personalidad radical y la libertad sin límites ni escrúpulos en la que militan sus autoras.

Su mensaje, en contra de lo que los rumores sobre esta cinta vienen desarrollando, no es el de un feminismo radical contado a través de una historia de mantis religiosas que pretenden vengar al supuesto sexo débil de la masculinidad imperante. Lo que "Baise moi" expone es el desarraigo de dos mujeres asqueadas del mundo en el que viven, sucio no sólo por el machismo, sino por un odio omnipresente, que es el que las destruye como personas y el que las sitúa en otro estado del ser, absolutamente infrecuente y en cierto modo superior, y basado en el sexo y la violencia extrema.

Rodada con una pequeña cámara de vídeo digital y sin artificios, lenta en su planteamiento y, si se soporta, interesante, afronta su historia con una técnica concienzudamente provocadora, construida a partir de elementos acertados o fallidos, pero siempre radicales: una banda sonora con temas de rock duro y punk, escenas de sexo en formato tranquilamente pornográfico, una cámara que se mueve a veces a ritmo de corriente Dogma y una violencia sin tapujos, digna de la exageración de filmes como, por ejemplo, Asesinos por naturaleza. Una road movie de vidas más allá del límite, y que se empapa del odio y el extremismo de lo que cuenta hasta convertirse en una película desagradable pero con sentido, pornográfica pero rotunda, y con la virtud o el defecto cinematográfico de ser libre a costa de la provocación al espectador.

"De hecho, es un film punk, no pretendíamos hacer otra cosa", explicó Despentes en el Festival de Cine de Locarno (año 2000), rodeada por sus actrices y su correalizadora. Ante la consabida pregunta de si consideraban haber hecho un film pomo, la primera en responder -furiosamente, como si estuviera a punto de sacar un arma, como en la película- fue Rafaëlla Anderson, que interpreta a Nadine: "Una película porno tiene una vocación masturbatoria. No es éste el caso. ¿O es que alguien puede excitarse con una escena de violación como la de Baise-moi? Si hay escenas de sexo explícito en la película es porque queríamos evitar todas esas contorsiones ridículas que se hacen habitualmente para evitar mostrar el acto sexual". Para Despentes, la cosa es aún más clara: "Baise-moi es un film de guerra. Hay violencia ahí afuera y la película responde a esa violencia. La violencia sexual es violencia social. La explotación sexual es explotación social. Durante años, el cine se ha apropiado de nuestra imagen y de nuestra sexualidad como mujeres y con Baise-moi queremos revertir la situación". Con respecto a la censura, para Despentes, que antes de dedicarse al cine y a las letras hizo un poco de todo, desde atender un porno-shop hasta una casa de masajes) tampoco hay dudas: "No es una casualidad que la censura, la calificación X, haya caído sobre nuestra película. Somos todas mujeres; ellas tres vienen del pomo y yo no salí de una escuela de cine, precisamente. Mientras las chicas estemos en cuatro patas, en tren de chupar lo que sea, somos todas simpáticas, pero si renunciamos a este pequeño juego los hombres se enfurecen. En las películas tradicionales, las chicas son forzadas, pero siempre de manera que parezca algo divertido. Y no hay nada divertido en ser una chica. Por eso era importante empezar la película con una violación y con un asunto de prostitución. Y reivindicar también nuestro derecho, como mujeres, defilmar esa escena y de filmarla de esa manera, sin buscar la sensualidad. Llegó el momento de llamar a las cosas por su nombre".

Por su alto contenido de violencia y sexo explícito, obviamente no es apta para menores de 18 años.

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Web oficial de la película: http://www.baise-moi.co.uk/